Hijo del Celuloide

El Fin

2008-04-06T11:18:00.006+02:00

Cerraba la anterior entrada diciendo que todavía había vida. Bueno, pues ya no la hay. El enfermo se nos murió.

Tras meditar sobre las posibilidades reales de que el blog tuviese una mínima regularidad y reflexionar sobre la utilidad actual del mismo, he decidido que es el momento de darle un descanso definitivo.
Cuando este espacio inició su andadura hace casi cuatro años en forma de página web no disponíamos de la cantidad de información en español sobre determinado tipo de cine que ahora mismo nos asalta desde innumerables frentes. Y no sólo es una cuestión de cantidad, sino también de calidad. Existen multitud de ejemplos de blogs mejor escritos, más vivos y divertidos que Hijo del Celuloide (bastantes de ellos propiedad de los lectores que se han asomado por aquí), por lo que no parece mal momento para retirarse discretamente y disfrutar como espectador.
Tan sólo me gustaría dar las gracias a todos aquellos que me han visitado, y especialmente a los que han dejado algún comentario. Ha sido divertido.

Hasta pronto.

Aviso para navegantes

2008-03-09T19:14:00.002+01:00

Si bien es cierto que este blog nunca se ha caracterizado por actualizarse con frecuencia, en los últimos meses las entradas han descendido en cantidad paulatinamente. Ello es debido a que los compromisos laborales han disminuido de manera drástica mi tiempo libre (y, por qué no decirlo, a una pereza crónica de la que me temo ya nunca me libraré). No obstante, espero organizarme mejor para empezar a animar el lugar en las próximas semanas y, a ser posible, poner en práctica alguna idea que llevaba valorando desde hace tiempo. Todavía hay vida.
Nos leemos.

Pero, ¿quién es Drácula? (17)

2008-02-21T22:08:00.004+01:00

Geordie Johnson
Dracula: The Series (Joe Dea, 1990)

Drácula gozó de una serie de televisión a principios de los años 90 (lo cual se hace dolorosamente notorio en la estética general) dirigida al público infantil que apenas duró 21 episodios y, sin embargo, dejó un grato recuerdo en la mente de unos cuantos espectadores. Algo que bien puede explicarse sin apelar a la nostalgia, puesto que tomando contacto con ella por primera vez en la actualidad se observan valores nada despreciables. Cierto es que la producción rezuma camp por todos sus poros entre vampiros siseantes y muecas imposibles, y que sólo bajo una óptica pueril se pueden justificar los convenientes giros argumentales, pero también que infunde un contagioso joie de vivre desde el primer capítulo muy de agradecer en nuestra gris realidad. Quizás las peligrosas situaciones a las que son expuestos los cazavampiros se resuelvan invariablemente de manera ingenua, más su recurrencia favorece una lógica interna a la cual el espectador tarda poco en acostumbrarse.

El Conde es sometido a un proceso de revisión apartado de la imagen torturada a la cual nos han acostumbrado escritoras como Anne Rice, efectuando un refrescante lavado de cara que influye tanto en sus acciones como en su actitud. Drácula deja de ser un monstruo anacrónico de aspecto repulsivo para integrarse plenamente en la sociedad como un atractivo y moderno hombre de negocios (si bien podríamos aventurar que en la novela de Bram Stoker se apunta hacia esa dirección). Ha hecho las paces con Dios y la humanidad y se dedica a disfrutar de su singular condición. Al respecto, cabe destacar la credibilidad con la que Geordie Johnson logra transmitir ese regocijo. Cuando espeta la frase “Soy Drácula y me encanta”, uno tiene la certeza de que enuncia cada una de las palabras con total convicción. Sus frecuentes pullitas hacen esbozar sonrisas pese a lo extravagante de su papel, el cual suspende en un punto limítrofe con lo paródico sin llegar a cruzar la frontera.

Como curiosidad anoten que la bella Mia Kirshner realizó en esta serie una de sus primeras actuaciones relevantes. A edad temprana Mia ya apuntaba maneras (y también alguno de los tics que ha ido arrastrando a lo largo del resto de su carrera) pese al horripiliante vestuario con el que se engalana.

Es un amante, es un asesino, ¡es un jodido muñeco!

2008-02-13T18:05:00.003+01:00

Ya se encuentra a pleno funcionamiento la página web dedicada a Black Devil Doll, una suerte de secuela / homenaje apócrifo a una de las películas más viles y perjudiciales de la historia: Black Devil Doll from Hell.

El trailer promete caspa e idiocia a mansalva, pero sin hacer alarde de encanto redentor. En cualquier caso, merece la pena echarle un vistazo ya que filmes protagonizados por muñecos de cartón negros no abundan (por desgracia).

Pero, ¿quién es Drácula? (16)

2008-02-10T11:17:00.000+01:00

Jack Palance
Dracula (Dan Curtis, 1973)

El célebre escritor Richard Matheson, autor de una de las novelas de vampiros más aclamadas de todos los tiempos: Soy Leyenda, también cedió su granito de arena al mito del Conde Drácula en forma de adaptación televisiva. Al estadounidense se le atribuye el ser el primero en añadir como subtrama la búsqueda del amor inmortal a través de la reencarnación, aspecto sobre el cual se reincidiría en posteriores interpretaciones de la obra como en la relativamente reciente de Francis Ford Coppola.
Prestando atención a cómo Matheson simplifica elementos de la novela original hasta lograr una trama cohesionada y abarcable en hora y media de función, resulta plausible que la boutade obedezca más a criterios de lógica interna que a una espontánea aportación creativa. Y es que el motivo por el cual el Conde agrede obstinadamente a Lucy y Mina una vez se establece en Londres, es uno de los puntos más discutibles del texto de Bram Stoker por su conveniencia argumental pero escasa justificación.

Por lo tanto, a Jack Palance le toca lidiar con un vampiro multifacético que ha de mostrar un lado monstruoso y sobrecogedor sin descuidar una sombra perenne de trágico romanticismo. En ambas instancias efectúa un trabajo encomiable, teniendo incluso reservado algún que otro momento para dar rienda suelta a su talento interpretativo como en la escena en la que llora la muerte de la vampirizada Lucy.
El Drácula de Jack Palance fulmina con una mirada que esconde amenazas nada veladas y a la vez parece sentir repulsa por sus abominables actos. No es de extrañar que siendo como era un actor de método, Palance admitiese desear que el rodaje del filme finalizase lo antes posible. Nunca se sabe a los lugares oscuros a los que puede conducir encarnar una figura de condición tan terrible.

¿Quién quiere comerse a Dario?

2008-01-27T14:46:00.000+01:00

LA TERZA MADRE

Dario Argento, 2007

Asia Argento
Adam James
Udo Kier
Moran Atias

3,5/5

El cine de Dario Argento ha amasado un merecido prestigio cimentado en obras de excelente acabado como Profondo Rosso (1975) o Suspiria (1977), con las que renovó visualmente las claves de un género habitualmente denostado por parte de la crítica fílmica más reaccionaria. No obstante, ese crédito ha ido agotándose con el paso de los años y la confección primero de títulos para la gran pantalla no tan afortunados, y más tarde de producciones televisivas que no terminan de despejar dudas (véase Jenifer y Pelts, ambas integradas en la antología Masters of Horror), relegando el nombre de Dario Argento de la rabiosa actualidad a un discreto segundo (o tercer) plano. Parecía idóneo que una hipotética vuelta a la grandeza estuviese vinculada a la conclusión de la mítica trilogía de Las Tres Madres, integrada por la ya mencionada Suspiria y por la controvertida y fascinante a partes iguales Inferno (1980), largo tiempo esperada por los fans más fieles. Así llegamos a La Terza Madre, filme destinado a zanjar con rotundidad la discusión en torno al estado actual del talento creativo de Dario después de años de especulaciones. ¿O no? Una vez repasado el título, la cuestión, como era de esperar, no tiene una respuesta sencilla.

La trama de la película arranca en Viterbo (Italia) con el descubrimiento de una antiquísima urna de contenido presumiblemente sobrenatural, la cual es enviada a Roma para que sea analizada por Michael Pierce, director de un destacado museo de arqueología y entendido en la materia. Dos de sus trabajadoras la abren sin esperar a su patrón e inconscientemente desencadenan el poder de Mater Lachrymarum, terrible bruja que pretende instaurar una nueva era de la oscuridad en la Tierra. Hechiceros de todas partes del mundo acuden a rendir pleitesía a la curvilínea dama ataviada por una túnica sagrada mientras la violencia irracional se apodera de las calles de Roma. Sarah Mandy, hija de la bruja blanca que en el pasado combatió a Mater Suspiriorum, parece ser la única esperanza de la humanidad en estos momentos de gran necesidad. Lástima que la mujer se vea superada por la repentina asimilación de una realidad paralela a la cotidiana que hasta hace poco le era totalmente desconocida.

Competir con el desbordante festín visual de la anterior entrega de la saga, Inferno, era tarea complicada, pero da la impresión de que La Terza Madre ni siquiera lo intenta. Donde antes se rodaba en preciosos decorados art déco iluminados con un tratamiento del color atrevido y de un efectismo (y acierto) insultante, aquí pasamos a una impersonal fotografía carente de misterio que, salvo contadas excepciones, se muestra poco propicia a atender a los requerimientos plásticos de lo narrado. Ignoro si se trata de una decisión artística consciente, o si por el contrario ha sido motivada por limitaciones técnicas y presupuestarias (me inclino por esta última opción), pero el resultado se halla muy alejado de logros pretéritos del director. Es más, cuando Dario echa mano de la imaginería propia del fantastique, como en las apariciones de la madre de Sarah (interpretada por la progenitora en la vida real de Asia Argento), ya sea por su inoportunidad conceptual o contextual el filme se resiente.

Por otra parte, desconcierta el abundante gore con el que se salpican numerosas escenas por su explicitud y contundencia. Si bien el autor italiano nunca ha sido pacato en la materia, raramente se había deleitado con tanta crudeza en la pura casquería más propia de paisanos como Fulci. Tampoco cuadran algunas viñetas que, supuestamente, buscan inspiración en la obra pesadillesca de El Bosco, pero que se encuentran mucho más cercanas a las fantasías sadomasoquistas de Clive Barker.

Pero sin duda el mayor reproche que se le puede hacer a La Terza Madre es su desacertado casting. Empezando por unos policías, cuyo papel en el argumento es más que discutible, de esquivo carisma, siguiendo por el conjunto de brujas y hechiceros (entre el histrionismo y la vergüenza estética) que parecen haber sido abducidos de una partida en vivo de Vampiro: La Mascarada, y terminando por la propia Mater Lachrymarum. Que la sospechosa anatomía de Moran Atias sea apetecible de ver es indigno de discusión, pero para un rol que se supone embebido de unas características de poderío sobrenatural bien hubiese convenido buscar una actriz con mayores dotes interpretativas (de los otros, cirugía o naturaleza responsable, anda bien servida) o, al menos, de una presencia magnética. De lo contrario se corre el riesgo de restar impacto a sus apariciones, como sí sucede, lo cual se echa en falta especialmente en el final de pretendida espectacularidad.

El panorama no es tan funesto como dejan intuir los párrafos anteriores. Validando el dicho "el que tuvo, retuvo", Argento cocina un plato en apariencia poco suculento pero disfrutable de principio a fin. A un ritmo casi trepidante se nos hace partícipes de la irrupción de El Mal pocos minutos después de haber concluido los títulos de crédito. La inmersión en lo sobrenatural se produce de una manera súbita, brutal y desconcertante tanto para el espectador como para el personaje principal estableciéndose una comunicación entre ambos en lo que sólo puede ser un gran acierto del director. Al igual que en Inferno, la amenaza omnipresente de lo desconocido se esconde tras cada puerta, en cada calle, creando estática en el ambiente y permaneciendo incólume hasta los compases finales. En este caso el peligro es expansivo, ya que no se ciñe a personajes aislados, sino que se desarrolla y crece también a plena luz del día a la vista de todo el mundo. No existe escapatoria.

Hablando de comunicación, resulta de singular interés el diálogo artístico establecido entre Argento padre y Argento hija, por las inevitables connotaciones observables. El aprendizaje de Sarah sobre lo oculto está trufado de esfuerzos que obtienen recompensas, pero también severos castigos en una sádica dinámica de ostentación de poder y dependencia fácilmente interpretable desde la óptica de las relaciones paterno-filiales. Igualmente, quién puede evitar sonreír ante el incestuoso recreo con el cual el hombre tras la cámara recorre el cuerpo desnudo de su hija en la habitual escena de ducha de la protagonista femenina.

La Terza Madre presenta numerosos problemas ajenos a su calidad intrínseca como filme. Ha de competir con aclamados títulos de la filmografía de Dario Argento (peor aún; con su valoración en el recuerdo) y con las circunstancias contextuales en las que ha sido producido, enfrentándose a la responsabilidad de despejar incógnitas, de replicar de manera inequívoca a aquellos que ponen en entredicho la capacidad del maestro. Quizás en eso falle, porque las carencias y errores son cuantiosos y se descubren a simple vista, pero por lo pronto goza con el discutible honor de ser la mejor película de terror que he visto en lo que llevamos de año. Declino en otros la labor de despedazar al italiano; a mí siempre me ha gustado llevar las manos limpias a la mesa.

Pero, ¿quién es Drácula? (15)

2008-01-18T16:36:00.000+01:00

Toni Bertorelli
Zora la Vampira (Antonio y Marco Manetti, 2000)

El personaje de Drácula se presta a múltiples niveles de lectura e interpretaciones debido a su riqueza connotativa. Entre las añadiduras al mito al margen de la novela original, se encuentra una imagen romántica de la figura del vampiro a través del motivo recurrente del amor inmortal que persiste mediante la reencarnación del ser querido. Esta visión benigna del Conde se presta a despertar la empatía del espectador a costa de destruir la esencia del personaje. En Zora la Vampira no sólo se halla presente dicho recurso argumental, sino que se potencia el componente trágico al incidir sobre la condición de inmigrante ilegal (en este caso el vampiro, nativo de Rumanía, viaja a Italia seducido por la promesa de una vida más glamorosa) estableciendo un paralelismo con la realidad social de la Europa contemporánea. Si los vampiros son por naturaleza parias entre el resto de la población, en este título el efecto se multiplica hasta el punto de que la incomprensión y la marginación es total.

Poco tiene que ver el filme de Manetti Brothers con el tebeo del cual toma el título. No sólo cambia el contexto temporal de la historia, sino que la idiosincrasia de los personajes también se ve ampliamente distorsionada. Mientras que en el cómic Drácula se aproxima más a la visión tradicional que se tiene de él y Zora pasa pronto de ser una cándida joven a un monstruo amoral, en la película tenemos a un Drácula (interpretado por Toni Bertorelli) abatido por el paso del tiempo y los giros del mundo que tan sólo encuentra comprensión y significado en una bella graffitera que le recuerda con extraña insistencia a un objeto de afecto pretérito.

Lo que me ha traído el correo (3)

2008-01-18T16:32:00.000+01:00

Vietati ai Minori es un suculento libro en formato apaisado que pretende servir de aperitivo a todo un fenómeno editorial prácticamente inabarcable: el fumetti sexy de los años 60 / 80 protagonizado por vampiras. En el volumen se dan cita varios artículos listando algunos datos valiosos (y también algún que otro error de bulto detectable mediante una lectura superficial) además de una preciosa aunque escueta galería de portadas a color. Sin embargo, la característica estrella del producto es la recopilación de las primeras aventuras de los cuatro máximos exponentes del subgénero: Jacula (la serie más longeva con 327 entregas y también la más temprana, antecediendo incluso a Vampirella), Zora la Vampira (con los dos primeros números), Sukia e Yra (que cuenta con los estupendos lápices de Leone Frollo). Su excelente reproducción y notable maquetación convierten al libro en una compra recomendable a todos los aficionados a los chupasangres, a pesar de que el material en sí ha envejecido considerablemente (no se puede decir que estos cómics aprovechen las posibilidades narrativas del medio) y sus simples argumentos sólo puedan ser disfrutados bajo una perspectiva limpia de ironía.

Pero, ¿quién es Drácula? (14)

2008-01-09T21:27:00.000+01:00

Patrick Bergin
Il Bacio di Dracula / Dracula's Curse (Roger Young, 2002)

Il Bacio di Dracula se halla entre las escasas adaptaciones fieles a la novela de Bram Stoker sin renunciar por ello a aportar un particular toque distintivo. Concebida originalmente como una miniserie de televisión y más tarde condensada para el público americano bajo el título Dracula's Curse, la obra traslada la acción al Budapest actual (probablemente debido a las favorables condiciones de rodaje presentes en Hungría) manteniendo los principales pasajes del libro. Tan sólo se echa en falta una mayor variedad de escenarios y un menor afán por simplificar algunos aspectos del texto original, si bien lo limitado del presupuesto (o eso se colige al comprobar que los aspectos técnicos son "televisivos" en la peor acepción del término) facilita la comprensión de ciertas decisiones.

El Drácula interpretado por Patrick Bergin es un ser amoral obsesionado con la obtención del poder, adoctrinando a sus víctimas con sus creencias para que le ayuden a conseguir sus fines. No irradia mal per se, si no que encarna a la perfección el espíritu excesivamente individualista de nuestros días. Su oposición al credo judeocristiano viene motivada por la incompatibilidad con la consecución de sus fines y no tanto con su origen divino.
El fuerte idealismo de Mina la convierte en un desafío irresistible en contraste con la debilidad de Jonathan, mucho más propenso a dejarse seducir por la promesa de una vida opulenta aunque proceda de un origen cuestionable.

Al respecto, cabe destacar la potenciación del homoerotismo latente en la novela de Stocker en un par de escenas. La primera de ellas acontece nada más llegar Jonathan a la Mansión Drácula tras haber sido asaltado (sin demasiado sentido, todo sea dicho) por una turba furiosa. Drácula "higieniza" un corte en el cuello del joven a base de lametones en un segmento de evidente lectura sexual bajo una lograda elección de planos y encuadre. Más tarde, cuando Jonathan es atacado por las voluptuosas esposas vampiro Drácula no se contenta con apartar a las mujeres de él para reclamarlo, sino que además flotará por encima del lecho exhortando al hombre a que le ame (con resultados inevitablemente cómicos).
Otra curiosidad digna de mención es el hecho de que el vampiro no rejuvenece conforme se alimenta de sangre. En su lugar tiene la habilidad de alterar su aspecto físico a voluntad, hecho que aprovecha para hacerse pasar por un familiar suyo sin presentar consecuencias argumentales dignas de mención.

Al margen de que el conjunto no constituya ninguna experiencia inolvidable para el espectador, al menos se ha de reconocer que los responsables de Il Bacio di Dracula no se han conformado con un copy / paste de la novela, ni han ideado algo completamente distinto partiendo de la imagen del personaje. Más bien han realizado una lectura comprensiva del texto aportando matices y potenciando posibles interpretaciones.

Pero, ¿quién es Drácula? (13)

2007-12-25T12:09:00.000+01:00

Marcus DeAnda
Emmanuelle the Private Collection: Emmanuelle vs. Dracula (KLS, 2004)

El tórrido personaje creado por Emmanuelle Arsan no puede presumir de haber protagonizado grandes filmes, pero sí de haber sido encarnado por actrices de indiscutible belleza como Sylvia Kristel en sus primeras entregas. Lo que vino después poco o nada tuvo que ver con el material literario original trasladando la “acción” a escenarios insospechados como el espacio exterior en producciones ínfima calidad y máxima exposición epidérmica. Y así hasta llegar a este Emmanuelle vs. Dracula en el que el Príncipe de las Tinieblas fastidia una despedida de soltera con el fin de comprobar de primera mano si las proezas sexuales atribuidas a la joven son fidedignas (mucho me temo que alguien disponía de un exceso de tiempo libre). Emmanuelle accede a ejercer una demostración en vivo y propone a Drácula un singular reto. Todo sea por salvar a sus amigas de una eternidad como no-muertas (amén de por darse un revolcón, claro está).

Tras ver este filme nadie discutirá que el auténtico reto se halla en encontrar algo medianamente positivo que destacar de la función. Rodada en ocasiones como un videoclip de los años 80 y haciendo uso de una gran confusión narrativa (con insertos de lo que parecen otras películas), ni siquiera el aspecto erótico de la historia cumple con su cometido. La actriz principal, Natasja Vermeer, pese a exhibir una notable belleza física, realiza un pésimo trabajo interpretativo y posee el mismo carisma que una suela de zapato. Para colmo de males no se desnuda hasta los minutos finales, lo cual es absolutamente intolerable. No obstante, sale muchísimo mejor parada que su rival en la cinta: un Drácula con el pelo churretoso que parece haber sido sacado de un grupo rock de decimoquinta división. Cuanto menos se hable de sus “extraordinarios” poderes, mejor (¡para caerse del sofá su increíble transformación en bestia!). Baste con decir que se trata del peor filme que servidor ha visto relacionado con la creación de Bram Stoker.

En ocasiones el ser absorbido por la cultura pop presenta estos inconvenientes.

Pero, ¿quién es Drácula? (12)

2007-12-18T15:51:00.000+01:00

Narciso Ibáñez Menta
Otra vez Drácula (Narciso Ibáñez Menta y Alberto Rinaldi, 1970)
La Saga de los Drácula (León Klimovsky, 1972)

En La Saga de los Drácula se dan cita diversas ideas de gran potencial argumental y alguna que otra paradoja. El Drácula de León Klimovsky reprime su habitual querencia por poseer a mujeres (cuya obstinada irracionalidad queda patente en la novela de Bram Stoker) dando prioridad al instinto de perpetuación de la especie y, más concretamente, la de su propia dinastía. Lo cual despierta importantes incógnitas. ¿A qué se debe esa obsesión por engendrar descendencia cuando uno mismo es inmortal? ¿Bajo qué leyes genéticas o sobrenaturales se explica la monstruosidad de un solo ojo que permanece confinada en el Castillo Drácula? ¿Cómo se sobrelleva el ser devorada lentamente por el fruto que está creciendo en tus entrañas?

Numerosas preguntas cuyas respuestas apenas son exploradas en un filme resuelto en una atropellada y excesivamente elípitica segunda mitad. Con todo, se trata de un título estimable de calidad superior a la media del cine de terror patrio que bien merecería un rescate del olvido. Especialmente por la interpretación del desaparecido Narciso Ibáñez Menta, que constituye un Drácula magnífico. El actor, que anteriormente se había colocado los colillos y enfundado la capa en la producción televisiva Otra Vez Drácula, comprendió a la perfección los requerimientos del papel y supo otorgar a su interpretación el porte y los gestos precisos. Bien es cierto que su participación en la película es secundaria (el peso dramático reside en los hombros del personaje interpretado por Tina Sáinz), pero cada vez que Narciso hace acto de presencia se dignifica una obra que con un poco de descontrol podría haberse quedado en un ejercicio de destape bajo coartada vampírica.

Senos pioneros

2007-12-09T12:08:00.000+01:00

L'ULTIMA PREDA DEL VAMPIRO

Piero Regnoli, 1962

Una terrible tormenta sorprende a una troupe de bailarinas de cabaret y sus acompañantes que se encontraban atravesando el país en una furgoneta. Acordando que lo mejor es buscar refugio para pasar la noche resguardadas de las inclemencias del tiempo llegan al castillo del Conde Kernassy, un lugar bastante siniestro pero aún así preferible a la incómoda alternativa. Nada más llegar, Vera experimenta un déjà vû inexplicable. Siente que conoce la zona como si anteriormente hubiese estado allí, y, sin embargo, es la primera vez que pisa esta tierra. No es la única persona embargada por emociones incontrolables, ya que el Conde Kernassy al comprobar la extraordinaria similitud de Vera con una antepasada suya se enamora perdidamente de la muchacha.
El grupo agradece la hospitalidad del Conde, pero por otra parte se ve confinado en el castillo ya que el temporal ha imposibilitado hacer uso del puente que les permitiría retomar el viaje. Tampoco es un contratiempo tan terrible. Así pueden aprovechar para ensayar sus rutinas de strip-tease. Desgraciadamente, el aburrimiento y la curiosidad llevarán a las chicas a desoír las advertencias enunciadas y abandonar sus aposentos por la noche con funestas consecuencias para su integridad física.

El interés de L’Ultima Preda del Vampiro se focaliza en constituir uno de los primeros filmes de vampiros hecho en Italia. Anteriormente se rodaron I Vampiri (Ricardo Freda y Mario Bava, 1956), co-escrita por el mismo Piero Regnoli, y la exitosa L’Amante del Vampiro (Renato Polselli, 1960). Este último título resulta de especial importancia ya que reactivó el interés del público italiano por el cine de terror ayudándose por unos toques de sano erotismo de los que Regnoli a buen seguro tomó nota. No en vano, las similitudes argumentales entre ambas obras son notorias.
Con todo, probablemente pase a la historia por tratarse de la primera película de chupasangres en la que se pueden observar un par de senos desnudos (concretamente los de la actriz Maria Giovanni) inaugurando un filón sino artístico sí comercial que hoy en día sigue dando sus frutos. Sin duda fue ese breve plano de desnudez femenina junto a los sugerentes camisones con los que se pasean las mujeres con nocturnidad y alevosía lo que propició una distribución de la cinta en E.E.U.U. en pases destinados única y exclusivamente para adultos.

Regnoli escribió un guión camp hasta la médula que imposibilita un análisis medianamente sesudo del argumento. Baste con comentar el siguiente episodio para poner en situación al lector: tras la trágica muerte de una de las integrantes del grupo, las chicas se reúnen en el salón para practicar sus rutinas de baile como si nada hubiese pasado. Al ser interrumpidas por el ama de llaves del castillo que se muestra escandalizada por su impudicia, su manager le dice que sólo lo hacen para “levantar los ánimos”. Dicha anécdota disparatada se encuentra entre lo más divertido de un metraje escaso en recompensas y ligeramente soporífero.
Si bien la ambientación es mejorable, algunos planos del castillo logran hacernos entrar en la historia aunque sea a la espera de la siguiente línea atroz de diálogo. También se encuentran presentes ciertos apuntes de talento visual, como en la del asesinato de uno de los personajes principales (me van a permitir que no desvele quien) de ejecución memorable: no se nos muestra el acto de profanación del cuerpo en sí, sino sus consecuencias a través de unos hilos de sangre que corren por unas piernas desnudas. Quizás no sea una idea excesivamente original, pero la forma en la que ha sido plasmada es de gran atractivo. Son detalles como éste los que continúan otorgando validez a un producto trasnochado que se resiste a engrosar las estanterías de la videoteca del olvido.

Satán nos cae mejor

2007-12-02T14:16:00.000+01:00

ALUCARDA, LA HIJA DE LAS TINIEBLAS

Juan López Moctezuma, 1978

Alucarda toma prestados numerosos elementos, diálogos incluidos, de la seminal novela de vampiros Carmilla escrita por J. Sheridan Le Fanu en 1872 y los traslada a un contexto distinto sobre el cual se pueden establecer paralelismos. Al igual que en la obra literaria, el motor de la historia en el filme es la fascinación mutua ejercida entre dos muchachas, una de las cuales está ofuscada por un halo de misterio mientras que la otra posee una notoria inocencia. Sin embargo, en el caso de la película de Moctezuma se enriquece el plano interpretativo al trasladar el escenario de un castillo austriaco a un (como poco) peculiar convento.

El cine de terror nos tiene acostumbrados a las dobles lecturas, y en el caso que nos ocupa no es difícil atisbar una nada velada crítica a la religión si bien parece que el conjunto de personajes se sitúe mayoritariamente a su favor al final de la trama (otra cosa diferente es el posicionamiento moral del espectador). Alucarda es una sensualista en un entorno extremadamente represivo hasta límites enfermizos. Cierto es que la religión cristiana ha infundido desde siempre el temor (a Dios, a la condenación, a Satán, al pecado…) como instrumento para incrementar la devoción del pueblo, ya sea valiéndose de la palabra o de ominosa imaginería visual, pero en este título se representa el hecho de manera limítrofe con lo paródico. Así, los hábitos de las monjas parecen mortajas ensangrentadas, el altar donde se adora a Cristo y el mismo convento (¿excavado en roca?) tienen un aire harto grotesco, y las hermanas más que fe emanan locura y se flagelan con un sadismo inusitado.
La alternativa ofrecida por Satán es, sin lugar a dudas, más saludable.

El Príncipe Oscuro representa para Alucarda y su amiga Justine una aceptación de la naturaleza, de la vida y de sus placeres. Del propio cuerpo y del amor (que sea entre personas del mismo sexo es relevante, pero menos). Tomar partido es sencillo, lo cual no impide que las consecuencias sean terribles para ambas. La incomprensión y el rechazo se manifiestan en toda su brutal crueldad. Y aunque el fuego se combate con un fuego aún más abrasador en el apocalíptico final, Moctezuma empatiza con sus criaturas y les confiere gestos que difuminan la sensación de hallarnos sometidos a una mirada adoctrinante (al contrario, por ejemplo, de lo que sucedía en Satánico Pandemonium de su compatriota Gilberto Martínez Solares).

Es posible que Alucarda sea una película con mensaje y que esconda un canto en contra de la intolerancia, pero tampoco quisiera que el lector se quedase con la idea de que se trata de un panfleto de denuncia social enmascarado porque el título funciona esencialmente como cinta de género. De hecho, quizás sea uno de los exponentes más destacados, al menos en sus aspectos artísticos, de la corriente de cine de explotación religioso. Quien busque sangre y desnudos a buen seguro los encontrará, aunque quizás quede defraudado por el buen gusto y la contención con la que son expuestos dichos elementos. Sin embargo, una ambientación única (desde el inquietante vestuario hasta unos emplazamientos rurales de extraña belleza) y, sobre todo, el luctuoso y espectacular tramo final consiguen dotar a la cinta de un ambiente opresivo que la sitúa al nivel de otras obras destacadas del subgénero como Interno di un Convento (1978) del esteta polaco Walerian Borowczyk.

Colores espaciales

2007-11-18T12:42:00.000+01:00

DIE, MONSTER, DIE!

Daniel Haller, 1965

Nick Adams acude a la ciudad de Dunwich a reencontrarse con su ex-compañera de estudios y amante Susan Witley. Nada más apearse del tren se da cuenta de que algo marcha mal en el lugar. Los habitantes se muestran extremadamente hoscos con él cuando declara su intención de dirigirse a la Mansión Witley y rehusan conversar acerca del tema. Conforme se acerca a la casa, descubre que el terreno parece aquejado de una curiosa enfermedad que convierte a zonas concretas en yermas de una forma antinatural.
La sensación de extrañeza persiste cuando penetra en el hogar de su amada. El Sr. Witley se empeña en que Adams abandone la mansión inmediatamente y la Sra. Witley presenta un grave deterioro físico, y tal vez mental, que le obliga a estar confinada en la cama. Claro que todo eso se convierte en minucias cuando aparece el angelical objeto de sus afectos. ¿Cómo dejarla a su suerte en un sitio tan horrible?
La valentía de Nick será puesta a prueba cuando tenga que proteger a Susan de sus secretos familiares y de un insólito mineral brillante que parece hacer enloquecer a la propia naturaleza.

Die, Monster, Die! es un perfecto ejemplo de la inoperancia imperante al trasladar los textos de H. P. Lovecraft al celuloide. No tanto porque se trate de un pésimo filme, que no lo es, sino porque los relatos del escritor estadounidense consiguen infundir terror en el lector a través de sutilidades que no siempre son fáciles de trasmitir en un medio eminentemente visual como es el cine. Tan sólo recientemente se ha hecho justicia al material original en películas como The Call of Cthulhu (Andrew Leman, 2005). Por el camino quedan adaptaciones con cierta tendencia a traicionar el espíritu de la obras aproximándolas a escenarios físicos y conceptuales distintos a los concebidos por Lovecraft, sin por ello recibir recompensa artística digna de mención. Die, Monster, Die! también juega al trasvase de ideas, situando los “horrores cósmicos” en el contexto familiar del cine de terror gótico y sus lugares comunes: mansión tenebrosa que esconde terribles secretos tras sus muros, damisela en apuros presta a ser rescatada por el siempre dispuesto héroe, sótanos donde acecha el peligro… Una ocurrencia que habría podido funcionar mejor de contar con un guión más trabajado y un mayor mimo en la puesta en escena (y eso que el nada desdeñable aspecto visual es lo más destacable del filme).

Tras un prometedor inicio en el que se encadena una secuencia de hechos (la desconfianza de los lugareños ante el extranjero que viene a husmear en los asuntos turbios del pueblo, el peregrinaje y la llegada del héroe a la mansión…) narrados de manera atractiva, se va desentrañando el misterio sin demasiada convicción hasta llegar a un final de innecesaria, y hortera, espectacularidad.
Probablemente sean la bella fotografía y el vivo color, que remite de inmediato a la producción de Roger Corman y Mario Bava, los baluartes de una cinta necesitada de estímulos que distraigan al espectador de un texto pobre y repleto de incógnitas sin resolver. Eso, y la presencia del gran Boris Karloff que, a pesar de no encontrarse aquí en plenitud de facultades físicas, entrega una interpretación convincente dignificando a base de matices a un personaje que tiene mucho de estereotípico. También se agradece la participación de Suzan Farmer, a la que recordarán por ser la víctima predilecta de Christopher Lee en Dracula, Prince of Darkness (Terence Fisher, 1966), de rostro inocente y pechos que desafían el cautiverio represivo de un suéter ceñido apuntando hacia el horizonte.
A pesar de sus carencias, Die, Monster, Die! cumple el requisito mínimo de entretener durante su ajustado metraje (apenas una hora y cuarto) y aunque quizás como adaptación de la obra de Lovecraft sea discutible, como título de terror menor depara pequeñas satisfacciones que no debería dejar escapar ningún aficionado al género que se precie.

Ni tanto y tan calvo

2007-11-08T23:03:00.000+01:00

CHANDRAMUKHI

P. Vasu, 2005

Super Star Rajni
Jyothika
Nayantara
Vadivelu

2,5/5

Senthilnathan opta por hacer caso omiso a los consejos de su familia y se muda junto a su reprobable nueva esposa Ganga a una mansión sobre la cual, dicen, se cierne una terrible maldición. Pese a los esfuerzos del famoso Dr. Sarvanan, hermano de Senthilnathan, por acallar las habladurías y malos presagios, Ganga no puede evitar ceder ante el poder de la casa y desencadena una serie fenómenos sobrenaturales relacionados con trágicos sucesos desarrollados entre sus paredes años ha.
Mientras tanto, diversos personajes implicados directa o tangencialmente en la trama se comportan como verdaderos cretinos, siendo el principal de ellos el héroe de la función: Sarvanan. El psiquiatra echa de su lugar de trabajo a una profesora de música, le roba sus instrumentos, coquetea con esposas ajenas, ejerce de casamentero en una relación romántica en la que no pinta nada, apalea gratuitamente a varias personas, y pone cara de haber perdido gran cantidad de neuronas de manera súbita. Todo ello amenizado por los acostumbrados números musicales del cine hindú; en esta ocasión con suntuoso vestuario y escenarios acordes con el holgado presupuesto de las grandes producciones.

Mucho se ha dicho de Super Star Rajni, y casi todo desproporcionado, siendo quizás la frase "explota como un tigre en la pantalla" lo más llamativo e incomprensible tras visionar un filme como Chandramukhi. Dejando a un lado la escalofriante imagen del pobre felino volando en pedacitos (¡asesinos!), esta impactante metáfora se traduce en un conjunto de tics histriónicos y expresiones entre lastimeras y repugnantes perpetradas por un hombre cuya baja forma física le convierte en poco apropiado para protagonizar según qué escenas. Suerte de poder contar con la magia digital para determinados movimientos, o el pelucón que preside su calva aparecería pisoteado por el suelo a las primeras de cambio.
Entiéndanme. No guardo ningún tipo de animosidad contra los hombres de mediana edad, pero cuando tratan de hacerlos pasar por chavales de veinte años y les asignan como interés sentimental núbiles muchachas (forma una pareja fílmica imposible con Nayantara) es difícil reprimir los reproches.

Adorado igual que un Dios viviente, Rajni ha logrado mantener su popularidad a lo largo de las décadas engrosando su cuenta corriente hasta convertirse en uno de los actores mejor pagados de Asia y la figura más reconocible del cine tamil. Es tanta la devoción que inspira, que se ha escrito que el mundo se divide en dos clases de seres humanos: las personas normales y los fans de Rajni. Estos últimos son incapaces de hacer ni la más leve crítica a las películas de su gran ídolo y, exagerando tan sólo levemente, se prenderían fuego a lo bonzo con tal de garantizar el éxito en taquilla de sus títulos.

Algo ha de tener Rajni para suscitar semejantes pasiones, claro. Para empezar es el héroe de los desfavorecidos, numeroso público potencial de su cine, y se sirve de una serie de sencillos gestos característicos (apuntar al cielo, lanzar objetos al aire y atraparlos con la boca...) de gran calado popular. También ayuda el proyectar una imagen de entidad indestructible en irreales e hiperbólicas secuencias de acción. Chandramukhi posee dos de ellas y aunque su justificación dentro del guión es más que discutible, se agradecen encarecidamente por frescas e inesperadas. Su inventiva visual, llevando al extremo ideas de la actualmente recalcitrante Matrix, las empareja con otras fantasías coloristas como las plasmadas en la estupenda Shaolin Soccer.

Mucho menos apetecibles son los interludios de humor protagonizados por el habitual sidekick cómico, arquetipo presente en multitud de producciones hindúes. Achacaremos a las barreras lingüísticas y culturales su paupérrimo nivel, si bien los chistes que el público occidental puede entender sin problemas no auguran nada bueno sobre el resto.
Tampoco las subtramas románticas cuentan con un mínimo de calidad y es que parece que el guionista sea consciente de la química inexistente entre Rajni y Nayantara, decidiendo pasar de puntillas por el asunto. El guión en general está muy descuidado, algo frecuente en el cine comercial hindú, apilando ideas a medio cocinar favoreciendo el espectáculo global a costa de la lógica interna. Así tenemos detalles tales como que el personaje interpretado por Rajni, un afamado psiquiatra que ha estudiado, contengan la respiración, ¡en los EEUU! , sea capaz de leer las mentes de las personas observando sus expresiones faciales aunque se encuentre de espaldas a éstas.
Desde luego, quien pretenda afrontar el visionado de la película seducido por su contenido sobrenatural hará bien en armarse de paciencia, porque hasta bien entrada la cinta lo único que presenciará serán secuencias de comicidad cuestionable y entuertos amorosos ideales para poner en marcha la fábrica de bostezos.

Chandramukhi consigue redimir sus carencias gracias a un ritmo veloz (aspecto imprescindible para llevar a buen puerto un filme de tres horas), vistosos números musicales con dos o tres temas de penetración inmediata y un tour de force final de méritos artísticos quizá cuestionables, pero que apabulla los sentidos a primera vista. No es suficiente como para propiciar una recomendación incondicional, pero sí para estimular la búsqueda de nuevos argumentos fílmicos que ayuden a explicar el desconcertante “fenómeno Rajni”.

Trailer de Chandramukhi.
"Raa Raa" (CONTIENE SPOILERS DEL FINAL DE LA PELÍCULA)

Terror en el museo

2007-10-28T12:42:00.000+01:00

Mystery of the Wax Museum

Michael Curtiz, 1933

La calamitosa situación económica del museo de cera creado por Igor lleva a un co-propietario a sugerir incendiar el lugar para así recuperar al menos el dinero del seguro, pero el artista, enfermizamente enamorado de sus realistas obras, se opone a la idea con tanto ímpetu que sólo lo permitiría bajo su cadáver. Y así sucede. El lugar se quema hasta los cimientos y Igor es dado por muerto… lo cual no le impide abrir años más tarde un museo de similares características en la ciudad de Nueva York.
Mientras tanto, la ciudadanía está conmocionada por la desaparición de varios cuerpos sin vida de la morgue. Florence Dempsey, intrépida reportera, investiga el caso con exacerbado dinamismo e incontinencia verbal. Sus pesquisas le conducen a unas figuras hechas de cera de extremo verismo…

A pesar de haber transcurrido varias décadas en estatus de “desaparecida en acción”, Mystery of the Wax Museum ha dejado su impronta en la historia del cine de terror hasta el punto de haber generado al menos dos remakes. El primero (House of Wax, protagonizado en 1953 por el gran Vincent Price) ha superado en popularidad al título original eclipsándolo casi por completo. El segundo y más reciente, dirigido en 2005 por el español Jaume Collet Serra, poco tiene que ver con el espíritu de la trama primigenia y se aproxima a las coordenadas del slasher común.

La versión de 1933 sorprende por su atrevimiento al abordar ciertos temas que más adelante serían considerados tabú por la conservadora industria de Hollywood tras el establecimiento del Código Hays. No sólo uno de los personajes de relevancia del filme es drogadicto, sino que la policía lo somete a un cruel interrogatorio aprovechándose de su debilidad durante el periodo de abstinencia. También parece que la mujer desempeña un papel mucho más activo y desenvuelto que la mera comparsa del héroe habitual (si bien apuntes de lo contrario asoman). Ahí está el irritante personaje de Florence Dempsey para ilustrar que las féminas son capaces de llevar el peso dramático de una película moviendo el argumento entorno a ellas y no al revés en una interacción de tú a tú en un mundo moderno dentro del cual se hallan plenamente integradas. Florence incluso se permite preguntarle a un policía por su vida sexual en una muestra de complicidad total entre iguales no tan frecuente en el cine norteamericano coetáneo.

Tanta desenvoltura juega en contra de la interpretación de Glenda Farell, y es que su continuo goteo de frases ingeniosas cual aspersor consigue que en un breve espacio de tiempo el espectador lamente su abundante tiempo en pantalla y obligue a tomarse este obstáculo con filosofía. Mucho más agradecida es la presencia de Fay Wray, la scream queen por antonomasia poseedora de una belleza virginal que ha cautivado a generaciones enternecidas por su indefensión frente al caso más flagrante de abusos sexuales cometido por un mono gigante en la historia. En esta ocasión Wray no se contenta con presumir de capacidad pulmonar en potentes gritos que noquean al oyente como de costumbre, sino que además nos regala una rutina de ejercicios con las piernas al descubierto en lo que debía de ser el equivalente erótico de la época a una escena de ducha actual.

El mayor acierto de Mystery of the Wax Museum se encuentra en su conseguido aspecto visual. La técnica de coloreado en dos tonalidades, no demasiado extendida e incluso denostada por su indefinición (ni tan propensa a la elegancia fotográfica del blanco y negro, ni tan estimulante a la vista como el color), luce aquí como nunca he visto y más que una limitación se antoja una afortunada decisión estética. Tanto es así, que ni siquiera constituye un impedimento al reproducir clichés habituales del cine negro como la proyección de sombras amenazantes en las paredes (recurso explotado, quizás, con unos ligeramente cómicos resultados en este título).
Añadiendo un magnífico trabajo de maquillaje que depara una sorpresa final a día de hoy aún efectiva y un encomiable ritmo narrativo sin espacio para el aburrimiento, nos encontramos con un filme válido en sintonía con la sensibilidad de autores muy queridos en este espacio como Richard Sala.
A descubrir.

XXXVIII MoZtra de València

2007-10-21T16:38:00.000+02:00

Durante estas fechas se anda celebrando la XXVIII Mostra de València, festival dedicado al cine mediterráneo. Una ocasión más y continúa sin desprenderse de la etiqueta de “año de transición” (¿transición hacia dónde o qué?) que va camino de convertirse en la seña de identidad del festival. Afortunadamente, otra tradición que se mantiene es la de incorporar a la programación un pequeño reducto de propuestas zetosas o directamente marginales que cuadran fatal con el resto de títulos exhibidos, pero que aportan un alivio momentáneo entre dramas sociales varios.
Por si fuera de interés para alguno de los contados (pero siempre agradecidos) lectores de Hijo del Celuloide, a continuación comento brevemente dos películas de relativo interés:

- Vampire Diary. Ambientada en la cultura gótica juvenil, este filme constituye un quiero y no puedo al que se le podría haber sacado mucho más jugo de haberse planteado mejor su ejecución. El estar narrada a través de diversos fragmentos de diarios videográficos pronto pasa a ser de un recurso estimulante (por ilusión de veracidad) a un auténtico incordio tan cogido por pinzas que incluso los propios personajes tienen que estar explicando continuamente por qué graban esto o aquello. Y es una pena, porque la idea básica de la que parte la cinta (la relación de dependencia mutua entre una vampira y una humana) guarda un interesante potencial que apenas se aprovecha en la práctica. Aunque para ser justos he de confesar que no profeso una especial simpatía ni a la estética ni a la música góticas (¡pecado para un fanático de los chupasangres como moi!). Quizás ese colectivo sea capaz de extraer mejor partido de esta producción.
Atención a su bella protagonista, Anna Walton, que parece haber ascendido a ligas mayores y pronto se la podrá ver en la nueva entrega de Hellboy dirigida por Guillermo del Toro.

Trailer de Vampire Diary

- Zibahkhana. Título que pasará a la historia por ser considerado el primer filme gore de Pakistán. Zibahkhana es una película que evidencia un escasísimo presupuesto y una juventud exultante a diversos niveles. Para empezar, consigue entretener al espectador pese a no tener nada claro cuál es su argumento. En principio están todos los signos inequívocos de una cinta de zombis que culminan en una triunfal aparición de estos (incluso contando con algún zombi enano; todo un lujo visual) para dejar paso a un slasher con familia de tarados muy en la línea de La Matanza de Texas. Tampoco ayudan los inconexos fragmentos de denuncia social ni la dudosa moralina religiosa subtextual. No importa. Es en el conjunto, en su descaro, en su ineptitud, en su jovialidad, donde se halla su disfrute. Con un ojo puesto en el presente y otro en el pasado. Ahí está la participación del hoy talludito Rehan (Drácula en la estimable Zinda Laash) para demostrarlo.
Nada nuevo bajo el Sol y, desde luego, tampoco un título imprescindible, pero poseedor de valores que van más allá del exotismo localista. A recuperar en sus animales favoritos de cuatro patas.

Trailer de Zibahkhana

Más vampiros; es la guerra

2007-10-09T14:51:00.000+02:00

RISE

Sebastián Gutiérrez, 2007

Sadie Blake es una periodista cuyas pesquisas le llevan a descubrir un culto mortal basado en la ingesta de sangre humana sumido en el más estricto de los secretos (excepto por las pistas que dejan convenientemente diseminadas por internet, claro está). Para cuando se quiere dar cuenta de lo peligroso de su proceder ya es demasiado tarde. Un par de vampiros llamados Eve y Bishop la secuestran para hacerle partícipe de sus perversas actividades convirtiéndola en el plato principal.
Tras violarla y drenarle la sangre, la dejan abandonada en la calle aparentemente muerta. Sin embargo, en la fría cámara de la morgue vuelve a la vida con una sed inhumana y un propósito inquebrantable de hacer pagar a esos demonios por haber profanado su cuerpo y alma. En su camino se cruzará Clyde Rawlins, un policía con graves problemas de carácter atormentado desde que su hija adolescente fue ultrajada de manera similar a Sadie. Juntos se divierten disparándose entre ellos, subiéndose la cremallera de los pantalones y cazando vampiros.
Ah, qué vida.

Rise ha sido vapuleada por la crítica e ignorada por el público, al menos el asiduo a las salas de proyección, en su inmensa mayoría. Cierto es que no puede hablarse de una injusticia atendiendo a términos exclusivamente artísticos, pero tampoco conviene olvidar un importante atenuante a la hora de emitir un veredicto: transparencia. A pesar de que ciertos implicados de renombre como Lucy Liu pudiesen inducir a pensar lo contrario, Rise se encuentra mucho más cerca, tanto en intenciones como en resultado, de cientos de productos de entretenimiento destinados a un reducido pero fiel público destinatario que a un blockbuster de Hollywood. Un concepto que tal vez Robert Rodríguez debió plantearse en mayor profundidad a la hora de abordar un proyecto como la reciente Planet Terror.
Sorprende por lo tanto su pase previo por la gran pantalla antes de recalar en medios de distribución más acordes con el espíritu de la cinta. Quizás el tirón de la mencionada Lucy Liu, cada vez más en entredicho a juzgar por las cifras de taquilla, haya llevado a adoptar una decisión que se antoja temeraria.

Pero, ¿qué nos ofrece el título? Para empezar un clásico patrón de exploitation vertiente "historia de venganza" diluido por un filtro comercial, en el que la presencia de los chupasangres juega un papel casi anecdótico. De hecho, estos se hallan bastante próximos al ser humano normal (ni siquiera hacen acto de presencia los típicos colmillos afilados) y aparte de la inmortalidad no se aprecian otros rasgos sobrenaturales. Por supuesto, aparecen diversas convenciones del subgénero como el sirviente pintoresco (en este caso oriental), la estética decadente (muy deudora de filmes como The Hunger) y un planteamiento liberal de la sexualidad.
Sin duda la mayor baza de la cinta son los protagonistas, Lucy Liu, Carla Gugino y Michael Chiklis, que desempeñan su labor sin grandes alardes pero también sin estridencias, sacando el escaso partido posible a un guión mediocre y lleno de lugares comunes acorde con los aspectos técnicos de la cinta; ni la dirección ni la fotografía (pese a contar con el reputado John Toll) sacan a pasear alabanzas ni reproches.

El cine de vampiros nos depara contadas sorpresas positivas y hay que conformarse de cuando en cuando con títulos simplemente visibles, por mucho que en el caso que nos ocupa traten de convenceros de lo contrario, como Rise. Si de paso se nos presenta la oportunidad de echar un breve vistazo a la anatomía de Liu, el gozo de su visionado, por mínimo que éste sea, no debería ser menospreciado.

Bonito sombrero

2007-09-23T14:02:00.000+02:00

BLOODRAYNE II: DELIVERANCE

Uwe Boll, 2007

Natassia Malthe
Zack Ward
Michael Eklund
Brendan Fletcher

1,5/5

El esquivo talento del director alemán Uwe Boll le ha valido la adjudicación de numerosos apodos, siendo quizás el más llamativo de ellos "el nuevo Ed Wood". Si bien nunca fue una comparación acertada mi opinión, con el paso del tiempo y del incremento de su producción cada vez se halla más alejada de la realidad. El encanto de títulos como House of the Dead (2003) se basaba en el descaro, la ineptitud y la despreocupación con la cual se importunaba el lenguaje cinematográfico valiéndose de un collage de elementos (desnudos, chistes espantosos, material sacado de videojuegos, excesos narrativos...) decididamente juveniles y, por ello o pese a ello, refrescantes.
Desgraciadamente, la avalancha de críticas que ha recibido el grueso de su obra han hecho mella en la actitud con la que Boll encara la realización de un nuevo proyecto y su repulsivo encanto está dando paso a un proceso de reconversión mainstream que parece no tener límite. Es posible que el futuro estreno de la controvertida Postal reestablezca el orden natural de las cosas, pero mientras tanto títulos como Bloodrayne II: Deliverance alejan al director de posturas extremas para instalarle en una mediocridad incapaz de suscitar algo más que indisimulados bostezos.

El hecho de que un sonoro fracaso en taquilla como Bloodrayne (si desean mayor información sobre el filme lean el extenso comentario que en su momento se le dedicó en este espacio) haya sido agraciado con una secuela sólo puede explicarse desde unas notables ventas en formato doméstico. Todo indica que a pesar de que Uwe está reñido con los resultados en la pantalla grande, llegando incluso a pasar años para encontrar distribuidor de su adaptación del videojuego Dungeon Siege, obtiene un respetable éxito en videoclubs y cadenas de venta directa, lugares más acordes al espíritu de sus películas. En esta continuación de la saga de la dhampira con salida directa en DVD, se recortan intenciones y presupuesto en base a unas expectativas mucho más realistas. Dicho recorte no sólo afecta a los valores de producción, sino que toca prácticamente cualquier aspecto que pudiera haber hecho al título disfrutable: ya no hay pelucones imposibles, ni actores de renombre que parecen desempeñar su trabajo bajo la influencia de estupefacientes o del más puro hastío, ni prostitutas rumanas, ni chorros de sangre, ni escenas de sexo gratuito...

¿Qué queda, pues? Poca cosa, como podrán imaginar. Para empezar, el guión es tan vago y poco trabajado como cabría esperar. Ni las motivaciones de la heroína, ni la de sus acompañantes (atención a las incomprensibles escenas de reclutamiento para la causa; ¡qué morro, Dios!), ni las de su antagonista, Billy el Niño, son lo suficientemente claras y / o interesantes como para que nos importe un mínimo lo que está sucediendo en pantalla. Tampoco hace acto de presencia el humor, y éste es un ingrediente a la que la Rayne de los videojuegos nos tenía acostumbrados. Por otra parte, el personaje gana en confianza y autoridad con respecto a la primera entrega, lo que no evita que posea un carácter blando e indefinido. Unos diálogos sosos que no destacan ni para bien ni para mal tienen la culpa, dentro del proceso global de estandarización que están sufriendo las bollproducciones.

No se puede echar en cara que los decorados y la recreación del Salvaje Oeste dejen a las claras el dinero puesto sobre la mesa, esto no es Deadwood, pero sí la escasez de audacia que demuestra Boll tras las cámaras. Apenas un ligero temblor en el rodaje de ciertas escenas (más que un defecto puntual del director, un recurso cinematográfico en auge) en un panorama soporífero que consigue que añoremos ralentizaciones y rotaciones imposibles de antaño.
Natassia Malthe, protagonista de cintas del calibre de DOA: Dead or Alive (Corey Yuen, 2006), y su recatada belleza constituyen uno de los escasos atractivos de un programa cuya premisa inicial tenía que haber dado mucho más de sí. Porque entre bostezo y cabezada se apuntan conceptos e ideas visuales (la soga múltiple, por ejemplo) hasta cierto punto aprovechables. Quizás en otra ocasión y bajo la responsabilidad de otros lo haga. Mientras tanto, tenemos este hueso insípido al que hincarle el diente en un menú sólo apto para los aficionados a los filmes vampíricos que profesan mayor lealtad al subgénero.

Muñeca Vampiro en español

2007-09-15T16:19:00.000+02:00

Vampire Doll (título internacional de Yûreiyashiki no Kyôfu: Chi o Suu Ningyô) forma una suerte de trilogía no oficial junto a otras dos filmes de Toho dirigidos por Michio Yamamoto: Lake of Dracula y Evil of Dracula. La compañía nipona buscaba mimetizar el éxito de las producciones vampíricas de Hammer aportando un matiz diferenciador moderno y, sobre todo, localista. Así pues, los chupasangres de Toho eran criaturas provistas de una amenazante sensualidad, pero también recordaban a la imagen tradicional asociada a los fantasmas japoneses.

Gracias a un certero uso de la iluminación, la vertiente sobrenatural de los no muertos es potenciada hasta límites pocas veces alcanzados. Basta con echar un vistazo a este filme para obtener un ejemplo vigoroso de ello.

Desde luego, no es en la folletinesca trama (que cuela clichés ya nauseabundos como el del criado grotesco) donde se han de buscar las virtudes de la cinta. Es la atmósfera lograda por la conjunción de la banda sonora, el uso del espacio, la fotografía y el maquillaje lo que consigue que el espectador se mantenga pegado al televisor hasta el final de la historia. El que la duración sea escasa y se tienda a prescindir de adornos superfluos tampoco constituye un obstáculo para su disfrute, vaya.

En cualquier caso, y sin entrar en el pantanoso terreno de los spoilers, pueden juzgar por ustedes mismos gracias a los subtítulos traducidos al español por esta página web.
Espero que sean de su interés.

Subtítulos de Vampire Doll en español.

En breve

2007-09-11T09:26:00.000+02:00

Pequeño como una patata

2007-09-02T12:57:00.000+02:00

FOR Y'UR HEIGHT ONLY / THE IMPOSSIBLE KID

Eddie Nicart 1981 / 1982

Weng Weng
Tony Ferrer
Rodolfo "Boy" Garcia
Yehlen Catral

3/5

El diminuto Weng Weng y su escaso metro de estatura ostentan el honroso cargo de Agente Secreto Doble Cero en la Interpol. Título que parece no poseer validez a efectos prácticos, ya que el hombrecillo se encarga de mencionarlo a cualquier mujer que conoce como forma de romper el hielo. Lo cual es comprensible, porque, ¿qué gracia tiene ser un agente secreto si no puedes ir pregonándolo a los cuatro vientos?

Doble Cero se vale de sus múltiples talentos en su incansable lucha contra el crimen organizado. A saber: tirador certero, versado tanto en las artes marciales como en la lucha callejera (las patadas en los testículos están a la orden del día), gran conversador, experto en planear desde lo alto de edificios valiéndose de paraguas y sábanas, trepador urbano, seductor irresistible, conductor temerario y consumado bailarín. Y cuando todas estas cualidades son insuficientes siempre se puede echar mano de los utensilios de alta tecnología provistos por los servicios de investigación tales como sombreros voladores, gafas especiales para ver desnudas a las secretarias o bolígrafos mortíferos. Los recursos de Weng Weng para ejercer su profesión son ilimitados, al igual que su repertorio de expresiones faciales. Este trasunto de James Bond no incluye la palabra "compasión" en su vocabulario y suele asesinar a sangre fría a sus oponentes amparado por una cruel sonrisa.

For y'ur Height Only y su secuela, The Impossible Kid, cuentan con argumentos similares. En ambas organizaciones criminales emplean el secuestro de eminencias de diversa índole como método para alcanzar sus nefandos propósitos. Mientras que en la primera los villanos se asemejan más a una pandilla de gansters prototípica (liderada por un enano en las sombras, eso sí), en la continuación nos acercamos más a terrenos de fantasía gracias a un teatral líder vestido de nazareno. Pero no se confundan; las dos películas hacen alarde de una irrealidad pasmosa tanto en situaciones planteadas como en el desarrollo espaciotemporal de los hechos.

A juzgar por lo mostrado en estos filmes, Filipinas en los años ochenta hubo de ser un país curioso. Por lo pronto se deduce que para entrar a formar parte de una banda criminal era preciso adscribirse a un patrón tácito de uniformidad dentro de la aparente disparidad. Así en For y'ur Height Only los matones portan una camisa de vivos colores desabotonada hasta el ombligo para dejar al descubierto su pecho lampiño, mientras que en The Impossible Kid se rapan la cabeza al cero. La sutilidad con la que se transmiten al espectador estas reglas no explícitas forma parte de los logros de estas producciones.

Otro elemento a destacar es la fascinación de la mujer filipina por los hombres de escasa estatura y la forma que tienen de adularlos. "Eres pequeñito, como una patata" le dice una hembra al orgulloso Weng Weng. Quizás sea una cuestión particular únicamente aplicable a este agente secreto. Es tarea imposible resistirse a pellizcar sus mejillas y exclamar "¡qué chico tan mono!", justamente como si fuese un niño pequeño con la salvedad de que seguidamente se dan el lote con el piropeado. Pero a veces la seducción se produce a consecuencia de intrincados diálogos repletos de ingeniosos dobles sentidos como el siguiente:

- Mujer (vestida con una toalla amarilla): "Eres una gran persona, ¿lo sabes?"
- Doble Cero: "Conoces el dicho. No es el tamaño, sino cómo lo usas."
- Mujer: "Sí, pero... ¿eres un animal sexual?"
- Doble Cero (inocentón): "No lo sé."
- Mujer: "Estoy loca por ti, Doble Cero. Quizás sea por la forma en la que te meneas. El sexo es como el tequila. Un sorbito y te pierdes."
- Doble Cero: "¿Nos lo montamos?"
- Mujer: "Sí, querido. ¡Muestra tu cuerpo!"

A menudo la responsabilidad de llevar la iniciativa, fundamentalmente al irrumpir en las casas de completas desconocidas cuando están durmiendo o duchándose, le corresponde al enano. En estos casos las mujeres también se muestran receptivas y no pueden evitar ceder ante la insistencia del minúsculo cuerpo. Besar o ser besadas es una distinción que carece de importancia.
Claro que los machos tampoco son indiferentes a los encantos de Weng Weng. Queda patente cuando tras saltar de un edificio planeando con una sábana y caer en brazos de un hombre hisurto y obeso que se encontraba nadando en una piscina, éste no puede evitar balancear al regalo caido del cielo y colmarlo de alabanzas entre gemidos de auténtico gozo.

Filipinas. Posiblemente el lugar de la Tierra donde los criminales más se asemejen a los masillas de los Power Rangers. Por una parte se crean por generación espontánea. Da igual el lugar en el que esté Doble Cero, ya sea tomándose un refresco, en una discoteca o en un hotel, allí aparecerán sus enemigos como por arte de magia. Además avanzarán hacia él corriendo sin ton ni son (muchas veces en grupo) para constituir un blanco fácil para el pequeño pistolero (que por otra parte, poca necesidad tiene de ello porque nunca falla el objetivo). Y cuando han de agredir físicamente a Weng Weng, preferible a dispararle puesto que su puntería es nula, tienden a cogerlo en brazos para permitir que éste ejerza todo tipo de acrobacias sobre sus cráneos y partes nobles. Peor es cuando atacan haciendo uso de técnicas de subterfugio, porque su brillante idea del engaño es travestir a un masculino filipino de ancha espalda y aproximarlo a sus víctimas cargado de granadas.
Tan sencilla y rutinaria se vuelve la tarea del Agente Secreto, que para animarla acostumbra a deslizarse por el suelo y realizar todo tipo de saltos y piruetas gratuitas mientras los neutraliza. Tampoco es que susciten gran emoción, pero al menos algunas superficies públicas quedan más limpias debidas a la fricción con las vestimentas del enano. Esa responsabilidad cívica es siempre algo a agradecer.

En un mundo en el que cada vez se hace más complicado encontrar modelos de conducta válidos, ¿por qué no tomar nota del proceder de este personajillo entrañable? Llegar a los extremos de adoración profesados por la cantante del tema principal de The Impossible Kid es, a todas luces, excesivo (prueben a entonar el estribillo en voz alta y sabrán a qué me refiero), pero seguro que ha de existir un término medio.

Weng Weng en Youtube

Extrañeza rural

2007-08-16T14:06:00.000+02:00

INCUBUS

Leslie Stevens, 1965

Cuenta la leyenda que en Nomen Tuum existe un pozo cuyas aguas poseen propiedades inusitadas; tanto curan las heridas de forma milagrosa como otorgan una belleza sobrenatural a quien beba de ellas. Este fenómeno atrae a curiosos de diversa índole, pero especialmente a las almas descarriadas que acuden desde lejanas distancias atrapadas por su influjo. Y tras ellas, listas para reclamar sus vidas, los bellos íncubos; seres de apariencia femenina que utilizan su atractivo sexual para robar la esencia vital de sus víctimas.
Pero el íncubo llamado Kia aborrece esta mecánica dado que no le plantea ningún reto. Seducir a los perversos es tan sencillo como pescar en un cubo. ¿Y si por una vez lograse para Satán el alma de un hombre piadoso? ¿No honraría así de mejor forma la memoria de su Señor Oscuro?
El objetivo tiene nombre propio: Marc. Un hombre sencillo y bondadoso que vive con su hermana en perfecta comunión con el entorno. Mediante engaños conseguirá introducirse en su vida y en su corazón. El triunfo parece seguro, pero una grave ofensa pondrá sus planes en cuarentena y activará una venganza cuyas consecuencias se extenderán como una nube negra sobre las cabezas de los protagonistas de este pequeño drama.

Incubus atesora la distinción de haber hecho realidad una de las boutades más curiosas en la historia del cine. Dejando de lado sus méritos artísticos, que son bastante evidentes, este filme será recordado por siempre como un auténtico rara avis al estar dialogado en Esperanto. Para quien desconozca dicho idioma, el Esperanto es un lenguaje artificial creado fundamentalmente para su uso en fines comerciales que en la actualidad ha visto frustadas sus pretensiones universalistas y su estudio se reduce a la labor de unos pocos entusiastas.
No obstante, la feliz ocurrencia trasciende el mero capricho al redundar positivamente en el resultado de la obra. La extrañeza que produce en los oídos fundamentalmente debida a una inusual pronunciación, puesta en tela de juicio en varios foros de opinión, contribuye a la creación de atmósferas en un contexto propenso a ello. Tanto la bergmaniana fotografía de Conrad L. Hall, que consigue convertir paisajes conocidos en geografía alienígena, como la melosa banda sonora realzan un conjunto en el que se intuye un peligro constante tras el velo de perpetua calma aparente. El uso de el Esperanto es totalmente coherente con esta dualidad presente. Sus construcciones gramaticales y fonética poseen la familiaridad de lo cotidiano y a la vez la inquietud de lo ignoto.
Todos estos elementos convierten a Nomen Tuum en un espacio fílmico sin equivalentes en nuestro planeta, pero cuya existencia se antoja más que creíble.

Se pueden extraer dos motivos principales del visionado del título. Por un lado el marcado bucolismo, presentando la posibilidad de una vida plena del hombre en equilibrio con la naturaleza (que tan sólo se verá malograda por influencias externas e incuso en este caso se acompaña de una advertencia a modo de eclipse; mensajero de la propia Tierra de conflictos venideros), y por otro un componente religioso de tintes católicos. Ejemplos de esto último abundan. El método que emplea Kia para tratar de "ensuciar" el alma de Marc es pedirle que retocen juntos desnudos bajo el Sol (con una declamación de cómica solemnidad), a lo que éste contesta: "No. Te deseo pero de la forma correcta. Quiero que nos unamos y tengamos hijos." El mensaje llega con meridiana claridad. Resulta sencillo interpretar el emplazamiento ficticio en el cual transcurre la trama como una suerte de visión moderna del Edén bíblico.
De mediar voluntad adoctrinante, no molesta intrusionismo alguno y lo que se narra puede pasar como una suerte de inofensiva fábula. Como tal la historia es sencilla y sin embargo cuenta con una asombrosa capacidad para interiorizarse a través de los sentidos, más que mediante las ideas.
Es ese poder de retención lo que termina de conferir a Incubus su merecido carácter de película de culto y no lo anecdótico por lo que habitualmente se la cita. El hecho de que se encontrase y se restaurase una copia tras años de creerse perdida, pues, es motivo de alegría. El oscurantismo juega a favor de multitud de títulos, pero en este caso concreto cuanta más gente conozca y aprecie los valores intrínsecos del filme, mejor.
¿Será algún distribuidor tan valiente como para editarla en España? Complicada empresa.

Chúpate esta, Bob Kane

2007-08-12T18:36:00.000+02:00

BAT PUSSY

?, 1973

¿Saben qué? A la hoguera con la humanidad. Ése es mi posicinamiento al respecto del valor de la raza humana en relación al conjunto de la existencia.
Conozco las réplicas habituales al dedillo. Que si las pirámides, el cine de Yasujiro Ozu, Pet Sounds, el Impresionismo... todo muy meritorio y grandioso. Sin embargo, existe un argumento capaz de poner fin a cualquier discusión que transite estos derroteros: nuestra especie es la responsable de la creación de Bat Pussy.

Dense cuenta de que no hablamos de una bat-exploitation típica (¿existe acaso dicho constructo?), ni de un saludable ejercico de apropiación de marcas registradas en pos de un vehículo camp (como en la divertida La Mujer Murciélago de René Cardona). No. Aquí la imagen de Batman ha sido puesta al servicio de un espectáculo vergonzante (e incluso preocupante, si ampliamos la perspectiva del análisis) bajo cualquier criterio. Poco o nada tiene que ver el hecho de que Bat Pussy se trate de una película x y mucho de la tristeza que emana de todos y cada uno de los aspectos de esta producción. Claro que siempre cabe la opción de reir antes que llorar. Es una cuestión de actitud.

Entiéndame. Soy el primero que defiende el derecho de cualquier sujeto a desnudarse y frotarse delante de una cámara bajo una premisa argumental mínima (y de que el resto lo veamos). Otra cosa distinta es observar esfuerzos inanes por practicar el sexo a lo largo de una interminable hora mientras te martirizan con un diálogo que hace desear haber nacido con algún tipo de disfunción auditiva.
Es cierto, los protagonistas de este drama fílmico parecen haber sido soltados al plató con un rudimentaria idea de cómo funciona el acto sexual. Durante el metraje tratan de llenar los huecos en su conocimiento mediante posturas infructuosas y torpes manoseos. No es de extrañar que la pareja protagonista encarne a un matrimonio que, a pesar de llevar 11 años casados, acaba de descubrir a través de una revista la existencia del sexo oral. Como dos adolescentes exclaman entusiasmados "¿Por qué no lo habremos hecho antes?", y sin embargo en ningún momento vemos que se logre alcanzar una pobre erección. A partir de ahí el caos. Un aluvión de reproches mutuos recitados de manera incesante (ella en irritante tono monocorde; él con evidentes señales de intoxicación etílica en su dicción) sobre multitud de temas candentes en una relación de pareja: que si no me compras vestidos nuevos, que si te cepillas a tu secretaria, que si mi culo es una máquina de dinero... Tan sólo se interrumpe la dialéctica en exploraciones vaginales acompañadas de observaciones desbordantes de ingenio como "no tienes un coño, ¡tienes un lavabo!" o "¡tu coño es tan grande que si tuvieses un niño sería monstruoso!".

Por suerte el sentido especial (?) de Bat Pussy se pone en marcha haciendo que vibren sus partes íntimas. Es el momento de abandonar la guarida secreta (apenas un sofá y un mueble de oficina en lo que parece el sótano de una casa), enfundarse la indumentaria de trabajo y saltar (nunca mejor dicho) en el Bat-vehículo consistente en un globo saltarín. Mientras el matrimonio perpetúa su círculo vicioso de abuso verbal e intentos vanos de copular, Bat Pussy se dirige hacia la casa botando en su globo a través de campos desérticos con una juguetona banda sonora durante el transcurrir de océanos temporales. No obstante, el trayecto es aprovechado para vaciar la vejiga y salvar a una joven de lo que parece un agresor sexual (la verdad es que no queda claro). Es preciso que la heroína se de prisa porque en el dormitorio de la pareja protagonista la cosa no hace más que empeorar y los actores piden instrucciones al director sin disimulo alguno. Pero la aparición de Bat Pussy no logra poner orden en el desaguisado y se incorpora al festival de fornicación imposible entre diálogos demenciales ("¡No eres la Reina de Gotham, ¡no sabes chupar!", "¡Tú no eres el Rey de nada!"), un pene perpétuamente flácido, accidentes al caerse de la cama y delirios del ébrio intérprete, que se empeña en dirigirse a Bat Pussy como Batwoman a pesar de las numerosas correcciones de las compañeras del reparto y del pobre director.
El abrupto final de la función supone una adecuada conclusión al filme. Es tan incoherente y balbuceante como el resto de los minutos precedentes.

Bat Pussy puede haber sido realizada por humanos (por muy primitivos que estos sean), pero desde luego no es apta para el consumo de la persona promedio. Al menos no como entretenimiento despreocupado, y sí quizás como instrumento para disuadir a prepúberes de interesarse por nada que tenga que ver con el sexo. Difícilmente se puede encontrar otra película en la que pese a la abundancia de área genital expuesta, la excitación producida se cuente en marcador negativo (excluyendo aberraciones varias que no viene al caso citar). A buen seguro tendrá algo que ver que las personas implicadas no atesoren un físico muy atractivo y que su idea de practicar el sexo proceda de una dimensión alternativa.
Así es Bat Pussy. Una experiencia fascinante y repulsiva a partes iguales con potencial tanto para acentuar estados de ánimos depresivos como para alejarnos de estos gracias al valor terapéutico de la risa. Pero ante todo, y sobre todo, es un filme cochambroso hasta extremos apenas vistos. Un nuevo nivel.

Problemas técnicos

2007-06-03T09:17:00.000+02:00

Hace una semana mi ordenador experimentó una muerte súbita y desde entonces está en el servicio técnico esperando resucitar. Hijo del Celuloide volverá cuando sea posible, así que no se asusten (es un decir) si este espacio no se actualiza durante unos días.
Gracias por su comprensión.

Editado el 27/06: Y sigo sin ordenador tras varias visitas al servicio técnico, dudando cada vez más de los conocimientos de los profesionales de la informática.
Menudo desastre.

Un futuro mejor

2007-05-20T17:07:00.000+02:00

IL MONDO DI YOR

Antonio Margheriti, 1983

Una de las posibles lecturas de Conan, el bárbaro creado por Robert E. Howard para las páginas de la mítica revista Weird Tales, es que la voluntad y el esfuerzo humano prevalecen sobre lo irracional, restableciendo así el orden natural de las cosas. A través de numerosas aventuras el cimmerio impone su superioridad física, pero también su lógica, en un mundo dominado por lo sobrenatural e inexplicable hasta el punto de erradicar de él todo brote de locura.
No es el caso de Yor. Este musculoso caballero deambula por la Tierra dejando única y exclusivamente destrucción nihilista tras de sí a ritmo de pop ochentero prefabricado. Sin explicaciones, sin sentido. Empezando por los mismos cánones estéticos (esa melena oxigenada propia de una fantasía heavy), y terminando por las distintas civilizaciones con las que va tomando contacto a lo largo de su odisea. Conocer a Yor implica que tanto tu hogar como el de tus seres queridos se verán irremediablemente reducidos a escombros en breve. Tanto da si se trata de una caverna excavada en la montaña, una idílica comunidad establecida en la playa o una edificación futurista de alta tecnología. Mientras Yor trata de reconstruir su pasado, de manera irresponsable destruye el presente.

Esta dinámica resulta contagiosa, y diversos personajes se verán atrapados en el maelstrom de acontecimientos desatado por el bárbaro. Entre ellos un par de nativos cuya comunidad se ve destruida por la fatalidad que acompaña a Yor, a pesar de lo cual le profesan una lealtad inquebrantable. Incluso cuando el plan de rescate de unas paisanas sometidas a cautiverio puesto en práctica por el héroe se salda con la muerte de todas ellas por ahogamiento. El genocidio de su pueblo debido a la torpeza de Yor no es suficiente para que estos le den la espalda a su nuevo amigo. Al menos en el caso de la inmaculada Ka-Laa se comprende tal devoción, pues su deseo por el apuesto joven queda patente cuando le dedica un sensual baile mientras éste apaga su sed. Y trabajo le costará ganarse los favores del muchacho; su inconsciencia no se limita a la aniquilación de vidas humanas, sino que por el camino se quedará prendado de varias hembras olvidando por completo el compromiso sentimental sellado con Ka-Laa. Momento de recordar a navajazos el concepto de posesión exclusiva entre féminas.

Frente a esta corriente de negatividad, Il Mondo di Yor no desaprovecha la ocasión para enseñar unos conocimientos útiles al espectador. Gracias al filme sabemos que beber la sangre de tus enemigos (aunque estos se compongan de paper mâché) te hace más fuerte, que planear con las alas de un pterodáctilo o las acrobacias circenses son medios eficaces de transporte, o que el futuro de la raza humana implicará una cantidad importante de hombres afeminados y robots que caminan como si tuviesen irritada la zona anal. Sin duda, una perspectiva que permite que miremos al mañana con optimismo.
"Un hombre del futuro, un hombre de misterio." promete el pegadizo tema principal de la película mientras Yor corre en taparrabos por un área desértica sin saber muy bien hacia dónde dirigirse. Nosotros tampoco lo sabemos, pero tus andanzas nos mostrarán el camino, oh, Yor.

Il Mondo di Yor en YouTube

Grandes momentos en la historia del cine (3)

2007-05-16T15:27:00.000+02:00

MAC AND ME

Stewart Raffill, 1988

¿Puede haber algo peor que un infecto alienígena deficiente mental? ¡Exacto! Una familia de infectos alinenígenas deficientes mentales. Al menos eso debieron pensar los creadores de Mac and Me, un instrumento de tortura militar disfrazado de inocua película de entretenimiento familiar.
El motivo por el cual la multinacional McDonald's pensó que estas patéticas y repulsivas criaturas eran el vehículo idóneo para promocionar sus insalubres menús plantea diversas incógnitas. Una de ellas si algún empleado no se propuso boicotearla desde dentro. Porque el vómito que puja por escapar de nuestras gargantas tras su contemplación es lo último que querrían ver asociados a un Big Mac. En teoría.

Resulta complicado destacar una sola escena del filme entre ridículas persecuciones en sillas de ruedas, explosiones hiperbólicas, muñecos despeñados por acantilados, brazos que se estiran à la Mister Fantástico y un inenarrable concurso de baile (disfraz de oso incluido) auspiciado por el mismísimo Ronald McDonald en uno de sus restaurantes. Algunas de esas imborrables imágenes han quedado por siempre grabadas en mi cerebro y mucho me temo que me las llevaré a la tumba.
Quizás se alcance una cumbre del espanto cuando el horripilante Mac recuerda a su familia perdida a lágrima tendida mientras junta sus manos en un vano intento de comunicarse. Claro que al imitarle el edulcorado niño paralítico sube el nivel de malestar hasta límites insospechados.

Festival en YouTube:

- Trailer original.
- Trailer versión terrorífica.
- Bailando en McDonald's.
- Despeñamiento del niño paralítico.

Purgatorio

2007-05-13T11:21:00.000+02:00

CARNIVAL OF SOULS

Herk Harvey, 1962

Candace Hilligoss
Frances Feist
Sidney Berger
Art Ellison

3,5/5

Mary Henry pasea en coche con unas amigas cuando es retada a una carrera improvisada. La fortuna no se halla de su parte, pues al pasar por encima de un viejo puente la conductora pierde el control del vehículo que cae en picado al río.
Más tarde, una patrulla de rescate casi da por perdida cualquier esperanza de rescatar a las chicas con vida y, sin embargo y para sorpresa general, Mary emerge de entre las aguas intacta. La muchacha se encuentra visiblemente desconcertada y no es capaz de explicar cómo ha conseguido sobrevivir al accidente.

Transcurrido un tiempo prudencial, una Mary totalmente recuperada retoma su carrera como organista de iglesia aceptando un trabajo en Utah. Desde el mismo momento en el que abandona la ciudad algo comienza a ir mal... A una sensación de extrañeza indescriptible se le suman las puntuales apariciones fantasmagóricas de un siniestro hombre vestido de negro. Por si fuera poco, ocasionalmente se producen periodos de tiempo en los que ningún transeunte es capaz de verla o escucharla.
La joven cree volverse loca por momentos en su desesperación. No obstante, es posible que exista una salida a la encrucijada personal que atraviesa, pues intuye que la solución a tan espeluznante engima está oculta tras las puertas de una feria abandonada.

Carnival of Souls es un modesto filme, una pequeña película como tantas otras rodada a principios de los años 60 con la finalidad de rellenar programas dobles y triples. Sin embargo, en esta ocasión el paso de las décadas no ha hecho más que jugar a su favor hasta el punto de que en la actualidad está considerada como un tesoro del cine de terror.
Dirigida por Herk Harvey con un presupuesto por debajo de los veinte mil dólares, ínfimo incluso para los productos de serie B de la época, la obra cuenta con una elegante fotografía en blanco y negro que exhibe un singular efecto espectral entre otras virtudes. Un buen ejemplo de que existiendo talento e imaginación las limitaciones pueden incluso constituir un estímulo, si bien la producción posee algún aspecto menos cuidado como podría ser el brusco montaje.

En cualquier caso, Carnival of Souls logra transmitir sensaciones susceptibles de hacer erizar el vello de la nuca del espectador, no tanto por el desarrollo de su argumento (extremadamente ingenuo para los estándards de hoy en día) sino más bien por la combinación entre la, en ocasiones, surreal imaginería visual y una inquietante banda sonora compuesta por piezas de órgano que resuenan incómodas por entre las cavidades del sistema auditivo.
Las apariciones del Hombre Fantasmal, interpretado por el propio Herk Harvey, conservan su poder de fascinación gracias a la original puesta en escena más que por su capacidad para el espanto.

Otro de los aciertos de la película se centra en la convincente interpretación de Candace Hilligoss. Viéndola actuar, uno supone que habrá llegado a desarrollar una fructífera carrera como starlette en cintas de autocine (entiéndase como un elogio, por favor). Nada más lejos de la realidad, puesto que apenas suma la participación en un filme posterior, The Curse of the Living Corpse (1964), a modo de engrose dentro de su curriculum.
Respecto al personaje que encarna, Mary Henry, cabe destacar lo inusual de su personalidad. Cuando lo habitual en una película de terror común es presentar a un protagonista con el cual podamos simpatizar (y a ser posible empatizar), aquí se nos ofrece un retrato frío y reservado de ser humano por el cual se siente indiferencia. Mary se muestra remarcablemente distante con el género masculino, haciendo gala de una asexualidad poco recomendada si se pretende mantener el interés de los asistentes a los drive-ins, público al que iba dirigido este celuloide.
Especialmente significativa es la escena en la cual la muchacha, absolutamente aterrorizada, prefiere rechazar los avances amorosos de un pretendiente y en consecuencia quedarse sola a merced de sus pesadillas a entregar sus labios a un hombre.

Este peculiar elemento funciona dentro del contexto de la historia como un factor más de una ecuación de incógnitas compensadas, de tal equilibrio que no cuesta mucho hacer la vista gorda ante el previsible final, muy entroncado en la tradición de la coetanea serie televisiva Twilight Zone. En Carnival of Souls no todo está calculado, el desarrollo de las operaciones podría estar mejor especificado, pero el resultado, lo que cuenta al fin y al cabo, es el correcto.
Buena nota, pues.

Visita al lavabo

2007-05-06T12:06:00.000+02:00

ARB

?, 2005

Existen tentaciones que van más allá de toda lógica y turban nuestra capacidad de raciocinio hasta el punto de llevarnos a cometer actos inexplicables. ¿Quién no ha intentado tocar las aspas de un ventilador en marcha o no ha acercado los dedos al enchufe para experimentar los cosquilleos de la corriente eléctrica? ¿Quién no ha tomado carrerilla para embestir una puerta con la cabeza? Y lo que es más importante, ¿quién puede resistirse a ver otra película sobre el penanggalan tras la espectacular Leák?
Refrescando memorias: el penanggalan es una variante del mito vampírico habitual en Tailandia, Filipinas y otros países que consiste en una cabeza voladora cuyas vísceras quedan al descubierto colgando por el aire. Este pintoresco monstruo mitológico supone un hallazgo visual irresistible para los ávidos ojos de los zetafílicos occidentales, y cada nuevo título disponible sobre el tema es motivo de celebración. Lamentablemente, mientras que el filme indionesio dejaba boquiabierto gracias a una interminable sucesión de prodigios cada vez más osados, esta producción camboyana nos obliga a hacer cábalas mentales que la desplacen de la candidatura a "peor película de la historia". Y en eso falla estrepitósamente.

Si el guionista de Arb no se ha tomado la molestia de engendrar un argumento mínimamente creíble e interesante, no seré yo el encargado de conferirle atractivo y coherencia mediante un escueto resumen. Tan sólo basta con estar al corriente de que la historia implica la típica venganza sobrenatural, un penanggalan, un fantasma de blanco sudario, y un grupo de jóvenes estudiantes camboyanos con aparentes síntomas de retraso mental. No se trata exclusivamente de que los muchachos reaccionen de la manera más absurda ante evidentes muestras de peligro, ni que gran parte del tiempo del que gozan en pantalla lo empleen yendo al servicio a evacuar, no, sino que el lenguaje (supongo que el jémer) y entonación de los personajes, similar a los desarticulados sonidos infralingüísticos propios de los animales, unidos al peor trabajo de actuación del que tengo constancia, terminan por destruir cualquier vestigio de dignidad que pudiera poseer la cinta.
Ojo, todavía no he hecho mención alguna al apartado sonoro y no merece pasar desapercibido. La música es tan espantosa como cabría esperar, y la abrupta forma en la que se corta ante determinados momentos de tensión le otorga una nada desdeñable comicidad, pero lo realmente destacable son los efectos sonoros. Para que se hagan una idea, cuando alguien recibe un puñetazo se escucha un sample que parece sacado del Street Fighter II (a juzgar por la distorsión capturado con una grabadora de mano al lado del televisor) y los apuñalamientos se acompañan por el sonido de las ventanas emergentes del Windows XP (?).

El resto de apartados técnicos de la cinta se hallan a un nivel similar. La dirección más que televisiva es de vídeo doméstico, y los efectos especiales se limitan a un juego de superposiciones que data de los mismos comienzos del arte cinematográfico (aunque he de reconocer que la conversación a cámara lenta que mantiene el fantasma con uno de los estudiantes por teléfono móvil es una delicatessen fílmica impagable). Aspectos que podríamos perdonar si se narrase una trama merecedora de nuestra atención, pero a cambio se nos tortura con interminables visitas turísticas sazonadas por escenas de romanticismo cursi y las mencionadas incursiones en el excusado.
No obstante, poner en entredicho el valor didáctico de Arb sería un error. El filme obliga a reflexionar sobre los límites de nuestra paciencia como espectadores ofreciendo una rotunda e inconfundible respuesta, y de propina nos regala una información que a buen seguro resultará vital en el ejercicio de nuestra vida cotidiana: la sangre de los gays sabe mal. Así que la próxima vez que consideren beber de las venas de un homosexual piénsenlo mejor; no vaya a ser que luego tengan que enjuagarse la boca con limón.

Un filón para los dentistas del mundo entero

2007-04-29T12:33:00.000+02:00

SATAN'S BLACK WEDDING

Nick Millard, 1975

Las circunstancias que rodean al sucidio de la hermana de Mark, un joven actor de Hollywood, no están claras en absoluto. ¿Por qué no ha quedado ni una gota de sangre en el cuerpo de Nina? ¿Y por qué le falta un dedo en una mano?
Ante la evidente ineptitud de la policía, que ni siquiera inspecciona con un mínimo de rigor la escena del suceso, Mark decide iniciar sus propias investigaciones que le llevarán a realizar una serie de macabros descubrimientos. Por lo visto, su hermana y una amiga llamada Jean estaban co-escribiendo un libro que exploraba las leyendas entorno a una iglesia a la cual ambos hermanos acudían a jugar de niños. No sospechaban que siglos atrás había sido lugar de ritos indescriptibles en honor a Satán. Una pleitesía que parece revivir en la actualidad proyectando una sombra de amenaza sobre toda la familia de Mark así como de cualquier persona sobre la que éste deposite su afecto. Detrás de estas ominosas maquinaciones se encuentra un sacerdote de gran mostacho y mirada estrábica.
El horror, el horror.

Si lo más destacable, y casi lo único, de un título como Asylum of Satan (Willian Girdler, 1975) era el muestrario de peinados en danza, en este caso la atención se centra un poco más abajo, concretamente en las protuberantes dentaduras. Uno de los enigmas inherentes a toda película de vampiros que se precie es explicar cómo se desenvuelven los chupasangres en su vida cotidiana con unos caninos tan afilados. Porque la dicción ha de verse obligatoriamente afectada, y no hablemos de lo dañino que puede resultar en tales condiciones un mordisco a destiempo. Bajo este punto de vista, los vampiros de Satan's Black Wedding han de pasarlo francamente mal. Su babeante boca es un amasijo de dientes que anhelan la libertad y exhiben su orgullosa supericie sin un atisbo de timidez. Una auténtica monstruosidad que aleja a estos seres sobrenaturales de la aureola de sensualidad con la que a menudo se les asocia, aproximándolos a versiones más crudas del mito como la plasmada por Murnau en Noferatu (1922).
No es el único elemento que nos obliga a retrotraernos en el tiempo, pues en el filme se recupera un aspecto del folclore vampírico del este de Europa que raramente suele reflejarse en filmes: el empeño de los no muertos por sesgar las vidas de sus familiares próximos hasta que no quede ni uno en pie. La extrema crueldad de esta práctica casa mal con el barniz de romanticismo que en la actualidad se suele aplicar (a veces embadurnando) sobre la figura de los vampiros. Estos seres no tienen conciencia y sólo les mueve la sed de sangre, saciándola de una violenta manera, reflejada en la cinta con colorido detalle, privada de erotismo.

Una vez más nos referimos a una película de notorio escaso presupuesto, y una vez más este hecho termina por jugar a favor de la atmósfera global en vez de menoscabar el producto. Dejando a un lado la ridícula apariencia de los colmillos postizos, similares a los que se pueden comprar en cualquier tienda de disfraces, las carencias en iluminación, el brusco montaje y el deficitario sonido del filme contribuyen a incrementar la incomodidad del visionado. Lo cierto es que los momentos realmente excitantes escasean dentro de un desarrollo de acontecimientos plomizo y moroso, pero cuando estos hacen acto de presencia su efecto resulta apropiadamente perturbador y opresivo. Por "excitante", entiéndase, no me refiero a la gratuita escena amorosa entre dos de los protagonistas (¡junto a una chimenea encendida, ni más ni menos!), que surge de la nada y se extiende sin alcanzar clímax alguno por la nadería infinita.
La sensación de coitus interruptus también afecta a la conclusión de la historia, apresurada y chapucera hasta decir basta. Y eso que se apunta un concepto, el cual no desvelaré al potencial espectador, que en su perversidad podría haber dado mucho juego. No es el caso, puesto que el metraje a rodar se terminaba con celeridad y antes de que se permita explorar con un poco de curiosidad el nuevo territorio revelado ya está el rótulo de The End obligando a claudicar la función.

Pero, ¿quién es Drácula? (11)

2007-04-16T10:37:00.000+02:00

Francis Lederer
The Return of Dracula (Paul Landres, 1958)

He aquí un filme merecedor de mayor atención. The Return of Dracula parece haber sido condenado a un estado de oscuridad difícilmente justificable en unos años propensos a la edición digital de cualquier título imaginable, por superfluo que éste sea. Cierto es que la película de Paul Landres aporta escasas novedades a la representación fílmica del Conde, pero no han de subestimarse sus méritos artísticos, aún más relevantes teniendo en consideración el presupuesto en juego, y su valor como puente entre el romanticismo de las producciones de Universal y la sensualidad y el exceso de la revolucionaria Hammer.
Una magnífica banda sonora pavimenta el terreno para la consecución de una atmósfera francamente conseguida que encamina la historia, con acierto, hacia los vericuetos de un thriller sobrenatural en vez de un presivible festival de sustos.

Como ya hiciera en el texto original de Bram Stoker, Drácula vuelve a suplantar la identidad de un individuo. En esta ocasión no se trata de Jonathan Harker, sino de un paisano de Transilvania que se dirigía en tren a la lejana California con el fin de visitar a unos familiares estadounidenses. Una vez llegado al destino, Drácula ha de hacer uso de sus dotes de subterfugio para no levantar las sospechas de su falsa familia mientras trata de seducir a su deliciosa "prima" menor de edad. Es ahí donde el personaje se encuentra forzado a practicar unas habilidades diálecticas inusuales en encarnaciones pretéritas. Labor llevada a cabo con nota por un convincente Francis Lederer que aporta matices a su discurso según convenga. Aunque quizás la apariencia de Lederer no sea la que asociamos a la figura del Conde, su lograda interpretación transmite seducción, peligro y misterio a partes iguales. Ante la enarbolación de cruces, Francis parece más decepcionado que asustado, y la forma de resolver el conflicto pasa por el diálogo antes que por la habitual muestra de superioridad física entre siseos y muecas desencajadas. Mucha clase.

Justicia a bastonazos

2007-04-15T12:38:00.000+02:00

ÔGON BATTO

Hajime Sato, 1966

Sonny Chiba
Hirohisa Nakata
Chako van Leeuwen
Wataru Yamagawa

3/5

¡El Cometa Ícaro viene de camino a La Tierra con la aviesa intención de hacerla añicos! ¿Y quién se ha dado cuenta? Pues un adolescente japonés que observaba el cielo con un telescopio desde su casa. ¿Qué hacer? ¿Cómo burlar el abrazo mortal de tan funesto destino? Si perteneces a a las Naciones Unidas probablemente optes por secuestrar al muchacho para llevarlo a tus cuarteles secretos y allí, entre paneles de lucecitas, enfundado en tu fabuloso traje futurista, pedirle que se una a la tortuosa hazaña de salvar el planeta. Porque los talentos de semejante especimen son absolutamente imprescindibles, claro.
Ante la perspectiva de verse rodeado de cachivaches estrafalarios y, lo que es más importante, llevar puestos tus propios pantalones plateados, el joven no puede hacer otra cosa que aceptar. Encima la tarea implica completar un Rayo de Súper Destrucción. Ahí es nada.

La misión del grupo de las Naciones Unidas les lleva hasta las ruinas de la Atlántida donde realizarán un sorprendente descubrimiento. Dentro de un sarcófago egipcio se halla Murciélago Dorado, un extraño humanoide que interrumpe su descanso de 10000 años para volver a defender la justicia siempre y cuando ésta se halle en peligro. Sus armas son un cráneo de plástico, un murciélago guía con tendencia a reposar sobre los emergentes senos de niñas en periodo de formación, un bastón y sonoras carcajadas dignas de un maniaco.
¡Feliz coincidencia! La humanidad necesita más que nunca los servicios de Murciélago Dorado, pues la destrucción de Ícaro antes de que impacte con La Tierra es algo que no convence ni a Nazu ni a su pandilla de conquistadores alienígenas. ¡Los muy malandrines pretenden esclavizarnos! ¡Ni hablar!

Ôgon Batto es un personaje cuyos inicios se remontan a 1930. Originalmente una novela pulp escrita por Takeo Nagamatsu, la gran popularidad alcanzada por la creación condujo a su mutación a través de diferentes medios y encarnaciones (entre ellas un manga del maestro Osamu Tezuka y un anime gratamente recordado). El filme rodado por Hajime Sato en 1966 presenta la vertiente superheroica del justiciero, muy en la línea del conocido para el público occidental Ultraman.
La película cuenta con un tono desenfadado e infantil, sin por ello renunciar a las dosis de sadismo acostumbradas en el cine nipón (lo cual, a estas alturas, sólo sorprenderá a los no iniciados). No existe lugar para escalas de grises. Los malos son muy malos (e incomprensiblemente ineptos; tómese los masillas de Power Rangers como referencia), y los buenos muy buenos, listos, aseados y guapetones. Entre ellos destaca especialmente el incombustible Sonny Chiba, aportando el habitual toque de distinción irradiado por su carisma natural.

Sin embargo, el plantel de villanos es mucho más divertido. Empezando por el aberrante Nazu, una especie de oso confeccionado a base de tela y cristales de vídrio a modo de ojos. A Nazu le falta una mano y en su lugar tiene una llave inglesa, utilísima, supongo, para enroscar las enormes tuercas de su amada nave espacial (no vaya a quedar alguna pieza suelta). Pero más inquietante aún resulta la estrafalaria silla dentro de la cual parece desarrollar su vida cotidiana. El objeto se asemeja a un gigantesco inodoro. Tras su contemplación y la constatación del hecho de que el bellaco no abandona el utensilio en ningún momento, la imaginación se dispara especulando si en su interior se acumulará material de desecho almacenado durante décadas. Lo cierto es que Nazu no da mucho miedo y sí un poquito de asquete bajo esta (escatológica) perspectiva.
Otros tunantes incluyen a un hombre-lobo, o su hisurto equivalente, y una maciza espacial. Entre sus habilidades para teletransportarse y su costumbre de suplantar la apariencia de los héroes (aportando, eso sí, picudas cejas en el proceso, no vaya a ser que el espectador se confunda) animan la función de forma considerable.

Los aspectos técnicos de la cinta se hallan a un buen nivel, cuidando detalles como la fotografía en una muestra de que los japoneses se tomaban este tipo de productos muy en serio. Quizás los efectos especiales hagan notar el paso del tiempo (esos alambres visibles durante las escenas de vuelo), pero su confección artesanal contará con la simpatía de multitud de admiradores, servidor entre ellos, que rechazan la frialdad de la magia digital.
Este Murciélago Dorado es veloz. Apenas 70 minutos que se pasan en un suspiro, cambiando continuamente de escenario y viviendo situaciones al límite del ridículo. Un entretenimiento ágil en el que la palabra aburrimiento ha sido descartada del diccionario.
Atención; no es un elogio a ignorar.

Muerte (y sopor) en Venecia

2007-04-01T13:28:00.000+02:00

NOSFERATU A VENEZIA

Augusto Caminito, Klaus Kinski y otros, 1988

Nosferatu parecía haber desaparecido de la faz de la Tierra en los Carnavales de Venecia de 1786, año en que la plagas amenazaban con asolar toda vida humana. Ni el Profesor Catalano, experto en vampirismo, ni la bella Helietta, que cree que el no-muerto se halla en un ataúd en el sótano de su mansión, están convencidos de ello. Juntos realizarán una sesión de espiritismo para cercionarse, teniendo como insperada consecuencia la resurrección del vampiro que se encontraba reposando a mares de distancia de allí. El ser sobrenatural acude a la ciudad de Venecia respondiendo a la llamada, pero sus intenciones no son iniciar un previsible derrame de sangre con el cual saciar su sed eterna, sino encontrar a una muchacha virgen. Tan sólo yaciendo con ella será capaz de poner fin a su vida inmortal y encontrar el tan ansiado descanso que se le ha negado durante siglos.
Loable propósito que se verá amenazado por las acciones de un grupo de hombres encabezado por el entrometido Profesor Catalano, aficionados a soltar discursos vacuos y deambular por la ciudad sin lógica discernible.

Planteada en primera instancia como una suerte de secuela de Nosferatu: Phantom der Nacht de Werner Herzog (1979), lo cierto es que Nosferatu a Venezia comparte con este filme la presencia de Klaus Kinski en el papel protagónico y poco más. Donde el vampiro se utilizaba para dar rienda suelta a las inquietudes gafapastiles del director alemán, aquí se transforma en el eje central de un cuento romántico postmoderno con tetitas y culitos (de muy buen ver, eso sí). Ahora que vayan ustedes a saber cuál fue la intención inicial reservada a la cinta, puesto que desde el mismo comienzo surgieron problemas que llevaron al despido de varios directores hasta que el productor Augusto Caminito tomó la responsabilidad tras las cámaras siendo reemplazado en ocasiones por el propio Kinski con más pena que gloria. Mayor fortuna alcanza en el apartado interpretativo, si bien su desquiciada personalidad reluce con acierto en determinadas escenas (todas aquellas en las que se deposite sobre su magnética mirada la responsabilidad de comunicar) mientras que en otras, las persecuciones de víctimas por las calles de Venecia, linda lo patético.
Kinski tenía la mente ocupada con su debut a la dirección (Kinski Paganini, 1989) y le importaba bien poco la suerte de esta estrafalaria producción. Tanto es así que cuando llegó al set de rodaje declaró no estar dispuesto a cortarse el pelo ni llevar más maquillaje que un poco de polvos de talco sobre el rostro y los pertinentes colmillos prostéticos. Tanta desidia no podía ser saludable, así que cuando se trataba de estrujar senos Kinski se mostraba mucho más entusiasta. Comprensible.

Las desviaciones con la visión fílmica tradicional del mito vampírico son numerosas. En esta ocasión, Nosferatu camina sin problemas bajo la luz del Sol, se refleja en los espejos y no teme a los simbolos religiosos (como queda patente cuando aplasta un crucifijo con su mano desnuda). Sin embargo, se rescata un elemento original de la novela de Bram Stoker no demasiado explotado: la subordinación del pueblo gitano bajo el yugo del no-muerto. Si bien la relevancia de estos sobre el argumento general del filme es escasa, su presencia aporta unas cuantas escenas de baile flamenco, protagonizadas entre otros por La Chunga, que contribuyen a ilustrar la peculiar atmósfera de la película. Venecia es un escenario ideal para narrar una historia de amor decadente y relamido, pero la mirada falta de talento de Caminito y Kinski transforma a la ciudad en vulgar. Especialmente ramplonas, casi televisivas, son las secuencias rodadas en interiores, estropeadas además por una irritante manía por subrayar lo obvio (esas vallas de punta afilada donde serán ensartados los adversarios del vampiro).
Potencial y elementos para dar a luz a una película memorable existían en cantidad, pero las prisas, la ineptitud u otras circunstancias sin especificar terminaron por finiquitar toda expectativa favorable dando como resultado un producto indudablemente fallido. No obstante, cualquier aficionado a los chupasangres será capaz de encontrar focos de interés que justifiquen su visionado. El final, sin ir más lejos, aparca el moroso montaje de los minutos anteriores para alumbrar una conclusión ágil que destaca por encima de la media a la que estamos acostumbrados en el subgénero vampírico.

Grandes momentos en la historia del cine (2)

2007-03-26T21:09:00.000+02:00

DISCO DANCER

Babbar Subhash, 1983

(Anil habla con su madre mientras ésta le alimenta con las manos.)

- El día en que triunfe, esa ciudad sin corazón me reconocerá. Y todavía te seguiré pidiendo que me des de comer. Ese día le recordaré a esa ciudad desalmada que soy el mismo niño cuya madre humillaron.

- ¿Por qué no lo olvidas?

- ¿Cómo puedo hacerlo? Nunca lo olvidaré. Ese día es como una herida fresca en mi alma. Cuando ese hombre abusó de ti los caminos, los árboles, la brisa... nadie dijo una palabra. Ni una palabra. La ciudad tendrá que rendirte pleitesía. Tengo mi música. La afilaré como a una espada y apuñalaré el corazón de la ciudad con ella.

Grandes momentos en la historia del cine (1)

2007-03-24T16:58:00.000+01:00

DEVIL DYNAMITE

Joe Livingstone, 1987

(Un hombre ase por el hombro a un niño vestido de vampiro.)

- Eh, no seas travieso niño, ¿ummm?
- La otra vez fuiste más amable conmigo.
- ¡Fue por salvarte! Anda, ven conmigo.
- ¡Me gustabas más con tu traje de plata!
- ¿Así que conoces al Guerrero de Plata? Andando, ¡vámonos!

(El hombre coge al niño de la mano y ésta arde al contacto.)

- ¡Me has hecho daño!
- Pues claro, ¡vámonos!

(El niño suda y aparece un vampiro tras una explosión de humo.)

- ¡Un vampiro!
- No te preocupes, le atraparé.

(El hombre se transforma en una especie de motorista plateado, hortera a más no poder, y comienza una confusa lucha con el vampiro que incomprensiblemente finalizará gracias a unas lucecitas que lleva incorporadas en el traje.)

- ¡Ha sido fantástico!
- Has tenido mucha suerte.
- Sí, claro. Pero tú eres el guerrero futurista. El que defenderá el mundo.
- Ahora lo verás, ¡auuuppp!

(El guerrero plateado gira sobre sí mismo y vuelve a su vestimenta de hombre de a pie.)

- Oh, ¡vuelves a ser tú!
- ¡Eh, eh, eh! ¿Qué te pasa ahora?
- Pues que eres un vampiro.
- Eh, no seas tonto. ¿No ves que soy un hombre? Mi corazón está latiendo. Los vampiros kaput, pero yo no estoy muerto.
- Entonces, ¿quiénes eran ellos?
- Pues eran vampiros de verdad.

(El niño aplaude con entusiasmo.)

- ¡Eres mi héroe, eres mi héroe!

(Una mujer aparece de la nada y tira de la oreja al niño ante la aprobación del héroe.)

- ¡Eres muy malo! Vete a casa de inmediato. Te daré una buena lección.

Love on the Beat

2007-03-18T13:46:00.000+01:00

CUI HUA KUANG MO

Godfrey Ho, 1994

Lo peor del fenómeno de propagación viral de vídeos a través de internet es tomar conocimiento del último grito tarde, una vez se ha extinguido el entusiasmo inicial y no existen víctimas potenciales a las cuales iluminar compartiendo el pequeño tesoro de placeres desconocidos. Así fue, lo confieso, como descubrí el clip de Undefeatable (título de la cinta para el mercado occidental) que está dando la vuelta a los monitores de medio mundo. Sin embargo, aquellos minutos de hombres musculosos con peinados imposibles, por hilarantes que sean por sí mismos, no son nada comparados con el festival de sensaciones contenidos en el metraje íntegro de la película. Y es que estamos hablando del tipo de cine que incita al debate, que pone a trabajar la mandíbula y ameniza el acto de socializar con los amigos alrededor de líquidos enturbiadores de la capacidad de raciocinio. Sí, Undefeatable encaja a la perfección con la Teoría Circular del Arte. Sus miserias son parte indisociable de su grandeza y los efectos terapéuticos que produce en las aflicciones del alma debería ser objeto de estudio por la comunidad científica. O por la comunidad gay, ya puestos.

El transfondo homosexual del filme queda patente en la escena en la que el malo de la función, Stingray, viola a su mujer Anna (tomándola por detrás; no es casualidad). Durante el acto, en vez de pensar en los turgentes pechos de la fémina o en su cuco vestido estampado con flores, rememora un combate en el cual defenestra a un magnífico ejemplar de macho fornido y sudoroso. El contacto físico heterosexual sólo es tolerable gracias a la evocación de un mucho más placentero encuentro entre cuerpos homólogos. Un espacio íntimo en el cual está permitido tocarse y recorrer los aceitosos centímetros de piel de la carne palpitante próxima.
No es de extrañar, pues, que cuando Anna abandona a Stingray la reacción de éste sea desatar una furia inconmensurable (¡y a cámara lenta!) sobre la cena que le había dejado preparada. Lógico. El hombre ha sido privado del vehículo a través del cual legitimizar sus auténticas pulsiones sexuales. Sólo resta dedicarse a secuestrar mujeres parecidas a su Anna para silenciarlas con carácter definitivo y arrancar esos ojos que han sido testigos de su reprimida identidad sexual.

Para poner frenos a esta locura se halla el héroe del drama, Nick DiMarco, un inspector de policía poseedor de otro cuerpo trabajado en el gimnasio y un peinado que hace preguntarse si algún animal subió a su cabeza y pereció allí, y Kristi, una luchadora callejera de buen corazón que recaudaba dinero para pagarle los estudios universitarios a su hermana... hasta que la pobre se cruzó en el camino de Stingray. Ambos forjarán una alianza asexuada que no despeja incógnitas, pero sí reparte galletas a diestro y siniestro con total impunidad.
Realmente no es preciso añadir nada más acerca de la cinta. Este espectáculo de mullets, aceite, música enervante, patadas, muecas incontrolables y miradas de "entendimiento" ha de disfrutarse sin mediciación de mayor explicación. No obstante, estaría bien que alguien expusiese cómo demonios se las apaña Stingray para trasladar sin sospecha alguna a las mujeres que secuestra desde espacios públicos al almacen que le sirve de base de operaciones, o el funcionamiento del sistema educativo estadounidense que permite que los personajes se apunten unos a otros a la universidad sin necesidad de otorgar su consentimiento ni de aportar ningún tipo de documentación.

Undefeatable en YouTube.

Ella Asesinaba en Éxtasis (y en español)

2007-03-10T16:24:00.000+01:00

Hijo del Celuloide celebra la entrada núnero cien ofreciendo con orgullo (convalenciente y menguante, pero orgullo al fin y al cabo) los subtítulos en español de Sie Tötete in Ekstase (Jess Franco, 1976), título que posee bastantes de los aciertos habituales en el director... y, sí, numerosos de sus defectos.

Franco no acostumbra a prestar especial atención a los diálogos ni a la progesión general de la trama, y en ese sentido Sie Tötete in Ekstase alcanza los registros más bajos en coherencia, claridad de exposición y calidad de los textos. El filme alterna momentos de gran lucidez plástica con secuencias soporíferas y repetitivas que poco aportan al conjunto. Ciertos actos de los protagonistas se antojan extremadamente caprichosos e incluso desconectando la conciencia crítica resulta complicado aceptar la resolución de la cinta, de una ingenuidad visual y conceptual rayana en lo infantil.
Por otra parte, a pesar de los esfuerzos del director, en determinados momentos se hace notorio el limitado presupuesto con el que se rodó el producto, generando una pobre impresión.

Pero no todo son males, ni mucho menos. La interpretación de la exquisita Soledad Miranda (y su mera presencia física, por qué no decirlo) en uno de sus últimos papeles antes de fallecer merece colmarse de halagos. La conversión de una chica menudita y de aspecto dulce en un ángel vengador resulta todo un éxito, y termina por convencer en un contexto de dejadez e indefinición nada favorable a priori. Cualquier persona con cierta tendencia a la mitomanía entederá el estatus de culto alcanzado por la difunta tras ver la película y empaparse del mojo que exuda el cuerpo de Miranda. A destacar su escena junto a la no menos deliciosa Ewa Strömberg, en la que Franco demuestra que es algo más que un chapucero destajista a base de inusuales ángulos de cámara y un muy acertado plano a contraluz que magnifica la sensual silueta de las intérpretes.
Y qué decir de la fabulosa banda sonora compuesta por Manfred Hübler y Siegfried Schwab. Sencillamente, entre las mejores partituras que jamás hayan amenizado una sexploitation. Un auténtico placer para los oídos (y algún que otro esqueleto).

Así que ya saben, para bien o para mal, con sus pros y sus contras, aquí les presento listos para descarga los subtítulos de una película descompensada pero estimulante.
Espero que se decidan a disfrutarlos.

Las amistades peligrosas

2007-03-04T10:31:00.000+01:00

SHIMOTSUMA MONOGATARI

Tetsuya Nakashima, 2004

Kyôko Fukada
Anna Tsuchiya
Hiroyuki Miyasako
Ryoko Shinohara

3/5

Momoko Ryugasaki es una chica de diecisiete años como otra cualquiera. Vive en una pequeña población llamada Shimotsuma con su padre, divorciado, un ex-delincuente de poca monta que actualmente vende globos de agua y con su abuela, cuyo pasatiempo predilecto consiste en atrapar moscas con las manos y mendigar a su nieta unas monedas para comprar chocolate. En cambio, Momoko sueña con la Francia del Siglo 18 y le apasiona el rococó hasta el punto de gastar sus escasos ahorros en llamativos vestidos inspirados en dicho periodo histórico procedentes de la tienda especializada BABY, THE STARS SHINE BRIGHT ubicada en Tokyo.
Con la intención de conseguir fondos para realizar nuevas adquisiciones decide vender por internet material falsificado que aún permanecía en poder de su padre. Desgraciadamente, la transacción no resulta satisfacctoria puesto que obtiene de su cliente la cantidad acordada... y algo más a cambio. Ichigo, una pandillera juvenil con problemas de conducta, parece disfrutar de la compañía de la emperifollada Momoko y le hace frecuentes visitas para la desesperación de ésta, devota seguidora de una filosofía personal basada en el aislamiento y en mantener el menor contacto posible con la especie humana. Las barreras se derribarán cuando ambas emprendan un viaje en pos del legendario bordador de atuendos para gansters de Daikanyama.

La búsqueda consciente de la individualidad suele producir resultados opuestos a lo deseado, pues lo que se obtiene de ella con frecuencia es la estandarización. Después de todo, ¿no reforzamos el concepto de "normalidad" al oponernos a él? Rechazándolo aceptamos su existencia y, por tanto, aumentamos la intensidad de su influencia. En el mejor de los casos conseguiremos parecernos a un puñado de individuos en contraposición a la gran masa, lo cual supone una victoria entre pírrica e insignificante. Por este motivo, los que utilizamos el cinismo como lengua común observamos con expresión divertida la proliferación de movimientos estético-culturales surgidos en el país del Sol Naciente bajo la coartada de la diversidad.
Usted lo nombra y ellos lo tienen: personas adultas vistiendo como estudiantes de instituto, neo-góticos con exceso de Rimmel, aficionados a las prendas victorianas, cosplayers, chicas de piel marrón subido y horroroso maquillaje a juego...
Lo mencionado y mucho más halla cabida en Japón, el centro neurálgico de la automatización y culto al trabajo pero también blanco continuo del estupor para el mundo occidental.

Shimotsuma Monogatari, película altamente coyuntural pero de temática (cómo no) universal, sirve de tímida aproximación a este fenómeno genuinamente oriental. El transfondo subyancente, no obstante, goza de una dilatada trayectoria en el ámbito cinematográfico. En esencia no deja de ser la consabida historia acerca de la crisis de identidad adolescente unida a la no menos manida exploración de la amistad tan tratada en los buddy films (vertiente femenina).

Es pertinaz destacar que el primer tercio de la cinta ofrece diálogos que hacen presagiar el intento de ofrecer una nueva y distanciadora perspectiva a la trama. Por ejemplo, cuando Ichigo se disculpa ante Momoko diciendo "No debí haberte juzgado por las apariencias" y ésta le contesta impertérrita "Está bien. Los humanos son seres superficiales".
Lástima que conforme se consumen los minutos el nivel de azúcar crezca en proporción a la previsibilidad del filme.
No, no es en el guión donde los méritos de Shimotsuma Monogatari residen.

Exceptuando las filias y fobias de la pareja protagonista, cuya definición apenas sobrepasa lo esquemático, las líneas destinadas a aportar toques de originalidad están contadas.
Sin embargo el apartado visual brilla con especial fulgor, constituyendo un argumento contundente, definitivo, para permanecer pegado a la pantalla hasta el final sin que la acumulación de clichés enturbie nuestra determinación.
Narrativamente el campo de actuación pertenece al terreno bien acotado de la realidad que se ve invadido de manera esporádica por pequeños arrebatos de locura en forma de animación (ya sea superpuesta a los actores o en segmentos de puro anime) o comportamientos fuera de lo común (por ejemplo, cuando la Momoko infantil se separa para siempre de su madre lo hace mediante el significativo acto de volar). Considerando además el vibrante cromatismo de la fotografía se entiende a la perfección la multitud de comparaciones expuestas desde algunos sectores de la crítica con Amélie (Jean-Pierre Jeunet, 2001).
De obligada mención son los planos panorámicos que en ocasiones nos regalan bellas vistas del Japón rural. Imágenes para recrearse a gusto de un escenario no demasiado frecuentado por el cine actual.

Y hablando de placeres visuales, no se puede obviar el producido al contemplar a la pareja de actrices protagonistas: Kyôko Fukada y Anna Tsuchiya. La primera se esfuerza en retratar un tipo de personaje de manierismos habituales en el anime con éxito notable, si bien posee cierta tendencia a empalagar (independientemente de la intencionalidad), y la segunda convence en su papel de matona, yankee para los nipones, con buenos sentimientos. Esta última se adjudica algunos de los momentos más hilarantes del filme, concretamente cuando despliega su repertorio de cabezazos y zancadillas sobre su querida amiga Momoko.

A Shimotsuma Monogatari le falta mordiente para llegar a convertirse en una película verdaderamente admirable. Queda como una curiosidad a medio camino entre la marcianada entrañable y el pastelito rosa que a priori sugiere. Algo similar a lo ocurrido con la reciente adaptación a imagen real de la creación de Go Nagai Cutie Honey (Hideaki Anno, 2004), pero dejando un mejor sabor de boca.
En cualquier caso, es indiscutible que su puntuación a nivel de kawaii supera todos los baremos posibles. Las capturas que acompañan al texto así lo atestiguan.

Bueno, podría ser peor. Podría llover.

En breve

2007-03-01T16:40:00.000+01:00

Enlaces para matar (el tiempo)

2007-02-27T18:16:00.000+01:00

- Last of the Spinner Rack Junkies: Página dedicada al cómic clásico estadounidense, con un rinconcito reservado al interesante (y poco conocido por estas latitudes) Frankenstein de Dick Briefer.

- Hessa Comics: Sobre la deliciosa émula de Ilsa llamada Hessa.
Aún ofrece poca información sobre el fumetti en cuestión, pero la visita a la galería de portadas es obligatoria (lástima de tamaño).

- Uwe Boll se supera a sí mismo en Postal, cuyo terrorífico trailer se puede ver aquí.

El mejor amigo del vampiro

2007-02-18T12:47:00.000+01:00

DRACULA'S DOG

Albert Band, 1978

Durante una excavación rutinaria en Rumanía el ejército ruso descubre un mausoleo consagrado a resguardar los restos mortales de la familia Drácula. Destapando los ataudes se puede apreciar un cuerpo indefinible atravesado por una estaca que, por supuesto, habrá de ser retirada de inmediato. Es entonces cuando el ser que permanacía inerte cobra vida abalanzándose sobre la garganta de su benefactor para sorber su líquido vital. Se trata de Zoltan, un perro furioso que nos regala un flashback en el cual observamos como Drácula se acobarda ante los gritos de una joven que iba a servirle de cena, decidiendo transformarse en murciélago y atacar a un can que se hallaba por las inmediaciones. Es el bautismo a una nueva existencia perruna como no-muerto; destino que no habrá de transitar solo, pues su antiguo amo también es transformado por Drácula en un fiel sirviente carente de voluntad. Cuando Zoltan termina de recordar, abre el ataúd de su amo y retira la estaca para revivirle. Éste le informa mediante comunicación telepática que, en vez de destapar el féretro de su maestro que tienen justamente al lado, han de buscar al descendiente actual de Drácula a fin de seguir sus órdenes. Únicamente supone viajar miles de kilómetros hacia los E.E.U.U. cuando la alternativa exigiría un par de minutos de trabajo, así que no hay conflicto alguno y sin más dilación se disponen a abandonar el continente.
El infeliz descendiente del Señor de los Vampiros es el padre de familia (y poseedor de dos perros adultos y dos cachorros) Michael Drake, dispuesto a pasar unas vacaciones en el cámping rodeado de su familia. Pero las buenas intenciones se van transformando en un panorama pesadillesco una vez llegan al lugar, puesto que sus perros comienzan a desparecer misteriosamente por la noche ante el acoso de un peligroso animal no identificado. Lógicamente es Zoltan, que está reuniendo un ejército de perros-vampiro con el cual dominar el mundo. Sin embargo necesitan un maestro, y ese es el papel que le tienen reservado a Michael, le guste o no.

Si ha de haber una película en la que los actores inhumanos ganen la partida a sus compañeros homínidos, que sea Dracula's Dog. Tanto Zoltan como el resto de animalitos se muestran convincentes en un amplio rango de emociones tales como rabia, pena, confusión, ansiedad y ganas de rascarse por infección parasitaria. Claro que los elogios tendrían que compartirse con los pacientes entrenadores que han logrado la consecución de semejante magia fílmica. Y si se tercia siempre se puede echar mano de congelar la imagen, usar patas artificiales y planos hiper-cerrados para transmitir agresividad cuando los actores se preocupan más por lo que van a cenar esta noche que por lo que está sucediendo en el plató de rodaje.
La mejor forma de plasmar la maldad inherente a un can vampírico, amén de confiar en el talento interpretativo del chucho, es pintarle los ojos por encima de los fotogramas mientras se reproduce un ululante sonido. Explotar el recurso hasta la saciedad puede ser el camino óptimo para apartar de la mente los enormes agujeros de guión que amenazan por devorar al filme. Es una lección que, como un mantra, se inculca en el vidente con la absoluta convicción de estar rodando un producto serio y adulto. Prueba de ello es que Zoltan no lleva la atávica capa que suele ir unida a pueriles interpretaciones del mito vampírico.

Dracula's Dog es un espectáculo tan triste como una fiesta de cumpleaños a la que invitas a todos tus conocidos pero sólo aparecen tus padres (portando matasuegras en la boca). No obstante, también es un entretenimiento consistente que ejerce un curioso efecto de fascinación sobre el espectador manteniéndole interesado durante la totalidad del metraje. Una posible explicación puede encontrarse en esa pista de sonido en la cual se reciclan aullidos y ladridos repetidos en un bucle interminable. O en esos primeros planos a traición de Reggie Nalder transmitiéndole órdenes telepáticas a Zoltan de alta complejidad semántica ("Sí, Zoltan, sí" o "No, Zoltan, no") mientras pone la mismita cara de quien acaba de chupar un limón.

El caso es que tras su visionado resultará complicado mirar con los mismos ojos a un cachorro (o a una caravana, ya puestos). Fíjense que escenas en las cuales un vampiro emerge de su tumba subterránea se han rodado cientos, pero el efecto de sustituirlo por un perro que escarva su camino hacia la libertad, con sus propias pezuñas diminutas, confiere a lo conocido de una nueva y sobrecogedora perspectiva. Ni siquiera pestañeamos ante las más atroces ocurrencias del cine gore, pero, ¿quién puede evitar un vuelco al corazón cuando presenciamos a Zoltan alimentándose de un inocente perrito?
¿Usted?
¡Desalmado!

Marny, La Fea

2007-02-17T12:19:00.000+01:00

SATANIK (1. LA LEGGE DEL MALE)

Guión: Max Bunker
Dibujos: Magnus

A principios de los años sesenta el fumetti destruía convenciones y apostaba decididamente por un tipo de personaje al que rara vez se le concede un papel protagónico. Los "héroes" de las historietas, con Diabolik y Kriminal a la cabeza, distaban mucho de los coloridos samaritanos que poblaban las paginas de los cómics norteamericanos y hacían gala de unos patrones de conducta regidos por una ética más que cuestionable. Estos supercriminales vivían en un lujoso mundo de sensualidad y crueldad sin frenos que seducía al lector apelando a sus bajos instintos. En 1964 llegaría el pináculo del género bajo silueta femenina y el sugerente nombre de Satanik.
Creada por Max Bunker, Satanik es el pseudónimo autoasumido por la científica Marny Bannister tras llevar a cabo un experimento que transformaría su rostro desfigurado en el de una mujer cuya arrebatadora belleza rivaliza con la maldad de su negro corazón. Debido a su pretérita fealdad, Marny no ha gozado de excesivos favores en la vida y ahora que sus encantos son irresistibles pretende abastecerse de todo aquello que le había sido negado... y más. Poco importa que ello signifique embarcarse en una carrera de asesinatos, robos y fraudes que pongan en jaque a las fuerzas del orden del país entero.

En la primera entrega del fumetti se sientan las bases de lo que será la serie durante la nada despreciable duración de 231 números: estereotipos que apelan a las peores actitudes del ser humano, mujeres sexys en situaciones de nudismo parcial, violencia nihilista y persecuciones sin fin. La audacia de lo narrado deja en paños menores a sus cohetaneos de Marvel y DC, e incluso tiene poco que envidiar a la mayoría de publicaciones para adultos actuales. Señalamos un par de ejemplos para ilustrarlo.
Una vez toma posesión de su nuevo y curvilíneo cuerpo, esta moderna criatura reminiscente de El Extraño Caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde decide engatusar al primer acaudalado que se cruza por su camino para prostituirse por una cantidad ingente de dinero. Más tarde, asegurados los derechos de posesión de la herencia del incauto, lo envenenará sin remordimiento alguno.
Pero la situación más pintoresca pertenece a la escena en la cual Marny se venga de su hermana, que acostumbraba a burlarse de su grotesco rostro. Durante un paseo por el parque la hermana de Marny se muestra reticente a ceder bajo las tentativas amatorias de su novio pues pretende llegar virgen al matrimonio. El enfado del joven es tal que cuando Satanik aparece semidesnuda y se ofrece a terminar el trabajo que su hermana no está dispuesta a rematar, ¡a la vista de todo el mundo!, apenas ofrece resistencia.

Son situaciones como las descritas y el encanto de sus personajes (en especial el de Satanik, bella, sí, pero también poseedora de unos duros rasgos a juego con su carácter) los que mantienen el valor de un fumetti que, por otra parte, se ha quedado muy anticuado en cuanto a técnica narrativa, limitándose a concatenar dos o tres viñetas por plancha en monótona sucesión. Tampoco es que Magnus sea especialmente habilidoso en el manejo del lápiz, ni le pone especial empeño a la creación de paisajes (la ausencia de fondos es notoria), mas predomina la funcionalidad y razonables cantidades de buen hacer.

La adaptación fílmica, una co-producción hispano-italiana dirigida en 1968 por Piero Vivarelli, a pesar de contar con momentos certeros, no le hace la justicia requerida al personaje y queda por debajo de los logros alcanzados por Mario Bava en la similar Diabolik (1968). No obstante, se agradecería una edición en DVD contando con las condiciones audiovisuales correctas para revalidar o no esta apreciación.

Todo sobre Satanik (en perfecto italiano) pinchando aquí.

La Vie en Rouge

2007-02-11T13:41:00.000+01:00

ZEROKA NO ONNA: AKAI WAPPA

Yukio Noda, 1974

Miki Sugimoto
Rokko Toura
Eiji Go
Tetsuro Tamba

3,5/5

A veces el traje, los complementos y demás parafernalia... en definitiva, la estética que rodea a un personaje lo es todo. Y si no me creen fíjense en la voluptuosa Vampirella, cuyos risibles orígenes quedan eclipsados por un espectacular modelito compuesto casi exclusivamente por un par de exiguas cintas rojas.
Rojo, ése es el color predilecto de Rei, Zero Woman (literalmente "Mujer Cero"), llamada así por pertenecer a una sección especial de la policía que corresponde a tal numeración. Dicho departamento posee un código de actuación propio separado del resto del cuerpo, y, en consonancia, una forma de vestir alejada de los cánones habituales, adelantándose en unas cuantas décadas al fenómeno de la costumización.
Rei no sólo luce el color de la sangre en gabardina, pantalones, pendientes, ropa interior y lápiz de labios, sino que lo hace extensible a los utensilios de trabajo tales como su pistola, esposas ¡arrojadizas! y documentación. Todos estos elementos confieren a la actriz Miki Sugimoto un carisma y atractivo visual considerable, que emparenta a su personaje con la memorable Scorpion interpretada por Meiko Kaji. Los paralelismos entre ambas no son casuales, como se expone a continuación.

Tanto una creación como la otra comparten pareja de escritores, Fumio Konami y Hiroo Matsuda, lo cual explica el parecido entre las protagonistas. Scorpion y Zero Woman visten distintivos atuendos a juego con un caracter impasible que oculta su fuego interior. Las dos intérpretes atesoran belleza y un físico atlético de curvas en equilibrio. Ambas cuentan con un tema musical personalizado que encabeza sus respectivas películas. Y eso que aún no se ha comentado el tono general de los filmes, auténticas orgías de apuñalamientos, violaciones, cruentas torturas, piel desnuda y demencia lírica nipona.

Sí, las coincidencias son demasiadas como para ser ignoradas, aunque prestando atención a la fecha de producción de las dos obras y el éxito de Scorpion resulta comprensible que se explotase la fórmula buscando un reconocimiento similar en taquilla. Al parecer el intento no fue fructífero, pues la franquicia de Zero Woman se estancó en su debut hasta bien entrados los años 80, cuando se recupera a la gélida Rei en unas coordenadas bien diferentes: tetitas por doquier y una creatividad visual ajustada al mercado destinatario; el softcore rodado directamente para vídeo.
No está en mi ánimo el hacer una extensa comparativa entre los títulos, así que baste con decir que la película reseñada apenas se acerca al nivel de calidad mostrado por las dos últimas entregas de la saga protagonizada por Meiko Kaji y queda lejos de sus predecesoras. Con respecto al particular duelo entre ésta y Miki Sugimoto, mejor será recurrir a la socorrida salida de "todas las comparaciones son odiosas", que no por sobada deja de ser cierta.

Muy bien, pero seguramente llegados a este punto se preguntarán de qué demonios trata la película. Si ése es el caso, lean, lean:

La Agente Cero es encerrada en presidio por haberse propasado en el ejercicio profesional (digamos que ha descubierto un nuevo agujero de ventilación en los genitales de un violador). No durará mucho a la sombra porque en breve se requerirán sus servicios para una crucial misión. Deberá infiltrarse en una banda de criminales de tercera fila que en una de sus violaciones rutinarias han dado con una mina de oro; nada más y nada menos que la hija del futuro primer ministro de Japón. Lo que en principio iban a vender como mercancía a cualquier prostíbulo se convierte en la posibilidad de conseguir unos cuantos millones de yenes a través del chantaje. Ni qué decir tiene que es preciso llevar el asunto en estricto secreto para evitar posibles consecuencias políticas. Bajo este delicado panorama deberá desplegar sus artes (en el sentido más amplio) la Mujer de Rojo. Le espera un camino generoso en violaciones, torturas, litros y litros de sangre vertidos a presión, explosiones, abrasiones y un adverso giro final de los acontecimientos.

Los lectores más detallistas se habrán dado cuenta de que en el texto precedente se hallan desperdigadas unas cuantas variaciones del término violación. Su uso no tiene nada de gratuito, puesto que durante el desarrollo de la historia se suceden unas cuantas muestras de este acto de connotaciones que trascienden el plano sexual. Los japoneses sienten especial predilección por esta práctica tan mal vista en nuestra parte de la esfera y acostumbran a representarla con asiduidad en el cine. Si me permiten la expresión, los nipones se han convertido en unos estetas de la violación, poniendo un cuidado en su filmación que alcanza límites enfermizos. Zero Woman no es uno de los peores exponentes en esta materia, y sin embargo se cuelan algunos detalles que ilustran esta afirmación: llantos y gritos desesperados, el oportuno estrujamiento de senos, envolver la cabeza de la víctima con su ropa interior, un primer plano de los hilillos de sangre que bajan por las ingles...

Junto a esta manifestación de violencia se encuentran un número considerable de asesinatos, resueltos de manera fantástica en la mejor tradición del país. Quizá mereciese la pena investigar si los procesos fisiológicos del pueblo japonés son sustancialmente diferentes a lo estudiado por la comunidad científica de por aquí. Sólo así podrían explicarse esos desangrados estilo sifón tan llamativos.

Un subtexto presente de manera sucinta en la trama es el del odio racial, o más concretamente de las consecuencias de la ocupación norteamericana post-guerra en Japón. El culpar a los gaijin de la decadencia cultural y social del país es un argumento tratado con anterioridad en la pantalla grande, si bien raramente se recurre al adoctrinamiento ramplón. En Zero Woman se ve ejemplificado por la chaqueta de la marina estadounidense que el lider de la banda lleva puesta en la violación inicial, por los planos de aviones americanos insertados durante ésta (superando así el mero simbolismo fálico del objeto), por la escena en la cual los criminales se alivian sobre un cartel que reza "propiedad del gobierno de los EEUU"...
Mucho más explícito es el retrato del único personaje occidental de cierto peso en la película, dibujado como un patán ruidoso y de malos modales. Un auténtico energúmeno, en pocas palabras.

En cuanto al aspecto técnico del filme, predominan los aciertos gracias en su mayor parte a una fotografía que sin demasiados alardes entra con gusto por los ojos. El marcado contraste cromático cercano al de los cartoons (sólo hace falta fijarse en las armas de Rei) dota a la cinta de una adecuada distinción visual a la que no le tiembla el pulso cuando llega el momento de hacer una jugada arriesgada. De este modo, los fondos cambiarán de color (vivos rojos y violetas) exteriorizando el estado emocional de la protagonista.
La banda sonora acompaña a las imágenes a la perfección, y pese a su eminente caracter occidental (esos wah-wahs...) se ajusta a la historia cumpliendo con su cometido.

Si a lo mencionado le añadimos un montaje trepidante, en el que los eventos se suceden sin la más mínima pausa, obtenemos una cinta cuyo visionado Hijo del Celuloide recomienda sin reservas.
Ah, el cine japonés de los años setenta... cuántos placeres por descubrir. Una década que ojalá no hubiese terminado nunca.

El infierno era esto

2007-02-04T15:43:00.000+01:00

BLACK DEVIL DOLL FROM HELL

Chester Novell Turner, 1984

Shirley L. Jones
Chester Tankersley
Marie Sainvilvs
Ricky Roach

?/5

Es inevitable. Tarde o temprano todo ser humano ha de enfrentarse a una experiencia de una intensidad tal que consiga hacer replantearse aquellos valores en los que siempre había creído, haciendo peligrar la frágil ilusión de estabilidad autoasumida. Puede tratarse de una vivencia personal motivada por un conflicto interior o exterior, o algo tan simple como la lectura de un libro o el visionado de una película. Dejémoslo claro: Black Devil Doll from Hell no es esa película. Sin embargo, encontrar un espectáculo tan sumamente patético a la par que ofensivo a los cinco sentidos (cuestión nada baladí tratándose de un medio audiovisual) no sólo es una tarea prácticamente imposible, sino que ha de darse por perdida de antemano.

Chester Novell Turner tuvo una visión única e irrepetible en una descarga de iluminación creativa. Una visión de un muñeco con rastas que expulsa gas por la boca y viola a una mujer fea y religiosa. El mundo en 1984 no estaba preparado para tamaño asalto a nuestra salud mental y quién sabe si algún día lo esté. Queda esta cinta como testamento para traspasar a las generaciones futuras, depositando en ellas la responsabilidad de hallar respuestas a la pregunta que centraliza el pensamiento de los espectadores tras el visionado del filme: ¿Pero qué cojones acabo de ver?

El sencillo argumento de la película se puede condensar en las escasas líneas que siguen a continuación. Una mujer beata hasta la médula compra un muñeco en una tienda bajo la advertencia de que tiene el poder de otorgar el deseo oculto de sus dueños para más tarde volver al escaparate de donde salió. Como el anhelo inconfesable de la susodicha es darse un revolcón a toda costa (aunque sea con un amasijo de cartón barnizado), el muñeco cobra vida y la fuerza sexualmente. Esta experiencia aparentemente anodina ejerce un influjo decisivo sobre su vida y la ex-mojigata se dedica a fornicar con extraños para aplacar sus ardores. Es inútil. Una vez que se ha probado el dulce amor de un muñeco amorfo no existe pene de carne "y hueso" que valga. La única solución es acudir a la tienda para volver a comprarlo y suplicarle un poco de sexo. No obstante, el muñeco no está muy por la labor y ante la continua insistencia de la mujer decide freirla hasta la muerte con sus poderes mentales. FIN.

Si bien el guión no presume de ningún tipo de alarde literario, constituye un prodigio de calidad y savoir faire frente al resto de elementos de la película. Pasando lista:

- Dirección. Cuando uno acaba de comprarse una cámara de vídeo doméstica y comienza a probarla realiza todo tipo de movimientos bruscos, zooms sin propósito, planos interminables y juega con los efectos de contrastes, ralentizaciones, etc... a fin de familiarizarse con su uso. Lo que en la mayoría de los hogares termina por borrarse de la cinta para almacenar material mucho más significativo, en Black Devil Doll from Hell se convierte en el medio principal para narrar la historia. Así pues, y por poner un ejemplo, durante una interminable conversación telefónica de la cual se nos hará testigos en su integridad, la cámara deambula por el piso de la protagonista, recalcando motivos religiosos hasta la extenuación (aunque lo más llamativo a mi juicio es ese sofá envuelto en una funda protectora de plástico transparente). Algo totalmente superfluo, ya que gracias a la exposición anterior hemos comprendido perfectamente el fuerte carácter religioso de su protagonista. Claro que el premio gordo es esa inenarrable secuencia en la que el muñeco asalta por la espalda a la mujer a base de fotos estáticas (lógico, puesto que animar al hombrecillo en tales circunstancias es complicado) mientras de fondo se oye una estridente sucesión de efectos sonoros. Épico.

- Música. Jamás en la historia del cine los ritmos de ejemplo grabados en la memoria del CASIOTONE fueron empleados con semejante énfasis. Basta con añadir unas cuantas notas sostenidas por encima para obtener múltiples e irritantes melodías. Y si el volumen de la banda sonora no permite escuchar los diálogos lo mismo da. Peor es cuando los insistentes tonos agudos amenazan con perforar los tímpanos del oyente potenciando exponencialmente la furia homicida de éste.

- Interpretación. De entre los escasos personajes con relevancia en la historia destaca principalmente la actuación del propio muñeco. No se puede decir que su limitada expresión corporal sea digna de un Oscar, pero lo que le falta en gesticulación lo suple con creces a base de expulsar gases tóxicos por la boca. Suyas son las líneas más memorables del filme, expelidas en pleno acto de agresión sexual, entre ellas "Esto es lo que quieres y te lo voy a dar" y "¡Te voy a follar, puta!". Tan sólo rivaliza con semejante repertorio una de las frases que le espeta la amiga de la protagonista durante la mencionada conversación teléfonica: "Voy a conseguir que te follen el culo". A lo cual ésta responde impertérrita: "No hasta que me case".
De hecho, el discurso general se nota cuidado al milímetro y pensado para reflejar la ideología de profundo respeto al género femenino propugnada por el director de la cinta. Según la filosofía de esta obra la liberación de la mujer pasa por copular con un raquítico muñeco de cartón. Hasta ahí no se observa estridencia alguna. El problema quizás llegue cuando se usa como doble a un niño pequeño (porque un enano desde luego no parece) para determinadas secuencias de acción. De confirmarse la sospecha, estaríamos ante una fechoría intolerable.
El resto del elenco interpretativo, incluida la protagonista, una mujer vulgar con un gusto para vestir y peinarse francamente cuestionable, se limita a recitar las líneas de texto con la misma emoción con la cual uno leería la lista de componentes enumerada en la etiqueta de un champú.

Blaxploitations poseedoras de un nivel de cutrez y mugre alarmante existen en cantidad, pero ni siquiera títulos tan perniciosos como Sweet Sweetback's Baadasssss Song (Melvin Van Peebles, 1971) alcanzan los grados de incomodidad producidos por la contemplación de este filme. Black Devil Doll from Hell es, en definitiva, una película únicamente recomendada a personas que se exciten ante la visión de carne y cartón negros, y cuyo fetiche sexual sea observar como un muñeco lame los pezones de una mujer madura con una extensa lengua cubierta por una especie de sustancia blanca y pegajosa (vamos... seguro que son más de uno). El resto tendremos que hacer esfuerzos por borrar de nuestra memoria las inolvidables imágenes y los sonidos de esta infecta producción.

Lo que me ha traído el correo

2007-01-30T17:34:00.000+01:00

¡YUUUMMM!

Las cloacas de un género

2007-01-28T12:23:00.000+01:00

BLOODSUCKING REDNECK VAMPIRES

Sherlock y Hegg, 2004

Felicia Pandolfi
Carrie Davis
Scott Shanks
Rob Merickel

1,5/5

Catherine, una vampira rusa, y su fiel sirviente planean formar un ejército de no-muertos con el fin de dominar a la raza humana. Su cruzada les lleva a Backwash, un rústico pueblecito sureño inmerso en los preparativos de las fiestas locales. Uno a uno los paletos sucumben bajo garras y colmillos abrazando una nueva vida encaminada a la succión del rojo líquido.
Mientras tanto, Mamá Poisser (pronunciado "píser"; fonéticamente "meona" en inglés) no es capaz de contener su alborozo cuando gana un concurso de la revista "Inseminación de Toros y Redecoración de Habitaciones". Tan pronto como termina de leer la carta anunciándole las excelentes noticias el decorador prometido llama a su puerta. Jean Claude Les Eaux, pues ése es su rimbombante nombre, es un extraño personaje cuyas amaneradas costumbres se contraponen a la cultura regional. Suerte que el "pequeño" Junior Poisser y su amigo, el enano Cletus, se ofrecen como guías de la zona para que vaya acostumbrándose a lo que va a ser su hogar durante los días que dure el trabajo.
Sin embargo comprobarán como Backwash ha sufrido una conversión radical durante las últimas horas. ¿Qué puede justificar el extraño comportamiento de sus habitantes?
Y lo que es más importante, ¿quién ganará el certamen de belleza anual?

Cosas que uno puede esperar de Bloodsucking Redneck Vampires:

Estereotipos sobre franceses, homosexuales y campesinos. Litros de sudor. Vampiros subnormales. Banquetes de alubias. Ventosidades. Mujeres tuertas de 300 kilos. Senos. Competiciones de belleza y de cocina. Peleas entre un paleto obeso y un enano hisurto. Baños en agua bendita. Estacas arrojadizas por el efecto dominó. Duchas y vouyerismo. Problemas de vejiga. Más ventosidades.

Lo que se echa en falta:

Mullets. La carencia de mullets linda lo pasmoso.
En caso de desconocer esta peculiar combinación entre estilo de peinado y filosofía de vida, aconsejo pinchar aquí y dar un garbeo.

Conocimientos de utilidad adquiridos tras su visionado:

1- Los excrementos de gato son una delicia culinaria.

Sí, porque puestos a ingerir productos de cuestionable valor gastronómico tales como caviar, brócoli, caracoles, percebes o esmalte de uñas, no parece tan descabellado darle un tiento a las oscuras capsulitas expelidas por el recto de un minino. Y el olor no tiene validez como excusa para cualquiera que haya acercado su nariz a menos de diez metros de un buen queso francés.
A Jean Claude parecen entusiasmarle, así que, ¿quiénes somos nosotros para contradecirle?

2- Un baño de Rayos UVA es fatal para los vampiros.

Si bien en los pilares literarios del mito vampírico (Drácula y Carmilla) la luz del Sol no daña a los no-muertos, el cine se ha encargado de añadir esta característica a la leyenda hasta el punto de haber sido plenamente incorporada en el imaginario popular. Lo que constituye toda una novedad es que buscar un llamativo bronceado artificial tan sólo sirva para convertir a los vampiros en churrascos humeantes.
Mejor será aceptar que la extrema palidez asociada a la condición vampírica es un pequeño precio a pagar a cambio de la vida eterna, al igual que la caída del pelo prematura recibe su compensación en forma de... de...
Bueno, algún aspecto positivo tendrá, ¿no?

3- Nunca muerdas el trasero de una mujer de 300 kilos.

Se comprende que la perspectiva posea un considerable atractivo, pero ha de sopesarse la nada despreciable posibilidad de que la sorprendida víctima caiga a tierra a modo de acto reflejo.
Si el chupasangres en cuestión tiene la desgracia de que su cabeza se halle en la trayectoria que separa sus posaderas del suelo, las consecuencias pueden ser catastróficas.
Hay que pensar además en la faena que supone para el propietario del piso el tener que recoger los restos orgánicos a posteriori. Incluso los potentes desinfectantes son insuficientes para deshacerse de las diminutas partículas contaminantes. Por no hablar de los pedacitos de carne que se instalan en los lugares más recónditos obligando a rascar con ganas.

Nos encontramos ante una cinta (OTRA) que hace uso del campirismo para desplegar una sucesión de chistes pertenecientes a la variante humor de retrete. Es cierto que bajo una predisposición adecuada este tipo de películas posee cierta gracia, pero el efecto se diluye conforme van pasando los minutos transformándose en un espectáculo sumamente irritante.
No obstante, sería injusto no reconocer que al menos dos o tres ocurrencias demuestran algo de ingenio (la confrontación final con Catherine, por ejemplo). Si es suficiente bagaje como para aguantar hasta que termine la función queda abierto a la libre interpretación.

Tampoco sirven de alivio los desnudos presentes en el metraje, pues el atractivo de las modelos es cuestionable y únicamente cubren el expediente. Uno hubiese deseado que la encargada de desfilar en paños menores fuese la actriz que interpreta a la pequeña y tierna (ortodoncia incluída) Eva Poisser, pero no ha habido suerte. Advertidos quedan.
Créanme, ustedes tienen cosas mejores que hacer que dedicarle una hora y cuarenta minutos a este filme. Desgraciadamente yo no.

Tedio sifilítico

2007-01-21T13:51:00.000+01:00

DRACULA

Bill Eagles, 2006

Y llegó la enésima adaptación de la inmortal novela de Bram Stoker al Séptimo Arte.
Cargada de buenas intenciones, como suele ser habitual, y acompañada del acostumbrado fracaso a la hora de ponerlas en práctica. Quizás debamos hacer un esfuerzo por profundizar en el ejercicio crítico a fin de dilucidar si el error se halla en el empecinamiento por rodar una historia intrínsicamente unida a los mecanismos narrativos de la novela más que en la pericia de los cineastas en sí. La estructura polifónica del libro, constituida por una relación cronológica de diarios, cartas y telegramas emitidos por los protagonistas del drama, resulta complicada de trasladar con éxito a otro medio que no sea el escrito. Por ello la opción mas sensata es simplificar ciertos elementos de la obra a la vez que se modifican otros, siendo conscientes, sin embargo, de que en el proceso se ha de renunciar necesariamente a gran parte del atractivo del relato (cuando no se traiciona su espíritu, como en el intento de Francis Ford Coppola).
Si escasos son los filmes protagonizados por Vlad Tepes de notables méritos artísticos, muchos menos son en los que predomine la fidelidad al texto original. Ambos factores se dieron cita en la producción de BBC dirigida por Philip Saville en 1977 e interpretada por Louis Jordan en el papel del Conde. A pesar de los inexistentes esfuerzos por parte de la cadena en mantener vivo el recuerdo de la película (una edición en condiciones del DVD es inexcusable), la ruidosa minoria expresa una opinión muy favorable de la cinta en publicaciones especializadas y foros de internet. Tanto es así que BBC ha dado luz verde a un nuevo mordisco al mito, esta vez bajo una nueva perspectiva en sintonía con los tiempos actuales.

Lord Holmwood esconde un terrible secreto a su prometida Lucy Westenra. Padece una enfermedad mortal de necesidad que amenaza con dejar marcas en su anatomía y, lo que es peor, dificultará la tarea de consumar su matrimonio en el dormitorio. Sífilis es el nombre de tan funesto mal. La inquietud crece a medida que se va aproximando la fecha de la boda y Holmwood se muestra dispuesto a explorar cualquier remota posibilidad de encontrar un remedio que le permita demostrar su hombría ante su mujer. A sus oídos llega la existencia de un extraño culto basado en la sangre cuyo líder puede ser trasladado a Londres a cambio de una aceptable suma de dinero y alguna que otra posesión inmobiliaria. Por absurdo que parezca, dicho ser es capaz de obrar milagros y curar enfermedades gracias a sus extraordinarios poderes. ¿Ridículo? Sin duda, pero cuando se convierte en la última esperanza más vale no perder tiempo y poner en marcha al notario Jonathan Harker para agilizar los trámites. Mientras tanto, la pobre Lucy no sabe cómo seducir su marido para que copule con ella y sólo halla consuelo en la compañía de su amiga Mina Murray (la cual tampoco se libra de dramas particulares, pues su novio Jonathan Harker se encuentra en paradero desconocido).
Cuando llega el extranjero se muestra mucho menos complaciente de lo esperado y parece más interesado en flitrear con las damas del lugar que en obedecer los deseos de Holmwood. La integridad física y moral de las jóvenes damas está en peligro y el Doctor John Seward es el único que comprende la gravedad de la situación...

Leyendo la sinopsis anterior pudiera creerse que el guión se aleja en demasía de la visión original de Stoker, mas no es así. Los principales parajes del libro están retratados en el filme de Bill Eagles (no obstante, la parte inicial se esquilma severamente y el papel de Van Helsing se reduce a la mera anécdota), actuando la "subtrama sifilítica", por risible que parezca, como un razonable motor de la historia que aclara las motivaciones de alguno de los personajes. En esta adaptación el Conde decide acudir a Londres una vez tiene acceso a los posibles económicos otorgados por Holmwood y el encaprichamiento por Lucy y Mina se plasma de una manera meridiana y razonablemente coherente. Lástima que la interpretación de Marc Warren no termine de conferir credibilidad al giro argumental. Claro que centrar en él los dardos sería pecar de agravio comparativo, puesto que el resto de compañeros acatan su labor con la misma profesionalidad y resignación de un obrero encargado de pasarse el día transportando objetos pesados. Ni la presencia de la luminosa Sophia Myles supone un pequeño extra a una producción rutinaria y mediocre en todos los apartados. Si bien en ningún momento se alcanzan cotas de patetismo incómodas, sí que predomina un ánimo aletargado durante su visionado que induce a bostezos y miradas furivas al contador del tiempo. Quien al menos espere enfrentarse un ágil divertimento camp desde ya haría bien en desviar su vista hacia otros títulos. Dentro del subgénero vampírico no le faltarán candidatos a elegir.
El mayor pecado de la película es atraverse a aportar un audaz matiz entre lo mórbido y lo sexual para después hacer poco o nada con él. Sorprende lo recatado y contenido del desarrollo y la nula explicitud de las imágenes destinadas a un guión propenso al exceso. Sensualidad bajo cero.
En el apartado de méritos cabe destacar el vestuario y la ambientación general, aunque BBC acostumbra a mimar estos detalles con el debido cuidado. Nimio bagaje para un producto que prometía no dejar al espectador indiferente, ya fuese para lo bueno o para lo malo, y que no ha acertado ni siquiera en eso.

El gusano, el modelo y el ejecutor

2007-01-14T14:24:00.000+01:00

ANNIYAN

S. Shankar, 2005

Ambi no puede dar crédito ante el continuo desprecio por las leyes y el respeto humano que observa a diario con la regularidad de una dieta rica en fibra. La India ha caído hasta extremos muy profundos y el deterioro ético de sus habitantes amenaza con corroer los endebles cimientos del país. Ni siquiera bajo su condición de abogado es capaz de aportar un rayo de esperanza que ilumine unas funestas perspectivas de futuro. Como tampoco logra encauzar su relación sentimental con Nandini, ya que la joven no tolera el estricto código moral que rige el comportamiento de Ambi. Así pues, el abogado se enfrenta a un fracaso personal a distintos niveles del que tan sólo comenzará a salir tras la toma de contacto fortuita con una misteriosa página web dedicada a la denuncia de los infractores anónimos. Por razones ignotas, dicha experiencia servirá de revulsivo para que aspectos ocultos de la personalidad de Ambi tomen apariencia y voz propias campando a sus anchas con el fin de alcanzar los objetivos que se le niegan al pusilánime hombrecillo. Surge Anniyan, encargado de ejecutar a los pecadores bajo los sádicos parámetros del Garuda Puranam, y Remo, ligón poseedor de una autoconfianza desbordante que raya en la arrogancia. Ambos triunfan en sus respectivas áreas de acción, pero el pobre Ambi es más desdichado que nunca. Y para colmo de males su peinado no le favorece en absoluto. Ni siquiera hace juego con la línea vertical que lleva dibujada en la frente.

El cine hindi de Bollywood se caracteriza por unos argumentos disparatados servidos en bandeja con el condimento de unos numeros musicales igualmente extravagantes, pero de visionado tan liviano como estimulante. A juzgar por títulos como Anniyan, el ignoto cine tamil se mueve por las mismas coordenadas. No obstante, en esta ocasión se aprecia un plus de bizarrez que habla muy a favor de la película. Lo cierto es que la contenida hora inicial (de las tres que integran la cinta; lo habitual en Bollywood) hace poco por advertir al espectador de lo que le espera durante el resto de función. Tanto el argumento como las escenas de baile, insertadas más que integradas en la trama principal, discurren por el terreno de la comedia romántica y apenas se deja entrever algún que otro detalle que escape de la total mediocridad. Pero el recorrido del filme carece de frenos y se esfuerza en ir más allá a cada minuto. Tras la aparición de Remo las coreografías se vuelven cada vez más osadas y anticonvencionales según criterios occidentales, mientras que Anniyan perfecciona su (imposible) repertorio de golpes y piruetas culminando en una memorable escena desarrollada en una escuela de artes marciales deudora de obras como Kill Bill o Matrix Reloaded sin renunciar a su idiosincrasia. Si los espectadores no están interesados en los límites de la credibilidad, las películas, por ende, tampoco. Lo cual es motivo de celebración, por supuesto.

Mención aparte merecen las letras de las canciones interpretadas por Remo. Simplemente inclasificables, mas contagiosas como un virus que se apodera del centro de raciocinio. Sus líneas exhiben un absurdismo casi dadaísta no exento de su cota de genialidad. ¿Ejemplos? Remo trata de conquistar el corazón de la bella Nandini vendiendo su persona de la mejor manera posible: "Mi cuerpo es álgebra y se reencarnará en ameba". ¿Qué chica no caería rendida a los brazos del galán que adujese semejantes argumentos? Y cuando la chispa del amor brota entre ambos, le canta a su amada: "Nuestros ojos se encontraron. Eres de La Mafia. ¿Un café capuccino? ¡Sofia! ¡Nokia! ¡Sofia!" Ante lo cual uno sólo puede menear la cabeza y asentir al son del machacón ritmo de fondo.
Conviene aclarar que no todo es digno de elogio en Anniyan. A un moroso comienzo se le suma una mecánina de sustitución de personalidades que al final del extenso metraje se torna cansina. Por otra parte el humor es muy elemental y no entiende de sutilidad o de dobles sentidos. Pero el principal escollo que encontrará el espectador potencial es el mismo guión con su ridículo planteamiento y desarrollo. Cuestión por la que un sector, minúsculo dependiendo del contexto, la encontrará irresistible. Ya saben. Lo que para algunos son baratijas, para otros tesoros. Los hay quienes prefieren una hamburguesa al caviar y los hay capaces de alternar ambos (sin embargo, espero, no de combinarlos). No faltan adeptos a la Teoría Circular del Arte, aunque he de reconocer que estamos en franca minoría frente a la mayoría absolutista.

Aviso

2006-12-22T15:19:00.000+01:00

Este blog no se actualizará durante las vacaciones navideñas.

Que tengan unas felices fiestas.

Latigazos mudos

2006-12-21T19:46:00.000+01:00

THE PUNISHMENT OF ANNE

Radley Metzger, 1976

Rebecca Brooke
Carl Parker
Marilyn Roberts
Yvette Hiver

3,5/5

En un mundillo tan propenso a la deshumanización y a la anemia artística como es el del Cine X, se convierte en misión baldía encontrar voces singulares que consideren al medio como algo más que un vehículo mediante el cual confeccionar un (lucrativo) producto. Independientemente del disfrute que se obtenga del visionado de las cintas de dicho género, cuestión que no debería trascender la esfera íntima del espectador por motivos obvios, el hallazgo de méritos creativos dista de ser la norma. Situación agravada por el paso del tiempo, ya que, tras el auge del vídeo en los ochenta, las producciones se destinan exclusivamente al soporte doméstico con el abaratamiento que ello conlleva a todos los niveles (incluido el artístico). Aquí el término "cine de consumo" adquiere su máxima expresión. Lo que se ofrece es un paquete de estímulos listo para fagocitar y olvidar a la misma velocidad con la que las imágenes abandonan la pantalla del televisor. Es una filosofía del "todo vale" en la que basta con ser capaz de sostener la cámara y apretar el botón de "on" para poder apropiarse legítimamente del rótulo de director. Mientras se exhiban cuerpos en apareamiento (con un lujo de detalle progresivo) la satisfacción estará garantizada.
No obstante, en los felices setenta el ahínco de nombres como los de Gerard Damiano (Deep Throat, The Devil in Miss Jones) o los Hermanos Mitchell (Behind the Green Door, Resurrection of Eve) nos hicieron creer en las posibilidades de lo explícito y en un futuro en el cual se abriesen nuevos e insólitos caminos para narrar (el énfasis es intencional) otro tipo de historias cinematográficas. Entre esa limitada lista de benditos se encuentra Radley Metzger, también conocido como Henry Paris, el mejor director de Cine X de la historia bajo el humilde criterio de esta recóndita parcela en la red de redes.

Encasillar a Metzger como pornógrafo, sin embargo, es pecar de restrictivo. Su interés por el erotismo antecede a la revolución que supuso el estreno comercial de Deep Throat en 1972 y la relativa normalización del género consecuente. En títulos como Therese und Isabelle (1968) y Camille 2000 (1969) dio numerosas muestras de su querencia por la anatomía femenina así como de una sana ausencia de prejuicios, mientras que en The Score (1973) derribaba barreras y se permitía el lujo de incluir escenas de sexo explícito homosexual en un contexto de lo más elegante. El salto a la X, inducido sin duda por una mayor rentabilidad pero también libertad artística, trajo consigo títulos memorables como The Private Afternoons of Pamela Mann (1975) con su delicioso (y bobalicón) sentido del humor, la imprescindible The Opening of Misty Beethoven (1976), versión picante de El Pigmalión dotada de un sobresaliente montaje y un bello (sí, bello) final, o Barbara Broadcast (1977), en la que Annette Haven irradia belleza cual aparición sobrenatural. Metzger también hizo sus pinitos en el mainstream en una versión actual de The Cat and the Canary (1979), pero la experiencia no fue del todo positiva y su carrera como director para todos los públicos se vio abortada. Desde 1984, año en que fue fechada The Princess and the Call Girl, no ha firmado nuevas obras, por lo que estudiar su producción se reduce necesariamente a un trabajo de arqueología. Queda la duda de conocer cómo se hubiese desenvuelto el artista durante los inciertos años de la vorágine del VHS y si su particular estilo podría haber llegado a hacerse un hueco, por qué no, entre los reputados auteurs de nuestros tiempos.
Probablemente no se halle muy lejano el día en el que su figura obtenga el reconocimiento que se merece y se reivindique su filmografía en festivales de prestigio. Aunque un Quentin Tarantino que sirva de espaldarazo no acostumbra a surgir de debajo de las piedras...

The Punishment of Anne se sitúa en un término intermedio entre sus escarceos con el softcore y su idilio con el hardcore. El sexo, a pesar de ser no simulado (en su mayor parte, al menos), ocupa una reducida proporción del minutaje y siempre está al servicio de la trama que a continuación se resume: Jean, aburrido en una fría e impersonal fiesta de la alta sociedad, posa su mirada sobre una exquisita criatura de cabellera dorada. El lugar y el momento parecen los indicados para tratar de lograr una nueva conquista, mas sus intentos son en vano ya que la muchacha, llamada Anne, se muestra cohibida y quizás esclavizada bajo el yugo de su autoritaria amiga Claire. Entre Jean y Claire surge una espontánea amistad que derivará en planes futuros conjuntos como un paseo por el parque acompañados por la callada Anne. Es entonces cuando Jean será consciente de la extensión de la relación entre las dos mujeres. Anne pide a sus dos acompañantes que se detengan para buscar un sitio donde hacer sus necesidades fisiológicas al no poder contenerse y Claire le replica que se alivie a la vista de todos, pero en especial a la de su nuevo amigo. La joven, visiblemente humillada, accede no sin vacilar y posteriormente Claire le castiga por su insolencia inflingiéndole arañazos en los muslos con las espinas de una rosa que ha cortado del mismo jardín. Tras este inusual episodio Jean encuentra fortuitamente a Anne en una librería y se acerca a hablar con ella. Sin la presencia de Claire, Anne es una mujer totalmente diferente y la extrema sumisión demostrada el día interior da paso a una insolencia que bordea en el desprecio. Lejos de disuadirle en sus propósitos, Jean encuentra esta contrariedad estimulante y decide que ha de poseer a esa chica cueste lo que cueste, por lo que intensifica los lazos que le unen a Claire. Entre los tres se forja un pacto tácito que implica dominación tanto mental como física (látigos, cadenas, agujas, mordazas... el lote completo), así como exhibición y ofrecimiento público. Un triángulo en aparente equilibrio cuyo punto débil pronto amenaza con quebrarse, desbordando las pasiones y estropeando la diversión.

Al igual que en el resto de filmes de Metzger, los personajes de The Punishment of Anne se ganan tal denominación y trascienden la mera excusa argumental con la que hilvanar una serie de viñetas eróticas. Respiran, palpitan, orinan, sufren, ríen (si bien en este caso el sentido del humor típico del director parece estar de vacaciones), sudan, comen y beben. Ocupan un volumen en el espacio en perpetuo movimiento, no limitando su campo de acción a lugares reservados lejos de miradas inquisitivas. Residen en ciudades, no en cubículos anónimos. Pasean, conducen, escriben, leen. A veces incluso demuestran tener una orientación política. En resumen: viven. O por lo menos se crea la ilusión de tridimensionalidad suficiente como para que el espectador establezca unos mínimos lazos empáticos con esas marionetas de carne (efecto poco habitual en el género que nos ocupa).
También reincide en la fascinación por la clase alta, su vestuario, sus fiestas, sus tapices y lo que bulle en los amuermados cerebros de sus integrantes, ansiosos por descubrir nuevos juegos con los que animar su monótona cotidianidad aun a costa de los sentimientos ajenos. La escenografía se cuida al detalle, eligiendo localizaciones con sabiduría y plasmando suntuosos platós que se encuentran más allá de las posibilidades (no sólo económicas) de la mayoría de los espectadores. Metzger mima la estética sin llegar a someterse a ella para mutar en un diseñador de inocuas fantasías plásticas (como pudiera ser el caso, y sin apartarse de la materia, de Andrew Blake). La imagen importa, pero no es el todo.

Desarrollar de manera satisfactoria un guión de carácter tan minimalista sin disponer de un apropiado talento interpretativo hubiese sido una tarea harto complicada. Afortunadamente el trio protagonista al completo aborda su papel con dignidad y oficio, regalando gestos y matices que hacen funcionar a un texto cuyos recovecos argumentales, especialmente en su tramo final, discurren por el camino de lo implícito. El lenguaje corporal toma el mando de la función y a menudo cobra mayor relevancia que la palabra hablada. Fíjense: ¿En cuántos títulos del género podemos citar la importancia de lo que no se dice para comprender en su totalidad lo mostrado? En el Cine X es rara avis terminar la proyección con un sentido de clausura, y mucho menos de evolución de los personajes. Aquí se apremia al observador a que, una vez escondidos los juguetes, dé luz a una opinión sobre lo que ha presenciado y los motivos que se ocultan tras ello. La sutilidad y el realismo potencian la excitación más que suspenderla.
No quisiera llevarles a engaño alguno. The Punishment of Anne explora las relaciones interpersonales con una complejidad e inteligencia muy inferior a la de grandes expertos en el tema como Michelangelo Antonioni (véase toda su filmografía, pero en concreto L'Avventura) y, sin embargo, negar ese pequeño plus es hacer oídos sordos al talento de un autor muy por encima de la competencia fílmica en sus mismas coordenadas. Aceptémoslo: Radley Metzger sólo hubo uno y difícilmente podrá repetirse. Una vez dada por válida esta premisa queda únicamente el descubrirlo.

Los interesados en las dinámicas de dominación / sumisión harán bien en investigar el currículum de Maria Beatty, de intencionalidad e inquietudes fílmicas muy diferentes a las del director neoyorquino pero igualmente estimulantes.

El bello cadáver

2006-12-17T09:36:00.000+01:00

VIY

Yershov y Kropachyov, 1967

Leonid Kuravlyov
Natalya Varley
Aleksei Glazyrin
Vadim Zakharchenko

3,5/5

Un grupo de jóvenes sacerdotes se encuentran de vacaciones alejados de las obligaciones del seminario. Durante la noche buscan refugio en una granja local, donde una avejentada mujer se encarga de acomodarlos lo mejor que puede. A Khoma le toca dormir en el establo junto a los animales, lo cual no le produce ninguna contrariedad. Para su sorpresa, la anciana irrumpe en su lecho mientras duerme e intenta seducirle. Tras una serie de tentativas fallidas agarra a Khoma por la fuerza y le obliga a montarse con ella en una escoba con la que saldrán volando. Una vez en tierra firme el aterrorizado muchacho se las arregla para apalear a la bruja hasta la muerte, momento en el cual se convierte en una bella muchacha.
Es tiempo de poner pies en polvorosa y olvidar lo sucedido, cosa que se convierte en una tarea mucho más complicada de lo deseado pues nada más volver al monasterio se le encomienda velar el cadaver de una dama de alta alcurnia por expreso deseo de la recientemente fallecida. ¿Pudiera ser la misma mujer de aquella noche de pesadilla? ¡Sí!
Khoma es forzado a velar el cuerpo de la joven durante tres noches con horribles consecuencias, pues no parece dispuesta a entregarse al olvido eterno de forma pacífica y se manifiesta agresivamente contra el sacerdote en una escalada de espanto progresivo.

Viy es una adaptación de un relato de Nikolai Gogol basado a su vez en una leyenda del folclore popular. No se trata de la primera vez en que la obra ha sido llevada al cine, teniendo a la reputada La Maschera del Demonio (Mario Bava, 1960) como destacada precursora, si bien la película de Georgi Kropachyov y Konstantin Yershov presenta un mayor grado de fidelidad con respecto al texto original. Su popularidad en los últimos años se ha visto incrementada notablemente, siempre en círculos selectos, hasta el punto de que no son pocos los que la encumbran como una auténtica joya fílmica. Tal entusiasmo se justifica en parte por su imaginativa puesta en escena, repleta de efectos especiales creados de manera artesanal que en algunos momentos llegan hasta límites orgiásticos, como si de una gran superproducción de Hollywood se tratase.

El guión resulta mucho menos disfrutable si no es puesto en perspectiva, puesto que su ingenuidad se explica mejor desde las premisas de los cuentos populares que desde lo que uno cabría esperar de una película de terror al uso. Especialmente descolocantes son sus rafagas de humor simplón y trasnochado que, por fortuna, permanecen en un discreto segundo plano.
En cualquier caso, no se puede pasar por alto que el desarrollo de la cinta gana enteros en capacidad para inquietar conforme se va aproximando el final, terminando con una escena capaz de dejar con la boca abierta incluso al aficionado del fantástico más curtido.
Tamaño despliegue de inventiva visual es difícil de predecir atendiendo a los primeros minutos del filme, y sorprende más aún contextualizándolo según fecha de producción (recordemos que data de 1967). No obstante, alguno de los efectos especiales parece incluído por el simple hecho de epatar, aportando poca cosa a la historia.

Si fuese necesario elaborar una lista con los elementos más llamativos de Viy, a la cabeza se encontraría la extraordinaria belleza de Natalya Varley, encargada de interpretar a la bruja transmutada en virtuosa muchacha de nombre Pannochka.
Contemplar su rostro consigue hacer circular una corriente eléctrica de genuina excitación por la médula espinal; experiencia sobrenatural a su manera.
Una mujer a la que bien merece la pena seguir la pista entre los laberínticos pasillos descubiertos por la imdb.

Sangre, amor y plumas

2006-12-10T13:33:00.000+01:00

PANNA A NETVOR

Juraj Herz, 1978

El negocio familiar del padre de Julie atraviesa momentos aciagos. Tanto es así, que sus dos hermanas van a contraer matrimonio únicamente por interés financiero mientras que su apenado progenitor se ve obligado a vender sus escasas posesiones personales para salir del apuro. Entre ellas se encuentra un exquisito retrato de su difunta esposa, la cual guarda un parecido asombroso con Julie. De camino a la ciudad portando el preciado objeto el hombre sufre un accidente que le dejará hambriento y desorientado en medio de un tenebroso bosque. Por suerte encuentra una mansión en ruinas bajo la cual guarecerse... y alimentarse, pues a pesar de no apreciarse la presencia de terceros un cerdo se está asando al fuego y las copas se llenan mágicamente con bebida para saciar la sed del huesped. Al día siguiente el cuadro ha desaparecido y en su lugar se encuentra una montaña de joyas digna de un reino. El trato es más que satisfactorio, pero el hombre estropea el acuerdo tácito al pararse a cortar una rosa para su hija antes de partir. En ese momento el monstruoso anfitrión se revela furioso exigiendo la vida del infractor, mas ambos llegan a un nuevo acuerdo: podrá marcharse a condición de que entregue al ser una de sus hijas (que habrá de aceptar voluntariamente), o vuelva más tarde, tras despedirse de ellas, para ponerse a disposición de sus zarpas. Al regresar al pueblo, Julie no se lo piensa dos veces y salva la vida de su padre enfrentándose a lo desconocido. Sin embargo la extraña estancia en la mansión en ruinas junto a su invisible anfitrión le depara la sorpresa de un amor irrelizable. El temor al rechazo impide que el monstruo revele su verdadera apariencia a la joven que le ha robado el corazón, mientras que una voz interior le conmina a desatar su naturaleza animal y despedazar a la joven para beber sus fluidos.

La sinopsis anterior deja meridianamente clara la fuente de inspiración de esta película rodada en la antigua Checoslovaquia. Muchas versiones se han filmado del cuento de La Bella y la Bestia, pero pocas han captado con tanto acierto la vertiente siniestra presente en la historia como Panna a Netvor. Nos encontramos ante un filme que no renuncia a la magia, pero que apuesta decididamente por anclar el escenario en la realidad. Así pues, la vida en el pueblo es un asfixiante trajín de personas ensuciándose sobre el barro, sacrificando y despellejando animales para comer mientras subsisten de la mejor manera posible. El bosque es inhóspito y el peligro puede acechar tras cualquier sombra o recoveco. La propia bestia no parece una persona afectada por algún tipo de maldición, sino un repugnante engendro que no altera el orden de la naturaleza (incardinándose en él), lo cual confiere una terrible perspectiva a su condición. Aspectos estos potenciados por el uso del maquillaje, vestuario y efectos especiales, puestos al servicio de un planteamiento que busca la extrañeza a través de lo conocido, si bien existen elementos disruptores en forma de ensoñaciones románticas de Julie que, de algún modo, actúan como recordatorio de que lo que presenciamos no es más que una película.

Especialmente memorable es la caracterización de La Bestia, en este caso alejada de la tradicional representación felina, optando por una especie de ave repulsiva con notables resultados. La dualidad entre criatura depredadora y ser vulnerable poseedor de sentimientos se plasma adecuadamente no sólo gracias a los prostéticos, sino también por una lograda interpretación a caballo entre lo humano y lo animal.
Otro elemento de la cinta articulado entorno al conflicto es la reflexión sobre la relación amor = belleza, que en un principio se explora de manera adulta para más tarde transitar los caminos habituales (y con ello espero no estar estropeando el "suspense" del final del filme). Porque, en definitiva, Juraj Herz se interesa más por la creación de ambientes (aunque sea mediante la rectitud de lo observado a través de la lente) que por la moral de sus personajes. Opción legítima que, no obstante, da al traste con una maravillosa oportunidad de explorar la historia bajo un prisma prácticamente inédito. Queda una interesante revisión de un clásico desde una mirada que parte del costumbrismo para subvertir las preconcepciones visuales.
No es poco.

Pero, ¿quién es Drácula? (10)

2006-12-05T15:53:00.000+01:00

Enzo Montefusco

Dracula (Mario Salieri, 1994)

"Fábula naif", definición que se concede a esta película desde un rótulo situado después de su inicio, equivale según Salieri a "caos argumental en el que se encadenan escenas de sexo de manera incoherente". Al menos eso se colige tras el visionado de este filme X rodado al rebufo de la adaptación de la obra de Bram Stoker dirigida por Francis Ford Coppola en 1992. De dicho título Salieri copia la estética y ciertos vericuetos del guión ausentes (o no explícitos) en el texto original. El espectáculo resultante termina por decepcionar conforme se ven inclumplidas las expectativas alcanzadas por el primer cuarto de hora y apenas se pueden salvar de la quema escasos aspectos (iluminación, vestuario, un montaje modélico para el promedio del género...).

El papel reservado a Drácula en la cinta es tan confuso como la representación del mismo mito vampírico. Cierto es que entre cópula y cópula acontencen asesinatos relacionados con los sedientos chupasangres, pero nada se menciona del origen de las conversiones sobrenaturales o si estas se orquestan por voluntad del Conde (que, por otra parte, tan sólo hace acto de presencia en el principio y final de la historia). Parece que, al igual que en la película de Coppola, la frustrada historia de amor entre Drácula y Elisabeta actúa como desencadenante de la maldición, pero no se profundiza en la materia y el apresurado epílogo tampoco aclara el embrollo. Total; para los contados espectadores que no presionarán el botón de fast forward durante las escenas de diálogos...

Cabecita loca

2006-12-03T11:19:00.000+01:00

LEÁK

H. Tjut Djalil, 1981

Ilona Agathe Bastian
Yos Santo
Sofia W.D.
Debbie Cinthya Dewi

3/5

Cuando una leyenda como el vampirismo se encuentra extendida por todo el globo desde tiempos inmemoriales, es indicativo de que al menos una fracción de ella tiene raices enterradas en la realidad. Cierto es que no en todas partes se ha desarrollado de la misma forma, y las diferencias en la representación del mito pueden ser más o menos notables de acuerdo con el acervo cultural. Especialmente curiosas son algunas variantes pertenecientes a paises asiáticos debido al radical contraste con la imagen que tenemos del nosferatu en el mundo occidental.
De entre ellas, ninguna es comparable en impacto visual y capacidad de epatar como el penanggalan.

Y qué demonios es un penanggalan, se preguntarán. Pues básicamente un ser entroncado en el folclore indonesio consistente en un cabeza voladora de la que cuelgan sus órganos vitales que se encarga en irrumpir en los dormitorios de las embarazadas para succionar la sangre de los niños no-natos.
Ahí es nada. Si quieren conocer en qué película podemos contemplar en toda su gloria a tan fascinantes criaturas, continúen leyendo.
(Una pista: no se trata de Toy Story.)

Leák, más conocida en la actualidad por el nombre de Mystics in Bali, narra la historia de Cathy Kean, una estudiante americana que viaja a Bali con el fin de recopilar información sobre los ritos mágicos locales de cara a la publicación de un libro sobre el tema. Siendo ya una experta en vudú, busca la ayuda de Mahendra, muchacho que recuerda tangelcialmente al Prince circa 1977, para aprender todo lo necesario sobre la terrible magia Leák. Juntos acuden al encuentro de una siniestra sacerdotisa con problemas de manicura (y muy buen humor, irrumpiendo en carcajadas a cada palabra) que acepta tomarla como discípula... a cambio de un precio. En un principio se contenta con ofrendas en forma de botellas de sangre humana, pero no tarda en ser un tributo insuficiente como por desgracia comprobarán en el futuro.

Después de pasar por un ritual en el que la avejentada bruja le da a Cathy unos diamantes para más tarde recogerlos con una lengua de varios metros que dirige desde detrás de un arbusto, ambas comienzan una dinámica que les llevará a practicar todo tipo de materias espirulizantes.
A saber: el arte de poner caras de pasmo absoluto, bailes regionales, transformación en mujer-cerdo, reirse como si te acabases de escapar del frenopático, aumento del tamaño de los labios sin necesidad de inyecciones de colágeno, tatuajes místicos en la entrepierna...

Suficiente como para perder la cabeza, ¿verdad?
No es necesario que se lo cuenten a la propia Cathy, pues aprovechando el estado inducido de trance durante las mencionadas sesiones la mentora hace que su testa e intestinos salgan disparados en búsqueda de sangre que le conferirá un inusitado poder. La explicación del motivo por el que esto sucede queda en el aire.
Mientras tanto, los aldeanos no permanecen impertérritos e inician las pesquisas para eliminar el mal que los está asolando. A Mahendra no le entusiasma la idea. Es incapaz de abandonar a su suerte a la mujer de la que está enamorado así que solicita el consejo de su tío, experto en contrarrestar a las fuerzas del mal colocando palillos mondadientes en la tráquea.

Desde luego, es imposible acusar a Leák de tener un argumento convencional. Más bien todo lo contrario, pues encontrar otro título equiparable en nivel de bizarrismo constituye un desafío incluso para los aficionados a la trashvanguardia más avezados. Quizás Pembalasan Ratu Pantai Selatan (que parece un trabalenguas, pero es el nombre original de la hoy popularizada Lady Terminator) también de H. Tjut Djalil se aproxime en ocasiones, pero al penanggalan no se le bate fácilmente.

A modo de muestrario de la caja de trucos de la que dispone el filme, destaco un par de escenas que no agotan en absoluto el alubión de sorpresas que asaltará al espectador tras los rótulos iniciales:

1- ¡Pornografía gratuita!

Cómo si no describir la secuencia en la cual Cathy se muestra en bañador a Mahendra para que lea el tatuaje que tiene grabado... ¡en el muslo! Él, que es todo un caballero, como corresponde a su condición se niega pero la muy descocada logra convencerle a regañadientes no sin así generar una intolerable tensión sexual.

Los rectos censores indonesios debían de estar mirando hacia otra parte, porque en caso contrario no se explica que haya pasado el corte tamaña indecencia. Primero tienen la desgracia de contar entre sus nativos a la ligerísima de cascos (y de ropa) Laura Gemser... ¡y después esto!
Ay, Dios. Cuánto libertinaje.

2- ¡Succiones uterinas!

La cabeza e intestinos de Cathy abandonan su cuerpo obedeciendo a la voluntad de su maestra y salen volando por el aire acompañados de un sonido tal que así: ¡SHIUMMM! (pronúnciese juntando los dientes delanteros, o, si prefieren conservar intacta su imagen, no pronúnciese).

Dirige su trayectoria hacia una casa y por el camino se encuentra con una anciana con la que choca desiquilibrándola. Ésta cae contra la pared de la habitación atravesándola por completo como si le hubiese caído un misil encima. Entonces Cathy da con su presa, una mujer en avanzado estado de gestación postrada en la cama. Se sitúa entre sus piernas y comienza a chupar en la mejor tradición de Viv Thomas (si bien la "homenajeada" no parece estar disfrutándolo). Durante el acto es sorprendida por un par de jóvenes y pone intestinos en polvorosa mediante su modus operandi característico.
Ya saben: ¡SHIUMMM!

En Leák lo normal es anormal y viceversa. Nadie parece comportarse de forma lógica. Los personajes aparecen y desaparecen sin justificación alguna. Las localizaciones, el tiempo y el espacio son conceptos esclavizados por la tiranía de lo imprevisible. La dirección amplía, aleja y se mueve por inducción etílica. Los actores no interpretan, se limitan a comparecer. La banda sonora consigue que los oídos comiencen a sangrar. Duele a la vista.
Por si los elementos enumerados no formasen una lista suficiente de virtudes, el exotismo predominante, tan alejado de las producciones de terror a las que estamos acostumbrados por esta parte del planeta, termina por seducir.
Diablos, si los efectos especiales no resultasen tan transparentes, el filme podría haber llegado a ser espantoso en el sentido común del término. Por falta de conceptos perturbadores no será.

Como colofón una curiosidad muy en la línea de la sección "trivia" de la imdb: La película, basada en el libro "Leák Ngakak" de Putra Mada, tuvo que ser rodada en la Isla de Java debido a que los habitantes de Bali eran demasiado supersticiosos y no permitían la representación de rituales que creían reales.
Ya puestos podían haber intentado incorporar al reparto a la bellísima Emanuelle Negra, nacida en la misma Java. Con Laura todo se ve de otro color.

Pero, ¿quién es Drácula? (9)

2006-11-29T18:59:00.000+01:00

Roger Daltrey
Vampirella (Jim Wynorski, 1996)

El desastre de proporciones bíblicas que constituye la adaptación fílmica del cómic Vampirella es un tour de force de despropósitos difícil de superar. Aun admitiendo la dificultad inherente en elaborar un producto cinematográfico a partir de un material base tan propenso al ridículo (acaso porque sus planteamientos sólo funcionen en el medio del tebeo y no sea factible la traslación), concatenar tantas pifias y mal gusto en aspectos como el vestuario, los efectos especiales o los (hirientes) diálogos, se justificaría incluso mejor desde la intencionalidad que desde la ineptitud de sus responsables. Esta película producida por Roger Corman fracasa desde el mismo diseño del atuendo de la vampira, razón de ser del personaje, que convierte el atrevido modelito original formado por dos tiras de tela en una especie de traje de baño futurista unido a un pañal para adultos con pérdidas de orina. Desde luego, no iba a ser Jim Wynorski, ejecutor de la perniciosa Ghoulies IV (1994), el encargado de enderezar el rumbo del barco, sino más bien todo lo contrario. Lo cual no deja de ser una pena, ya que al menos Talisa Soto parecía una opción aceptable para encarnar a la heroína.

Drácula, al que llaman Vlad durante la mayor parte del filme, no logra escapar al funesto panorama global y tiene que enfrentarse a la interpretación de un Roger Daltry que asume erróneamente que la etiqueta de "animal escénico" es extrapolable entre artes. Bajo los focos de un escenario, con un micrófono en la mano junto a sus compañeros de The Who Daltrey encandila, pero tras las cámaras y recitando líneas se queda en "animal" a secas. Tampoco es como si le tocase lidiar con una vibrante creación surgida de la pluma de Oscar Wilde, claro. Sin embargo, la sobreactuación constante subrayada por un insistente ciclo de muecas y siseos se empeña en situarle en muy mal lugar. No ayuda un vestuario por encima de las connotaciones del vocablo hortera y el mechón de pelo postizo de quita y pon que porta. Para colmo de males, a este Drácula alienígena lo emparentan con el Lestat de Anne Rice al transformarlo en un cantante de rock que nos torturará con la interpretación íntegra de uno de sus temas (probablemente un descarte de tercera fila del repertorio de Daltrey). Sus súbditos distan notablemente de las distinguidas (y liberadas) vampiras de las películas de Terence Fisher y se identifican con un grupo de zorrones y macarrillas enfundados en cuero.
Dolor es la expresión aplicable al pensar que Hammer estuvo a punto de rodar su particular visión del cómic décadas atrás (se dijo que con Caroline Munro, nada menos, luciendo trapitos) mientras que los aficionados hemos tenido que conformarnos con semejante engendro. Ay.

La vampira de las estrellas

2006-11-28T12:06:00.000+01:00

VAMPIRELLA: LAS CRÓNICAS CARMESÍ VOLUMEN 3

Guión: T. Casey Brennan y otros
Dibujos: José González y otros

Desde hace unos días se puede encontrar en las abarrotadas librerías especializadas de España el tercer volumen de Las Crónicas Carmesí de Vampirella, antología que recopila las historias del personaje (entre otras) pertenecientes al mítico magazine en blanco y negro editado por Warren allá por la década de los setenta. Vampirella es un cómic cuyos guiones, aun disfrutando del oficio de autores como Archie Goodwin, no han aguantado todo lo bien que deberían el paso del tiempo y se han tornado de un rancio no exento de encanto. Sin embargo, el recuperar estos tebeos obedece a razones que sobrepasan la mera arqueología, puesto que cuentan con un impresionante aspecto gráfico centrado en los lápices de Pepe González, artista que dotó al personaje de su apariencia definitiva a recordar durante décadas posteriores (y las que posiblemente seguirán). La vampira de Drakulon (sic) no suscita apasionados debates relacionados con la calidad de sus aventuras, pero sí es venerada en el globo entero como un icono sexual de una magnitud sin equivalente en el mundo del cómic (aunque se pueden encontrar paralelismos en otras artes: véase Bettie Page). Tan sólo basta con hacer una búsqueda rápida por Google para darse cuenta de la gran cantidad de dibujantes que han sentido la necesidad de plasmar su visión de esta popular belleza pin-up. Buena parte de la culpa se le atribuye a su traje, o más bien a la ausencia de él, mas al parecer algo tiene el personaje que es capaz de ofuscar las acusaciones de sexismo y generar una nutrida legión de admiradoras que incluso juegan a disfrazarse (en ocasiones con diseños de cuño propio) de su heroína favorita.

Este tomo en concreto resulta una interesante lectura para los fanáticos del vampirismo, ya que plantea una revisión del Dracula de Bram Stoker desdiciendo puntualmente lo escrito por el irlandés (como haría posteriormente, 1975, Fred Saberhagen en The Dracula Tape) bajo un prisma mucho más amable del Conde. La trama en sí no puede ser más rocambolesca. Tanto Vampirella como Drácula son dos alienígenas del planeta Drakulon que viajan hacia atrás en el tiempo mediante la magia buscando objetivos diferentes. Ella una cura para el vampirismo, él redención por sus crímenes pasados (una inusitada violencia de género hacia Lucy Westenra y Mina Harker) al servicio de los lovecraftianos Dioses del Caos. Por el camino les acontencen varios sucesos al límite de la credibilidad, confluyendo sus deseos en un amor mutuo. Los capítulos se encadenan unos con otros incorporando y desechando elementos según convenga en la mejor tradición pulp, si bien la combinación (novela romántica, el mencionado Lovecraft, ciencia-ficción de cartón piedra, cine negro...) no termina de alcanzar una armonía satisfactoria. Destacan contadas escenas como la terrible furia desencadenada por una Vampirella drogada hasta los pendientes con cocaína en un contexto de lo más melodramático. Apenas unas pinceladas de inspiración en un cómic muy encorsetado por unas modas literarias hoy en día bastante desfasadas.

Otra cosa bien diferente son los dibujos de Pepe González (que integran la vasta mayoría del volumen). No existe otro artista capaz de dotar de dignidad a una figura tan a priori dada a la vulgaridad sin renunciar en absoluto a la sensualidad. Y nombres de talento no le han faltado a Ella (Sutton, Texeira, Conner, Frazetta...), pero nadie como González para trazar esas curvas que acompañan a la chica de mirada triste. Si acaso se podría acusar al dibujante de cierta tendencia al estatismo y a la concatenación de (preciosas) estampitas. Defecto que a buen seguro el lector de Vampirella, muy consciente de lo que se trae entre manos, sabrá perdonar.

Vampiros con recato

2006-11-23T18:30:00.000+01:00

THE LAST SECT

Jonathan Dueck, 2006

Sydney es una periodista que junto a su extremadamente machista compañero descubre por casualidad una insospechada relación entre una página web dedicada a mostrar asesinatos rituales (ficticios.. o no) de carácter vampírico y una agencia de citas online. La investigación efectuada le llevará a conocer a la inquietante Ana, directora de la empresa. Al instante se establece entre ambas un vínculo inexplicable que ejerce su influjo con mayor intensidad fuera de las horas de vigilia. Pudiera tratarse de un antojo romántico, mas la realidad supera los límites de lo creíble. Ana no sólo es una exitosa mujer de negocios, sino que además lidera a una secta de vampiros en busca de un sirviente, de entrega voluntaria, que cuide de sus indefensos cuerpos durante el periodo de hibernación al que necesariamente han de someterse. Huelga decir que ha posado sus ojos sobre Sydney para que ocupe dicho cargo.
No obstante, Abraham Van Helsing hará todo lo que esté en sus manos para evitar tan funesto destino. Los días en los que Abraham presumía de héroe de acción han quedado atrás, así que se ve obligado a recurrir a los servicios del despiadado Karpov para propinar el estacazo ocasional. Todo sea por detener a tiempo los macabros propósitos de la secta de chupasangres.

Descrita en numerosas ocasiones como un festival de bostezos garantizado, The Last Sect no puede vanagloriarse de aportar grandes matices al mito vampírico pero tampoco han de subestimarse sus méritos (por muy relativos que estos sean). Quizás su cotización se incremente tras comparar a la cinta con competidoras poseedoras de parámetros similares. Lógico. Estamos demasiado acostumbrados a producciones de ínfimo presupuesto en las que los no-muertos tan sólo son una mera excusa argumental para hacer desfilar por delante de la cámara a un puñado de hembras desnudas. Lo cual no entraña en sí mismo mal alguno, pero reiteración y aborrecimiento acostumbran a ir unidos. Y cuando nos referimos a reiteración excesivamente siliconada el problema se agrava. Así pues, que este filme no deje ni un seno al descubierto constituye, quién lo diría, un soplo de aire fresco considerando las circunstancias. Lo que no deja de ser una peligrosa arma de doble filo, puesto que, descartada la seducción mediante los bajos instintos, queda captar la atención del espectador a través de aspectos puramente artísticos. ¿Triunfa o fracasa The Last Sect en la empresa? Al menos lo intenta, que ya es algo, si bien se trata de un intento tan autoconsciente y carente de sutilidad que no convence.

Entre continuas ralentizaciones, escenarios oníricos y un moroso desarrollo de acontecimientos se apela a la vacuidad esteticista propia de diversos videoclips o vídeos promocionales que apenas favorece la narrativa fílmica. De ahí el sopor que embarga a algunos espectadores, traicionados, y esto es pura especulación, por una carátula que promete sensaciones diferentes de las que la película ofrece. También es justo reconocer que tras el ejercicio de nadería cinematográfica (porque revestir de cierta trascendencia a un argumento tan chorra se las trae) se aprecian unos conocimientos del medio que otros directores no tienen.
Un desaprovechado David Carradine, (¿demasiado mayor o simplemente desencantado como para tan siquiera levantarse del sofá?), se encarga de proveer el toque de distinción preciso y Natalie Brown la belleza, aunque el reparto femenino en general está bien surtido de esa cualidad.
El problema principal de The Last Sect es no saber aprovechar algunas de las ideas que lanza al aire, quedando como apuntes hilvanados con una trama muy pobre sobre la que se debería haber reflexionado en mayor profundidad (¿por qué molestarse en organizar una agencia de citas?, ¿a qué viene exponerse con tanta alegría en internet?).
En definitiva, un título apto para fanáticos del cine de vampiros que el resto de mortales puede obviar de su dieta fílmica sin remordimientos ulteriores.

Subtitulando a Valerie

2006-11-19T11:27:00.000+01:00

Subtítulos para Valerie a Týden Divu traducidos al español por Hijo del Celuloide aquí.

(En caso de no funcionar el enlace, acudan a la página de inicio de www.subdivx.com y efectúen una búsqueda del título.)

Little Valerie in Slumberland

2006-11-19T10:42:00.000+01:00

VALERIE A TÝDEN DIVU

Jaromil Jireš, 1970

Jaroslava Schallerová
Helena Anýzová
Jan Klusák
Petr Kopriva

5/5

Desde edades muy tempranas me ha resultado fascinante la despreocupada alegría con la cual el ser humano se entrega a los brazos de Morfeo. El dormir, además de cumplir una necesaria función fisiológica en nuestro organismo, no deja de constituir un acto de fe considerable. Después de todo, qué garantías se nos ofrece de despertar sanos y salvos, cómo saber que la puesta en pausa de nuestra consciencia no va a ser definitiva... ¿podemos considerar juicioso confiar en algo que no arroja más que incertidumbre?
Evidentemente, esta línea de pensamiento se descarta desde el mismo momento en que está en las antípodas de lo que calificaríamos como una conducta adaptativa, pero a poco que se reflexione sobre ello uno halla nuevos significados en esta actividad cotidiana.
Horribles significados, espantosos significados.

Dormir es un salto al vacío sin asideros, un síntoma latente de la enfermedad humana y, en última instancia, la negación de la propia vida.
No obstante, existe una válvula de escape que nos proporciona un hilo al cual aferrarnos mientras andamos a tientas por la oscuridad: los sueños.
Acaso el único recordatorio permitido de nuestra identidad durante estas horas cruciales, los sueños pueden convertirse un placentero solaz ante la angustia de lo diario o el peor terreno en el cual enfrentarnos a los temores más recónditos.
Lo cierto es que nadie parece comprender en su totalidad el mecanismo que los conjura y hace funcionar y, sin embargo, es factible afirmar que las imágenes aparentemente inconexas que les dan forma se rigen por algún tipo de lógica, aunque ésta quede restringida al plano onírico y no seamos capaces de aprehenderla más que a través de una elaboración a posteriori.

Esta peculiar característica de los sueños se ha intentado trasladar al cine en numerosas ocasiones, pero raramente con la misma fortuna que en la hermosa Valerie a Týden Divu.
El juego de contradicciones y ambigüedades planteado tan sólo halla contrapartida en el artículo genuino, y, aún así, el inusual acierto en su representación asombra pasando de puntillas por los rincones inactivos de nuestra mente. Personajes, situaciones y escenarios cambian continuamente sin perder coherencia, puesto que ésta se crea y destruye a cada minuto, casi a cada fotograma. Identidades, relaciones familiares y estados vitales están en perpetuo movimiento, adquiriendo nuevos matices sin cesar. La disposición del espacio es elástica, posibilitando la aparición de los actores en los lugares más insospechados (tumbados encima de una estantería, subidos a un campanario, en el interior de un ataúd, encadenados sobre un riachuelo...). El tiempo es un constructo que ahora más que nunca precisa la participación expresa del individuo.

Para conocer con propiedad a qué aternos basta con enumerar el Dramatis Personae: La joven Valerie enamorada del que podría ser su hermano Orlik, actor ambulante / mozo de los recados de Richard que según él asesinó a sus progenitores. El mencionado Richard, presunto padre de ambos (se afirma y niega alternativamente), vampiro por naturaleza, turón por arte de magia y guardia / obispo por vocación. La angulosa y sensual abuela / prima / madre de Valerie, cuya cama fue compartida por éste y por Gracian, misionero de beata apariencia que alberga lujuriosas intenciones hacia Valerie. Hedvika, casada con un avejentado granjero, víctima de los colmillos de los "padres" de Valerie y amiga / amante de ésta.

Conviene remarcar que la utilización del término "juego" realizada anteriormente tiene poco de gratuita, pues durante toda la historia predomina un ánimo ambivalente entre el peligro constante y la valoración lúdica de lo sucedido. Mientras que los actos de presencia del vampiro que puede ser o no ser el padre de Valerie suelen ser sombríos y amenazantes, y aún siendo sometida la protagonista a situaciones terribles, en todo momento cuenta con un plan de fuga simbolizado por los pendientes de propiedades mágicas. Especialmente significativa es la escena en la que una risueña Valerie es inmolada públicamente en una pira funeraria. Por cruel que parezca el escenario, siempre se ofrece un resquicio de seguridad que sólo otorga la convicción de estar viviendo un inofensivo sueño.

A los pendientes se les asigna un papel, nunca explicado de forma meridiana, que cobra una suma importancia en el desarrollo de la cinta. Elemento que salva a Valerie de cualquier percance, horroriza a su abuela que le insta a que se deshaga de ellos. Según le comenta a la niña, esos ornamentos pertenecieron a su madre y únicamente dejó de usarlos cuando ingresó en el convento.
Extraer una lectura moral del suceso entra dentro de lo previsible y más si tenemos en cuenta el discurso global del filme.

El eje central de la trama tampoco escapa a la dualidad reinante. No es necesario acudir a rocambolescas justificaciones para reinterpretar la película como una metáfora del despertar sexual en la adolescencia disfrazada de cuento feérico, si bien ahí no se agotaría su riqueza temática. Valerie ejerce de observadora, pero también de sujeto activo (en ocasiones muy a su pesar) de un nuevo mundo que se despliega a su alrededor. Las claves se sitúan en primer plano desde el mismo inicio y se suceden sin tregua:

- Un placer vouyerístico: El producido por deleitarse mirando a un grupo de muchachitas besarse en el río.
Momento muy entroncado con las obsesiones habituales del fotógrafo David Hamilton, representa una primeriza pulsión sexual resuelta de manera inocente.

- Valerie tiene su primera menstruación al pasear por las inmediaciones de su casa. Las gotas de sangre caen encima de las flores en el suelo.
Símbolo más que evidente del final de la infancia y penetración en la esfera adulta, la menstruación es una imagen de gran poder visual y evocador que no acostumbra a prodigarse en el cine.

- El vampiro obliga a Valerie a observar a escondidas una escena íntima entre su abuela y Gracian. La mujer no sale muy bien parada, pues suplica desesperada al misionero que le haga el amor. Éste ya no la encuentra atractiva y sólo ofrece negativas, ante lo cual su insatisfecha amante procede a fustigarse con un látigo.
Una viñeta cargada de significado porque hasta ahora el papel de la abuela era un ejemplo de recato. Valerie aprende que en el universo de los adultos nada es lo que aparenta, y que bajo las normas y rectitud se esconden todo lo contrario: el deseo; animal e incontrolable. Por si fuera insuficiente, el impacto se incrementa al autohumillarse despojándose de toda dignidad.
En boca de la incrédula muchacha: "Sólo es un sueño. Estoy durmiendo y sólo es un sueño"

- Después de contarle a Valerie una ambigua anécdota sobre la conversión de una menor al cristianismo, Gracian irrumpe en su cuarto e intenta violarla. Al desnudarse deja ver un colgante hecho de colmillos que escondía tras el hábito.
Nueva muestra de lo anteriormente mencionado, esta vez con consecuencias aún más desagradables para Valerie. Atención al objeto que queda a la vista, pues guarda un alto valor connotativo.

-Etc, etc...

Valerie atraviesa un proceso de maduración sexual cuyo punto de partida tiene lugar en los primeros minutos de la película, concretamente cuando la joven ve por primera vez al vampiro desde su ventanta; Conejo Blanco de la curiosa Alicia. El no-muerto aparece tapándose el rostro con una máscara que aparta para dejar ver un semblante monstruoso y un atractivo hombre alternativamente. Este juego de espejos viene precedido por la aparición de un turón que sin ningún motivo aparente inquieta a Valerie. Más tarde averiguaremos que el simpático animal es una más de las manifestaciones de Richard, personaje que actúa de impulso para el cambio del status quo en la historia.

No es casualidad que el encargado de trastocar los esquemas de Valerie y la seguridad de su mundo infantil sea una figura cuya identidad fluctúa continuamente. Tan pronto se muestra cariñoso con ella como despiadado e incluso dañino para su integridad. Forma parte de un subtexto presente en el filme que podríamos equiparar con el Conflicto de Atracción / Evitación tal y como lo define la psicología moderna. La protagonista obtiene consciencia de una nueva faceta de su personalidad que le fascina y aterra a la vez, al igual que Richard. Un conocimiento que marca con huella indeleble ("¿Tengo los labios manchados?", pregunta). El sexo puede ser una fuente de placeres (Hedvika) pero también una experiencia amenazante (Gracian, Richard...). A veces ambas opciones coinciden en el tiempo y el espacio. Y cuando las florecientes sensaciones crecen hasta que no deben ser ignoradas produciendo rechazo, siempre queda recurrir a la negación mediante el tabú del incesto (¿realmente Orlik es su hermano o prefiere creerlo?).

Atención también a la reveladora noche de bodas de Hedvika, la cual Valerie contempla espantada desde su cama sin mediar explicación alguna de cómo el prodigio se hace posible. Al igual que en el resto de la película, cabe la interpretación de que lo mostrado no exista fuera de la burbujeante imaginación de la niña. A fin de cuentas es el único personaje que no muda de piel a cada escena, permaneciendo reconocible en todo instante. El resto no paran de mutar como si de un sueño se tratase.

Para acompañar a las sugerentes propuestas del guión, Jaromil Jireš compone unas imágenes sublimes, de una fotografía especialmente notable. La escenografía del filme tiene un caracter pastoril acorde con las localizaciones propias de los cuentos de hadas de los que la cinta es deudora. En términos simplistas, la dualidad permante se traduce en un contraste entre el blanco (color asociado tradicionalmente a la pureza) del cuarto de Valerie y el negro de húmedas criptas y lugares de reunión para hacer realidad oscuras fantasías.
Lástima no haber podido disfrutar del plano visual en óptimas condiciones a causa de poseer una copia deficiente (cromatismo apagado y falta de definición), pues se nota que se ha puesto un cuidado extraordinario en su consecución. Quizás la reciente edición en DVD consiga paliar dichas carencias, pero mientras no se realice un trabajo de restauración exhaustivo habrá que conformarse con "lo que queda de" más que con "lo que debería ser".

No menos estimulante resulta la banda sonora, que combina ensoñadoras flautas con angelicales coros de niños. El mismo comienzo de la cinta, con esa línea melódica tan cristalina poniendo el contrapunto a planos de Jaroslava Schallerová sosteniendo una paloma, atusándose el pelo o comiendo cerezas, constituye una magnífica carta de presentación que hace intuir el estar a punto de presenciar algo grande.

Queda claro que la obra luce unos imponentes valores artísticos, que, sin embargo, no han hallado correspondencia en su apreciación popular, siendo relegada a un estatus de culto cuya orientación minoritaria se reduce con el transcurso de los años.
Prueba de ello es su reciente programación en el Festival de Sitges o la influencia ejercida en otras artes como la música. Al respecto, es necesario destacar la versión-homenaje del tema principal de la película que el grupo británico Broadcast plasmó en el excelente disco Ha Ha Sound (2003).
Si desean escucharla basta con dirigirse aquí.

Buena parte de culpa del ostracismo al cual está sometido el filme procede de la (equivoca) identificación de desnudos de menores con pornografía infantil y la hoy tan perseguida pedofilia, fuente de una considerable psicosis en la red de redes.

Estigma compartido por importantes títulos como Bilitis (David Hamilton, 1977) y Tomato Kecchappu Kôtei (Shuji Terayama, 1971), cuya distribución comercial se ha visto muy perjudicada por sus incómodas (para algunos ojos) imágenes.

A pesar de contar con una mentalidad abierta en este terreno, es difícil no plantearse límites y barreras morales. Estar de acuerdo en que la mera exhibición del cuerpo desnudo de un/a niño/a no entraña peligro alguno para su posterior desarrollo emocional recibe un rápido consenso, pero si hablamos de implicar al pequeño actor en prácticas de índole sexual, aunque sean absolutamente fingidas, la cosa no está tan clara.
En opinión del firmante, y por fortuna, Valerie a Týden Divu permite disfrutar de su visionado sin reparo alguno, partiendo, eso sí, de que los lectores de Hijo de Celuloide (sí, me refiero a ustedes cuatro) respiran los prejuicios justos. Catorce espléndidos años de la no menos deslumbrante Jaroslava Schallerová son mostrados en toda su gloria, dispuestos a robarnos el aliento a base de risas, llantos, vida y belleza en estado puro. Tal vez incluso logre enamorarnos.
(Tómese lo anterior como se quiera.)

Repasando lo escrito me doy cuenta de que no está a la altura de las circunstancias. Este texto supone un pobre tributo a una obra imposible de abarcar, de belleza inaprensible que anida en el propio corazón del concepto. Me doy por contento, pues, si por lo menos ha servido para despertar la curiosidad del lector por la durmiente Valerie.
Dulces sueños y no pierdan de vista esos pendientes.

El cine como estupefaciente

2006-11-08T18:43:00.000+01:00

HAUSU

Nobuhiko Obayashi, 1977

Kimiko Ikegami
Kumiko Ohba
Miki Jinbo
Yôko Minamida

4/5

Oshare recibe la desagradable noticia de que su padre va a casarse de nuevo con una auténtica desconocida tras la defunción de su esposa. Ahogada por el rencor hacia su progenitor y la usurpadora que pretende enturbiar la memoria íntima ligada a su madre, decide aprovechar las vacaciones de verano para poner tierra de por medio y quizás reflexionar sobre su nuevo estatus familiar desde la lejanía. Es momento de volver a visitar a su tía, residente en una casa de campo castigada por el paso del tiempo y el eco de amargos recuerdos, a la cual Oshare no veía desde hace diez años. Pero no irá sola, pues sus campañeras de clase se han quedado sin plan vacacional y están más que encantadas de viajar junto a su amiga hacia un destino muy distinto del imaginado.
Desde el mismo momento en que las jóvenes ponen el pie en la casa de la tía de Oshare acontecen fenómenos inexplicables que en un principio se aceptan sin demasiados reproches, ya que no desentonan con el panorama mágico que se despliega ante ellas, pero que no tardan en adquirir un cariz siniestro llegando incluso a poner en peligro su integridad física. Porque una cosa es que los objetos simulen hablar, que la nevera estropeada sea un portal espacial o que el esqueleto humano que coge polvo en una esquina se ponga a bailar, y otra bien distinta que el piano engulla los dedos de una de las chicas cuando se disponía tocar una melodía (por poner un ejemplo). Esta mansión es una trampa mortal en la que las agresiones pueden venir desde cualquier ángulo y perspectiva al no aplicarse las leyes básicas de la lógica, y escapar parece fuera de lugar...

Calificar al filme de Nobuhiko Obayashi como extravagante es quedarse lejísimos de la línea de meta. Surrealista, histriónico, lisérgico, cursi, empachoso, son adjetivos mucho más acordes a la mise en scène de una historia, por otra parte, de planteamiento convencional que ahonda en la profusa tradición de las casas encantadas, pero cuyas imágenes penetran en el terreno de lo altamente inusual.
Hausu posee un atrevimiento, diríase, juvenil a la hora de narrar el guión. Lo cual a efectos prácticos se plasma en el uso de todos aquellos instrumentos fílmicos que el director considere necesarios sin pararse a cuestionar su valor estético. Lo importante es el movimiento, la conquista por la suma aunque sea a expensas de la habilidad para procesar la ingente cantidad de información visual con la que se bombardea al espectador. Y es que a la hipercolorista fotografía de la cinta (desde Dario Argento hasta Shuji Terayama podrían ser citados para buscar referentes / reflejos), y a la hortera y divertidísima banda sonora, se añade la presencia de multitud de recursos (cortinillas, animación tradicional, collages, saltos espaciotemporales...) que se suceden sin respiro alguno con una velocidad que haría palidecer al Russ Meyer más juguetón.
La combinación resultante es a todas luces indescriptible... e incluso imposible. Sin embargo, el visionado de unos minutos de la película basta para atestiguar que el torbellino de sensaciones propuesto no sólo es factible, sino que se lleva a cabo sin caer en la temida vulgaridad. Uno no sabe muy bien si propinarle una colleja o darle una palmada en la espalda al niño de Obayashi, pero, por suerte y al menos durante la proyección de la cinta, no es preciso tomar la decisión en el estado de embriaguez perceptiva provocado.

Al igual que en multitud de cuentos infantiles nos encontramos con una historia que reune una vertiente de inofensiva fantasía naif junto a otra de marcada oscuridad. Así pues, se producen frecuentes contrastes entre momentos de un absurdo hilarante seguidos de escenas capaces de helar, es un decir, la sangre en las venas (atención al apetito del piano familiar) en un crescendo imparable de maldad nihilista. De hecho los primeros minutos de la cinta inducen a la confusión, ya que podría darse a entender que la obra es una comedia. Entre las transiciones propias del dibujo animado y la misma presentación de las protagonistas dotadas de pintorescos nombres y cualidades (Kung Fu, experta en dicho arte marcial, Melody, con inquietudes musicales, la glotona Mac...), se ofrece un caramelo dulce al comienzo, pero que conforme se va disolviendo en el paladar revela un inesperado sabor amargo.
Para ilustrar esta exposición tomemos como referencia el siguiente ejemplo: Los primeros ataques de las fuerzas diabólicas componen un cómico e inocentón escenario. Una de las chicas acude al pozo para sacar una sandía que previamente habían dejado a remojo pero lo que en realidad extrae del mismo es una cabeza voladora que le muerde en el trasero, y de la que no consigue desprenderse pese a menear el pompis a conciencia. Otras víctimas no correrán el mismo destino y su cuerpo será descuartizado en diversas piezas con cruel deleite.
Pasar de la risa al escalofrío y viceversa se convierte en un proceso impredecible ya que discernir la intencionalidad de los estímulos expuestos resulta complicado. En cualquier caso, dentro de lo desconcertante de la película per se, existe cierta coherencia homogeneizante, aunque sea motivada por la ausencia general de ésta.

Hausu es un filme afortunado puesto que es capaz de integrar, a menudo inexplicablemente, los elementos más ridículos en el contexto global sin dejar entrever disonancia alguna. En otro título molestaría la risible partitura sonora que acompaña a las exhibiciones atléticas de Kung Fu y, por contra, aquí no sólo encaja a la perfección, sino que enriquece la ceremonia del exceso celebrada. Claro que los pantaloncitos cortos que porta el mencionado personaje son distractor suficiente como para pasar por alto todo mal.
Tras la rendición inicial se cierran las alternativas y la única posibilidad es maravillarse ante la estupidez propia y del espectáculo contemplado. Mi impresión es que si Obayashi hubiese dedicado los minutos finales a saldar el metraje con filmaciones de perritos enfundados en tutú, tanto daría. La entrega, de producirse, es incondicional y todo, absolutamente todo, vale.
Cabe preguntarse la influencia de la cinta en la obra de directores tan diferentes como Miike Takashi (véase The Happiness of the Katakuris, 2001) o Tim Burton, cuyo Beetle Juice (1988) se ha comparado en atmósfera y plasticidad al título que nos ocupa en no pocas ocasiones. De todas formas, es tal la originalidad y arrollante personalidad de la película que su valor intrínseco supera a la reprecusión posterior que haya podido tener, convirtiéndose a día de hoy, con la perspectiva que proporciona el paso de los años, en una pequeña caja de sorpresas que merece la pena destapar. Al menos las personas que gocen de una alta tolerancia a lo estrafalario (espero que la mayoría de los que lean este texto, porque, en caso contrario, ¿qué están haciendo?) deberían extraer una considerable dosis de satisfacción que distribuir al torrente sanguíneo.

Inocencia interrumpida

2006-11-01T16:25:00.000+01:00

THE DEFILERS

Lee Frost, 1965

Carl y Jim son dos amigotes norteamericanos, blancos, jóvenes, bien alimentados y mantenidos por sus queridos progenitores cuyo modus operandi en la vida pasa por la continua búsqueda de diversión. No obstante, quemar la ciudad en sus descapotables y retozar con compañeras intercambiables en la playa o donde se tercie está perdiendo su efímero atractivo a marchas forzadas. Especialmente para Carl, que trata de convencer a Jim de que los placeres de los que disfrutan son banales. La magnética personalidad de este será suficiente para persuadir a su influenciable amigo de llevar a cabo un descabellado plan sin tener en consideración las posibles consecuencias. Juntos van a apoderarse de una chica a la que nadie echará en falta y procederán a cosificarla mediante su encierro en un sótano y conversión en mero juguete sexual siempre dispuesto a aplacar sus bajos instintos. Pero a estos hedonistas no les basta con forzar a su víctima y ahondarán en la denigración de la joven a base de palizas ocasionales.
¿Serán capaces de poner fin a un comportamiento tan vil antes de que la espiral de violencia les lleve a un punto irreversible?

Más allá de las consideraciones artísticas, The Defilers supone un título crucial a la hora de entender la evolución del fenómeno exploitation. A principios de los sesenta se optaba por una visión lúdica del sexo en el Cine B, insertando desnudos en un entorno despreocupado cuando no directamente humorístico. Sin embargo, era preciso ofrecer un valor adicional que retuviese la momentanea atención concedida por los espectadores ávidos de sensaciones fuertes y la fórmula para lograrlo era tan antigua como la vida misma: conjugar el sexo con la violencia. De esta forma se pasó de las inocentes nudies a las mucho más perniciosas moralmente roughies. The Defilers no es el primer exponente cronológico de este movimiento (ni el más osado), pero sí pertenece a la primera hornada de aberraciones amparadas por este precepto y es frecuentemente citada como uno de las cintas más representativas del subgénero. Varios francotiradores, entre ellos el responsable del guión, David F. Friedman, se encargarían de recrudecer progresivamente el planteamiento de proyectos sucesivos alcanzando niveles a los que esta timorata película apenas se aproxima. Después de todo, y por reprobable que sea la ética de la pareja protagonista, los sucintos asaltos sexuales y zurras acontecen en segundo plano la mayoría de las veces, posibilitando el mantener los ojos fijos sobre la pantalla sin demasiados reparos morales.

Pasemos revista a los aciertos. Por una parte nos encontramos con una siempre elegante fotografía en blanco y negro que unida a los inusuales encuadres (tan torcidos como las aviesas intenciones de Carl y Jim) componen un panorama visual austero mas atractivo. El complemento de una banda sonora a medio camino entre el jazz y el lounge (en contraste con momentos de incómodo silencio) figura también en el apartado de pros. Tampoco molestan las muestras de anatomía al natural, sin innecesarias intervenciones quirúrgicas que estropeen la belleza y diversidad del cuerpo femenino.
Pero lo más destacado de la propuesta lo aporta el pasadísimo de rosca personaje compuesto por Carl, que nos obsequiará con perlas dialécticas de alto nivel que ilustran su inusual filosofía vital. Este prototipo de sadomacho burgués enseña a futuras generaciones el modo correcto de tratar a las mujeres. ¿Que no se dejan magrear en tu apestoso y mugriento cuchitril subterráneo? No importa. Una oportuna bajada de ropa interior y unos cuantos cachetes sobre las nalgas consiguen transformar la negación en banda y los reproches iniciales en entrega incondicional.
Todo un modelo de conducta sobre el cual realizar anotaciones.